Entrevista al pianista y compositor Alejandro Aguilera. Volver y seguir andando

por Pao De Senzi, en  Córdoba

Ex integrante del grupo La Minga, vivió una década en Italia, donde trabajó con varios proyectos musicales, muchos de los cuales trajo al país para recomenzar su carrera, instalado en Traslasierra, su lugar de origen. Presenta su espectáculo “Rioplateado” en Cocina de Culturas, el primo viernes 31 de mayo, junto a su trío e integrantes de la Minga

Transerrano de nacimiento e italiano por adopción (más bien por adopción artística, ya que, en los 11 años que vivió en Roma se dedicó a trabajar intensamente en la música), el pianista, docente y compositor Alejandro Aguilera regresó al país hace un año, para instalarse con su familia en el lugar donde nació, Villa Dolores, Córdoba. Allí comenzó a re-inventar su carrera en Argentina, con un bagaje de trabajo y antecedentes que no son pocos.

Perteneció a la agrupación La Minga, una de las más importantes de Córdoba, que marcaron en su momento toda una época. La fusión, el talento y las composiciones propias, sumado a mucho trabajo, pusieron a los músicos de La Minga en el lugar de generadores de la movida musical de los noventa en una Córdoba que ya se jactaba de ser usina musical del centro del país.

Con algunos de los músicos que integraban aquel colectivo, y un proyecto nuevo (entre los muchos que tiene para recomenzar la historia aquí) Alejandro Aguilera se presentará en Cocina de Culturas (Av. Roca 491, Córdoba) el 31 de mayo a las 22 horas. Lo acompañarán  además el trío con el que viene trabajando (él en piano, Esteban Gutiérrez en percusión, y Fernando Olmedo en contrabajo), Hernán Soria en violín, Juan Herrera en flauta traversa, Guillermo Re en guitarra, Aldo Cerino  en piano y Gabriel Aguirre en guitarra. La danza estará representada por Chachi Heredia, y Julieta Ferrero será la artista digital en vivo. Como se grabará en vivo, Fabricio Aballay será el técnico en el tema y Julián Aguilera el encargado de edición de  videos. También anunció su presencia otro transerrano, Jose Luis Aguirre.

Sera una excelente oportunidad para re-conocer a este artista, que en charla con Boletín Folklore, adelanta lo que será la presentación y de paso, hace algunas apreciaciones sobre el arte en nuestro país y el exterior.

¿Qué espectáculo presentarás en Cocina de Culturas?

AA: -Quedó en el tintero un disco por grabar con el trío. En el 2008, en una de mis venidas al país armamos algo, y a partir de esta presentación vamos a empezar a movilizar todo eso, primero para que se vuelva a asociar la idea de que sigo tocando, y segundo para que mi nombre solista, genere interés, además de ser recordado como parte de La Minga.

¿Sería como comenzar de nuevo?

AA: -Tengo que reconstruirme. Es como empezar de cero pero con la cabeza más tranquila. Yo ahora creo en lo que hago, ya no tengo ese  fervor juvenil de que las cosas me salgan ya, y está bueno, porque el tiempo afuera te da, para bien o para mal, un momento para elegir las cosas, desde el punto personal o artístico, incluso no tengo ganas de asentarme en una ciudad como Córdoba, donde viví, y que me encanta, sino en Villa Dolores. Yo nací ahí, volvía cada tanto y con mi esposa, que es artista plástica, pensamos que era el mejor lugar para vivir cuando quisiéramos volver. Ambos sabemos que tenemos que reinventarnos acá, porque hay otra forma de trabajar, allá el mismo mercado es menos hostil, podés ser un perfecto desconocido y vivir plenamente de lo que haces. Allá intercalaba mi trabajo de docencia con mis proyectos musicales y nos iba muy bien. Acá se produce mucho, pero siempre está el problema económico, que para movilizarse, por ejemplo, es más costoso, es un hecho real, pero eso a mi no me afecta. Tres años antes no me hubiera venido, y ahora creo que estoy muy bien y seguro de que hice las cosas bien.

En el espectáculo presentarás también un segmento multimedia.

AA: -Estamos trabajando con tablets, una parte y otra parte probablemente vamos a filmar y proyectar en vivo, siete temas que tienen sus propios videos que arma mi hijo. Elegimos Cocina de Culturas, porque allí están las condiciones con las que uno quiere grabar correctamente, hay un piano acústico, el espacio está muy bien ambientado y es un lindo marco para este espectáculo.

Alejandro Aguilera se instaló en Traslasierra y ni bien lo hizo, comenzó a trabajar en sus proyectos nuevos y con otros que fue dejando en el tintero mientras vivía y trabajaba en Roma, actuando en teatros, auditorios, clubs, y manifestaciones musicales, allí también colaboraba asiduamente con la Embajada Argentina en los programas musicales que representan al país en el exterior presentándose por ejemplo en el Auditorio Parco della Música en Roma, en las Termas de Caracalla, en el Salón de los Espejos por el Día Internacional de los Derechos Humanos  ILA Instituto Ítalo Americano de Roma, en el Teatro Romano di Ostia Antica. También actuó en Suiza y Alemania

En Italia tu actividad se multiplicó en muchas cosas

AA: -En promedio he trabajado con cuatro grupos. Tres estaban focalizados en el tango y uno en trío (voz piano y violín) y mutaban depende la situación. En Europa no es tan fácil vender nuestra música folklórica, si la instrumental folklórica, pero en cuanto a la música, cantada, sólo Mercedes Sosa generó una movida importante.

¿Tuviste conocimiento de lo que pasaba musicalmente en Córdoba en estos tiempos?

AA: -Veo que hay gente muy entrenada, por ejemplo de la escuela La Colmena ha salido gente que te vuela la cabeza como toca. Hay un interés del público y hay un estudio técnico al que se llega antes de terminar los estudios, y veo la capacidad de autogestión que hay ahora por necesidad, bienvenido eso que hay ahora y que nosotros no teníamos en nuestra época. Acá hay una muy buena inventiva, una buena capacidad de sintetizar cosas, aunque a veces queriendo “latinoamericanizar” nos volemos muy localistas, pero hay una buena síntesis de chicos jóvenes que hacen mucho en artes plásticas y música, por ejemplo, gente muy talentosa que afuera no se convoca. Hay muchos que van y vienen, pero no hay buenos intercambios entre las  secretarías de cultura, o no se apoya, o cuando se hace, se apoya a los que ya se conocen

¿Qué otros proyectos tenés en mente?

AA: -Esto es un testeo porque se va a grabar en vivo este material y estoy escribiendo cosas para que este trío se anexe a una agrupación de cámara, de 15, 16 instrumentos de cuerdas, y estoy apuntando mucho al otro proyecto de cine que tenemos con un violinista que  es de Córdoba y que hace ocho meses volvió al país (Marcos Tessouro) y mi hijo.

Alejandro Aguilera Trío presenta “Rioplateado”. Música argentina instrumental. Con Esteban Gutiérrez en batería y percusión, Fernando Olmedo en contrabajo y por muchos de los músicos que integraron “La Minga”

Viernes 31 de mayo, 22.30hs
Cocina de Culturas. Julio A Roca 491 – Bella Vista
(0351) 156149275
Bono espectáculo $40

http://www.alejandroaguilera.com

Gastón Barral, director de Los Obreros Musiqueros, la Orquesta de Música Popular de la UOCRA. “La cultura es la herramienta fundamental para el desarrollo de un país”

El director de cultura de la Unión de Obreros de la Construcción, habla de la orquesta creada hace poco más de un año, en base a la idea de interpretar la música popular argentina y concientizar sobre los riesgos del oficio. Graba un disco con artistas consagrados, que pronto saldrá a difusión.

por Pao De Senzi

Lo que le faltaba a una gestión que impulsó durante más de cinco años la cultura  en la UOCRA, -donde quizá algunos entiendan que no tiene cabida tal término y gestión-, era crear una orquesta de música popular. Es que la tarea incansable del Director de Cultura de la Unión de Trabajadores de la Construcción, Gastón Barral, y su inquietud permanente, no pudo haber sido mejor auspicio para el nacimiento de los Obreros Musiqueros. Barral es comunicador, productor, cantor de tangos, gestor e impulsor del magnífico Auditorio Hugo del Carril que la UOCRA tiene en la calle Rawson casi Rivadavia, en Buenos Aires, y el ideólogo y voz de esta orquesta que surgió a partir de una convocatoria, hace poco más de un año, con la idea de transmitir, además de música, un mensaje sobre la necesidad de cuidar las medidas de seguridad en el trabajo. Por eso apareen, en el escenario, vestidos con atuendos de obreros, casco y borceguíes. Gastón Barral no está solo en su tarea cultural dentro del sindicato, el apoyo de las autoridades máximas es un buen empuje para llevar a cabo sus ideas, según cuenta, desde su oficina en Buenos Aires: 

“Uno tiene convicciones y creo que hace las cosas -o por lo menos en mi caso-, desde ese lugar. No se si soy consciente de que tenemos un gran espacio, se que en UOCRA hay una decisión política y social desde nuestro secretario general Gerardo Martínez de difundir y defender la cultura nacional, popular y latinoamericana y yo, que comulgo con esa idea y esta, de nuestra organización, gestiono en consecuencia. Estamos convencidos del trabajo que realizamos, creemos que es deber de los sindicatos ponerse al servicio de los trabajadores de la cultura y hacer un encuentro prodigioso entre los artistas y el pueblo que es el protagonista genuino de nuestra cultura.”

¿Cómo surge la idea de crear esta orquesta?

GB: -La idea surge como otro eslabón en la cadena de trabajo cultural que viene realizando la UOCRA. A partir de la apertura, hace 5 años que inauguramos la sala Hugo del Carril, (que de jueves a domingo ofrece música, danza, espectáculos teatrales e infantiles); también formamos el Ballet Compañía de Danzas Las Trincheras, actividades que parten de una decisión política del Secretario General, Gerardo Martínez de difundir cultura, desarrollarla dentro de los sindicatos y defenderla para favorecer la identidad nacional. Al tener un ballet y otras actividades sentí que necesitábamos un grupo de músicos populares argentinos y latinoamericanos que, aunque no sean obreros de la construcción, su atuendo (que sí lo es), forma  parte de una campaña que se llama “Así se trabaja”. 

¿En qué consiste esa campaña? 

GB- “Así se trabaja” es un proyecto que tiene como objeto informar sobre el vestuario necesario que necesitan los trabajadores de la construcción: guantes, arneses, borceguíes, protectores visuales y auditivos y cascos amarillos, bienes necesarios para protegerlos de posibles accidentes de trabajo.

¿La selección de músicos que hizo UOCRA Cultura fue pensada para esta formación?

GB: -Se realizó un anuncio por medio de la prensa solicitando músicos y gracias a la gran convocatoria de postulantes pudimos seleccionar esta orquesta tal cual la pensamos. 

¿Qué repertorio abarcan?

GB: -Fundamentalmente folklore argentino, latinoamericano y tango.

¿Tienen pensado grabar algún disco?

GB: -Si, ya empezamos a grabar con algunos artistas invitados como Yamila Cafrune, Bruno Arias, y Guillermo Fernández. En breve saldrá a difusión.

¿Desde tu gestión en UOCRA has logrado generar un gran especio para las artes y la cultura popular. En este sentido, ¿cuál es el secreto de tu permanencia y de la vigencia de tu trabajo?

GB: -La permanencia y vigencia de cualquier trabajo se basa en la honestidad, convicción, esfuerzo, preparación y alegría al llevarlo adelante. Acá en UOCRA Cultura somos un equipo de gente que trabajamos con esas ganas y esos preceptos, la vigencia no tiene nada que ver con la moda, la moda pasa, desaparece, pero la vigencia está dada por la identidad, las grandes obras de los grandes artistas de todos los tiempos de nuestro país siguen siendo tan actuales como hace 70 años atrás, y eso está dado por que hablan de lo que le pasa al hombre y a la mujer común, digamos tiene la sensibilidad necesaria para ver lo esencial son los sublimadores de la cultura. Nosotros aquí tratamos de imitarlos, tratamos humildemente de realizar ese trabajo, que es el de abrir las puertas del teatro de las trabajadoras y trabajadores constructores para que se produzca la “obra de arte”. Esto sucede cuando hay tres eslabones que se unen:  alguien que cree la obra, alguien que la interprete y alguien que la reciba, la disfrute, la critique, la valore…en fin la haga suya. Por eso en UOCRA cultura, creemos y sabemos sin lugar a dudas, que la soberanía de un país, no solo se cuida con puestos de gendarmería, radares, y cartógrafos; fundamentalmente se es soberano tomando a la cultura como política de estado, que es la herramienta fundamental para el desarrollo integral de una Nación.   

¿Tienen pensado realizar alguna gira por el interior?

GB: -Sí, estamos realizando ya algunos trabajos dentro de la provincia de Buenos Aires y a partir del disco seguramente realizaremos una gira por nuestro país. Hicimos gira por La Pampa, y ahora nos vamos a Entre Ríos y Corrientes

Hernán Bolleta presentó su primer disco en La Trastienda. Colorado, el color de las rebeldías y las esperanzas

 (por Silvia Majul. Fotos Eduardo Fisicaro)

El artista nacido en Miramar sacó a relucir las cancionesde su primer trabajo discográfico, el pasado sábado 11 de mayo en Buenos Aires, acompañado de un puñado de colegas como Popi Spatocco, Guillermo Fernández, Federico Pecchia, Oscar Kreimer, Che Joven y Héctor Esteban País, entre otros.

Hernán Bolletta es de los artistas que conquistan inmediatamente por su mirada inquieta y tímida y muy por el contrario sus canciones e interpretaciones  pasan al frente como verdaderos mazazos.

Puede pasar que en la maraña de discos que llegan a las redacciones o a la radios pase inadvertido este “Colorado”, un primer disco de un artista de este lado del mar que vaya a saber si tiene tanto para decir o no.

Sería de lamentar, puesto que no anda el medio musical argentino ahíto en nuevos talentos, ignorar la trascendencia que ha tenido este trabajo para los que de han recibido este CD “Colorado” dividido en varias fotografías que él mismo se encargó de revelar el pasado 11 de mayo en La Trastienda, en una noche para el catálogo.

Cuando hablamos de folklore, hablamos de esas fotos con sabor a cosa antigua, fotos trabajadas con paciencia de artesano, que reciclan la canción y la hacen postal para mañana.

Primera Postal por tres: “El Adiós” (Heredia y Yupanqui), el canto de Hernán y el piano de Popi Spatocco y “La Golondrinas” (Falú y Dávalos) junto a Guillermo Fernández, la guitarra de Federico Pecchia, el contrabajo de Pablo Motta y el saxo de Oscar Kreimer.

Ahora, ¿me das la razón de que es una postal del futuro?. Una voz del futuro con una canción de ayer. El saxo de Kreimer  aggiornado a la tradicional zamba salteña. ¿No es una foto lomográfica?. Y para completar esta postal argentina, uno de los mejores cantantes del 2×4 interpretando y dando nuevo brillo a ésta, una de las pocas zambas dedicadas al mar.

“Ser joven y no ser revolucionario es una contradicción biológica” decía el presidente Salvador Allende, y así, Hernán cumpliendo el mandato de los referentes sociales, trajo al escenario “Viejo Quintín intruso” del poeta pampeano Bustriazo Ortiz y Bruno Arias (la historia de un cacique ranquel que lo echan de su tierra). Otros de los momentos que entonaron con ese tema es cuando los “Che Joven” acercaron sus voces de color milenario y mapuche y entonaron con Hernán “De guitarra y albañil”.

El momento sepiado, con color a infancia, fue cuando invitó al dúo “Nuevo Rumbo” para interpretar “Miramar” y el bello “Cuando me toque volver” de su tío, el cantautor Héctor Esteban País. Volviendo al futuro y a ese MPA, a Bolletta lo acompañaron, con el verdadero énfasis del acompañante -sin brillo que tape pero con presencia contenedora y “envolvedora” de talento- Cintia Vallenari (coros), Ramón Córdoba (guitarra) y Juanjo Bravo (batería).

El cierre, antes de algunos bises, fue para el tema “Colorado” a toda murga junto a los uruguayos Lorena Sánchez, Luis Bertorelli y Evaristo Garcia.

Colorado, el color de las rebeldías y las esperanzas “lo que se funda en alguna apariencia de razón o de justicia”. Hernán Bolletta tiene ese color de razón y justicia poético musical en ese primer trabajo.

 

El Acto De Coincidir Folklore Se realizó en Río Negro el “I encuentro regional con intérpretes y creadores de la nueva música folklórica argentina” Patagonia- Ámbito pampeano

Imágenes Eduardo Fisicaro

Patagonia, Argentina, Abril de 2013 

La Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación, a través de la Dirección Nacional de Artes y junto a la Dirección de Cultura de la Municipalidad de Gral Roca (Río Negro) organizaron el “I Encuentro Regional con intérpretes y creadores de la nueva música folklórica argentina” (Patagonia-Ámbito pampeano) que se llevó a cabo los días 25 y 26 de abril, en Gral Roca (Río Negro). El mismo contó con el auspicio del Ministerio de Turismo, Cultura y Deportes de la Provincia de Río Negro.

Esta primera cumbre del folklore, tuvo la finalidad de acercar a los nuevos creadores con sus referentes, compartiendo, en un mano a mano, charlas, debates, talleres, conceptos musicales y canciones. Este encuentro fue la puerta abierta a los próximos que, también como parte del Programa Generación XXI, se realizarán en las regiones de Cuyo (Mendoza, 6 y 7 de junio) y Litoral (Chaco, 5 y 6 de julio).
En el inicio, los coordinadores, hablaron del actual panorama de la música argentina de raíz folklórica, que “se manifiesta, en los últimos años, en un nuevo repertorio de canciones, con una estética que resume el folklore del siglo XXI”.

En este marco se dieron cita artistas que van escalando la cima de la nueva música folklórica y popular argentina.

Entre las mujeres que participaron se encuentran Marcela Eijó, la nueva voz pampeana, que acercó entre otras canciones, “Confesión del viento” del poeta pampeano Roberto Yacomuzzi y música de Juan Falú o la ascendente Casiana Torres, de Tierra del Fuego quien subrayó un merecido homenaje al escritor y poeta del fin del mundo (Ushuaia) José María Castiñeira de Dios.

A ese diálogo, entre las músicas tradicionales y las influencias de otros géneros como el rock, el jazz y la canción latinoamericana, que manifiestan con orgullo la raza de jóvenes, se sumó un plus fundamental como el canto de los pueblos originarios. Así lo llevaron a cabo, a través de la poesía y la música, el trío “Che joven”, Juan Namuncurá y Sergio Castro, el creador de un himno de los 90 como “Cutral Co” o el más conocido “Kolla en la Ciudad”.

La inmensidad pampeana estuvo representada por dos obras integrales como “La Pampa Verde” (Hamlet Lima Quintana y Oscar Alem) y “La Pampa Húmeda” (Suma Paz y Oscar Alem) a través de la mezzosoprano y exitosa cantante lírica Susanna Moncayo y el mismo Oscar Alem, que en el marco de los talleres dio una clase magistral del “Piano en la música pampeana”

Otros de los momentos cumbres fue la espontánea “juntada” entre Juan Falú y el guitarrista bonaerense Carlos Moscardini, quienes deleitaron a los locales con un contrapunto de 6 cuerdas.

Otros artistas como Walter Cuevas, José Luis Álvarez, Eduardo Paillacán, debatieron, en un mano a mano, acerca de “si existe o no la música patagónica”, “si la identidad musical es el loncomeo”, “como solventar sus proyectos ante la orfandad y la vertiginosa concentración en las grandes urbes”. Talleres de Autogestión, por Diego Zapico (productor de Acqua) y Pablo Montiel (del Mica) sirvieron como primera clase a ese larga carrera que es la vida misma impregnada de música.

Entre las mesas más con más viento al fuego de la palabra, se encontró la integrada por el poeta y libretista de Radio Nacional Folklórica, Pedro Patzer, junto al periodista Cristian Vitale, el músico Naldo Labrin y Marcelo Simón, referente indiscutido y mayor conocedor de esta ciencia que es el folklore. Marcelo Simón fue nombrado padrino de todos los encuentros que se viene realizando en todo el país

José Ceña, coordinador general del programa Generación XXI, de la Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación, expresó que “estos encuentros surgieron con la idea de que prevalezca la participación de esa camada de artistas que no suelen tener su merecido espacio en la grilla de los grandes festivales nacionales, ni tienen su merecida presencia en los medios de comunicación. Por todas estas razones es que entendemos que estos Encuentros Regionales de la Nueva Música Folklórica Argentina pueden aportar algunos elementos, recursos y posibilidades que ayuden a estos artistas a mejorar el camino que han elegido transitar”.

El primer encuentro estuvo enmarcado por la muestra “Para no Morir”, -del poeta y escritor de la llanura Hamlet Lima Quintana- y “Gente necesaria”, con retratos de Eduardo Galeano, Antonio Preciado, Hebe de Bonafini, Rep, Teresa Parodi, entre otros; con las sentencias del mismo poeta Patzer.

Según el diccionario, la palabra “Encuentro” es el acto de coincidir en un punto dos o más personas. En el primero realizado en el marco de la música folklórica en la región Patagonia, coincidieron, debatieron y dejaron, como en todos ellos el fueguito y la unción para seguir compartiendo, coincidiendo, y disfrutando de futuros encuentros.

Agradecemos a Silvia Majul y Eduardo Fisicaro por las fotos y la información

Miryam Quiñones presenta su sexto disco. “Este nuevo trabajo es casi una declaración de principios”

por Pao De Senzi

La cantora peruana presenta en Buenos Aires su último trabajo discográfico, “Con el alma en vilo” donde la acompañaron artistas representativos del cancionero popular latinoamericano. Lo presenta en el Teatro del Viejo Mercado, el viernes 10 de mayo.

De Perú a Buenos Aires, y de aquí hacia toda Latinoamérica, Miryam Quiñones no descansa. La intérprete y compositora peruana nacida en Lima, acaba de lanzar su sexto disco, un resumen de un viaje musical por el continente, nada más y nada menos que de la mano de sus autores y compositores.

“Con el Alma en Vilo” se llama este nuevo trabajo, donde interpreta el cancionero latinoamericano acompañada por Silvio Rodríguez, Vicente Feliú, Augusto Blanca, Teresa Parodi, Jorge Fandermole y Alberto Rojo, entre otros. Luego de lanzar el disco en Cuba y en su país de origen, Miryam lo hará en el teatro del Viejo Mercado, el viernes 10 de mayo. En esta noche especial, Miryam contará con el acompañamiento de Pablo Figueroa en guitarra, Pablo Juárez en piano, Sebastián Briganti en percusión, Victoria Polti en vientos, Rafael Delgado en cello, Rodrigo Villar en piano y Juan Pablo Togneri en contrabajo.

La peruana es una de las más importantes difusoras de la música latinoamericana. Nació en Lima, estudió en la escuela de artes de esa ciudad y también en Santiago de Chile. Recorrió nuestro país, intercambiando conocimientos con artistas argentinos, y difundiendo su trabajo. Su vida transcurre entre su país de origen y Buenos Aires, ciudad con la que se aquerenció y en la que reside varios meses al año.

Miryam, habló con Boletín Folklore sobre este trabajo, mientras prepara su show en el Teatro del Viejo Mercado y un trabajo junto a Vicente Feliú, en homenaje al poeta peruano Javier Heraud.

En este disco grabaste con muchos artistas que son iconos de la canción latinoamericana. ¿Cómo lograste la unión con ellos?

MQ: -A cada uno de estos cantores inmensos lo conocí en un momento y circunstancia diferente, y todos han sido y siguen siendo referentes fundamentales para mi canto. Silvio de hecho fue mi primer contacto con la trova y la canción de autor latinoamericana, luego conocí a Vicente y Augusto, por quienes siento un gran cariño y admiración. A Teresa, Fander y Alberto los descubrí cuando empecé a frecuentar Argentina, y en el camino tuve la suerte de poder conocerlos personalmente, y luego compartir este disco hermoso que me enorgullece tanto.

¿Dónde lo grabaste?

MQ: -El disco de grabó aquí en Buenos Aires, en Estudios ION, con Hernán Grasso como técnico; pero luego el tiempo me ganó y tuve que viajar a Lima, donde se terminó de mezclar y masterizar, este trabajo lo realizó mi querido amigo Álvaro Hurtado.

¿Qué podes decirnos sobre cada compositor elegido para cantar y
acompañarte en tu disco?

MQ: -Silvio fue mi primer maestro, imprescindible; el ‘culpable’ de que yo ahora sea lo que soy; Vicente (Feliú), un cantor maravilloso, mejor ser humano. Lo quiero y admiro profundamente. Augusto (Blanca), entrañable. Creador de canciones hermosas que deberían ser mucho más difundidas; Teresa, una tremenda cantora, referente importantísimo para mi, como artista y como mujer. Todo mi respeto para ella. Jorge Fandermole, poeta – cantor, hay una magia y sensibilidad en sus canciones que me cautiva y conmueve. Un ser humano sencillísimo además, lo cual da mayor muestra de su grandeza. Alberto Rojo, un gran compositor, tremendo guitarrista. Lo conocí a través del programa que hizo para Canal Encuentro “Arte y Ciencia” y ahí me flechó.

Cada canción debe tener su historia, ¿por qué las elegiste?

MQ: -Elijo con mucho cuidado las canciones que interpreto, busco en ellas belleza pero también un contenido que aporte algo a quien las escucha. Esa conjunción hermosa de ética y estética es lo que me cautiva en una canción. Y debo sentirme identificada con ella de algún modo, para poder luego cantarla con autenticidad, y que tú me creas al escucharla. Los temas de este disco me acompañan ya desde hace algún tiempo, y se hacía necesario ya plasmarlos. Cada canción representa algo muy especial para mi. Este nuevo trabajo es casi una declaración de principios.

¿”Barro Tal vez”, de Spinetta, tiene un arreglo muy especial, podrías contarme un poco de esa canción y del estilo particular que le pusiste?

MQ: -Hace un tiempito empecé a toquetear el cajón, este instrumento tan peruano y representativo de la cultura negra en mi país. Una tarde, jugueteando con él, empezó a sonar en mi cabeza ‘Barro tal vez’ y así como sin querer, empecé a cantarla al tiempo que tocaba el ritmo de landó con el cajón. Y salió esta versión, que en vivo suelo tocar yo misma, como un pequeñísimo homenaje a uno de los más importantes músicos contemporáneos que ha dado la Argentina al mundo.

¿Cómo será la presentación en Buenos Aires el 10 de mayo?

MQ: -Este concierto del 10 de Mayo en el Teatro del Viejo Mercado será muy especial, pues voy contar con la compañía de grandes músicos y amigos que han querido sumarse a esta presentación, que ellos saben es tan importante para mi. Esa noche contaré con Pablo Figueroa (guitarra), Pablo Juárez (piano), Sebastián Briganti (percusión), como banda estable; y con Victoria Polti (flauta), Rafael Delgado (cello), Rodrigo Villar (piano) y Juan Pablo Togneri (contrabajo) como músicos invitados.

Hay un proyecto junto a Vicente Feliú a punto de realizarse. ¿Podrías contarnos algo de él?

MQ: -En enero de este año estuve en Cuba, haciendo realidad un sueño que teníamos con Vicente. Grabar un disco en homenaje al poeta peruano Javier Heraud, cuando se cumplen 50 años de su trágica muerte. Javier Heraud murió en la lucha por sus ideales, cuando tenía apenas 21 años, y nos dejó un legado de poesía y compromiso muy importante. Chabuca Granda decía que los versos de un poeta son como flores que brotan de su ser, y que esos versos, esas flores, eran las mejores armas con las que el poeta podía luchar. Este disco se llamará ‘Las flores buenas de Javier’, título de uno de los hermosos temas que Chabuca le dedicó.

Miryam Quiñones presenta “Con el Alma en Vilo”
Viernes 10 de Mayo – 21hs.
Teatro del Viejo Mercado. Lavalle 3177 – Abasto
Entrada: $80 pesos disponibles en Tuentrada.com y Boletería del Teatro

María Zamba presenta su primer disco. Enhebrando canciones

por Pao De Senzi

La Cantora de Alta Gracia lanza “Tramando sueños”, junto con su carrera solista. Tramando Sueños se llama el trabajo, con invitados como Víctor Carrión y Gustavo Patiño. Lo presenta el sábado en su ciudad natal.

María Zamba en su corta pero intensa carrera solista, fue seguro y decidido, y –también- calculado. Su primer disco, “Tramando Sueños”, es un resumen de las vivencias que ella le dio a cada canción y, según dice jamás canta sin saber lo que canta.

La oportunidad de conocerla será el próximo sábado, en Alta Gracia, su ciudad natal y de residencia, cuando en Espacio Solares (España 26, a las 21.30 hs.), presente este primer trabajo de calidad sonora e interpretativa que grabó con la dirección artística del músico Héctor Tortosa.

Nacida en cuna de musiqueros y guitarreros, Maria Zamba tardó en definir si quería vivir de la música, pero luego no paró hasta tener su primer disco. A los 19 años con su hermano músico, formó un dúo, “Estirpe” que luego se convirtió en trío, con el que giro por varios festivales de la provincia. Fogueada ya como cantora de grandes públicos, en el 2010 decidió lanzar su carrera solista.

El nombre del disco parece tener un significado especial con respecto a las canciones que lo contienen…

MZ: -Los 12 temas tienen un hilo conductor, que es la idea de trama. El tramando sueños tiene que ver con el hecho de que todas las canciones hablan del hombre y la mujer en su permanente realización de tramas, son cosas que llegan desde el amor, desde lo pasional  desde la familia, los hijos, cosas que tienen que ver con las costumbres, las vivencias de pueblo, todo tiene que ver con una trama que es de acuerdo a como nos vamos haciendo. Entonces, como en los sueños, uno la prioriza una hebra, moviéndola más que a las otras. A veces la trama puede no ser prolija, va a tener nudos, huecos, remiendos, porque a veces uno lleva la hebra hasta donde le da lugar y el sueño se  rompe, por eso digo la trama de nuestras vidas es rústica. No es prolija.

¿Y esas canciones como se fueron tramando para ser elegidas?

MZ: - Son temas que vengo cantando desde hace tiempo, soy bastante obsesiva con el repertorio, porque primero necesito encontrarme un poco con la letra, identificarme con el momento de creación del autor. Así que muchas veces contacté al autor de los temas que elegí, y visité lugares, como para vivir un poco el paisaje y porque creo que eso me suma como un plus a la interpretación. Con el tema “Nacida en Agua de Guerra”, por ejemplo, de Hugo Rivela y Chato Díaz, me contacté con sus autores y les pedí que me contaran sobre su musa inspiradora. Lo mismo con la chaya de Nicolás Carrión, que también participa en el disco, o la elección del arte, que formó parte de un viaje a Atamisqui, en Santiago del estero, a la zona de los telares.

A medida que María habla, uno repasa las canciones de “Tramando sueños” y descubre en la voz que las interpreta, algo de lo que cuenta, esa experiencia previa que forma parte de vivir lo que se canta. El disco contiene 12 temas, entre chacareas, gatos, música del litoral, cuecas, chayas y un vals peruano, “El Puente de los Suspiros”; temas de autores contemporáneos, como Carlos Aguirre, “El rio del Zurdo”, de Luis Chazarreta “Camino a Chuquis”, “Corazón de febrero”, de Nicolás Carrión y Camilo Matta y “El Tímido” de Raúl Carnota. Y clásicos como “Chacarera santiagueña”, “Lavanderas de Río Chico” y “Zamba de Argamonte”, del Cuchi y Castilla, “Sirviñaco” de Jaime Dávalos y Eduardo Falú,  la “Cueca de los Coyas” de Oscar Valles y Antonio Pantoja, y la “Improlija” de Pepe Nuñez. La dirección musical y los arreglos son de Héctor Tortosa, cuya guitarra acompañó las canciones, junto a Federico Daghero en percusión, Federico Seimando en contrabajo y Nicolás Mazza en clarinetes, y participaron como invitados el ya nombrado Carrión y Gustavo Patiño en charango y vientos. El arte de tapa corresponde a Agustín Jatuff y las fotografías son de Julio Audisio y Noelia Carrizo.

¿De qué manera llega Héctor Tortosa al disco?

MZ: -Fue algo especial, fui a un recital  a ver a Mery Murúa y me impactó su guitarrista, que precisamente era Héctor. Me anoté el nombre y lo guardé. Pasó el tiempo, y en el 2008, cuando empecé a planificar mi disco, dije ya se a quien voy a llamar,  ya no encontré el dato escrito, pero lo busqué a través de las redes sociales, que me facilitaron ubicarlo. Lo encontré, le mandé un mensaje de mi idea. Le dije cuales eran los temas que quería y lo que estaba buscando, me dijo que se lo dejara y lo estudiaría y me acercaría la propuesta. Al cabo d en tiempo llegó con este proyecto que me encantó

¿Qué cosas más allá de la dirección, aportó él en este disco?

MZ: -Más allá de la técnica, los arreglos, y las partituras para los músicos, y de su participación como guitarrista, él le puso vuelo, comprendió qué era lo que yo buscaba y me siento muy identificada en eso. Muchas veces ocurre que vos hacés algo y después no querés volver a escucharlo. Yo me encuentro y profundizo más a medida que pasa el tiempo con mi disco.

¿Cómo llegan Gustavo Patiño y Nicolás Carrión a participar como invitados del disco?

MZ: -Gustavo Patiño participó en dos de los temas con charango y vientos, muy generoso, dispuso todo su arte en una mañana trabajando con nosotros. Lo conocí en su peña de Tilcara, La Kuntur, y me invitó a cantar con él. A Nicolás Carrión, de quien encontré de casualidad su obra, le mandé un mensaje, le dije que había grabado su chaya y si podía escucharla, a ver qué le parecía. Pasó un tiempo y me contestó que con gusto grabaría algo para la apertura de la chaya. Así que lo hizo en el estudio de Luis Chazarreta en la Rioja, y me lo envió. Nosotros teníamos el disco cerrado ya y como no podía ser de otra manera, lo abrimos especialmente parta incluir a Carrión en él.

Carrión participará de la actuación de María en Solares, de Alta Gracia, el sábado próximo. Además la acompañarán Héctor Tortosa, Federico Daghero, Federico Seimando y Nicolás Mazza y Sebastián Sánchez en charango. También actuarán el grupo local La Bordona y el Ballet Municipal Confluencia

Soledad Cuello no pudo haber elegido mejor nombre que el de María  Zamba, para ser cantora. Ella afirma que sus raíces latinoamericanas le dijeron que ese nombre con el que se llamaba a las mujeres hijas de indio y negro y el de María, eran parte de la representación de la mujer, y de la raza. De hecho, la personalidad de esta cantora de Alta Gracia, la femineidad y su voz al cantar, están en perfecta sintonía con su apodo.

Cada paso que dio María Zamba en su corta pero intensa carrera solista, fue seguro y decidido, y –también- calculado. Su primer disco, “Tramando Sueños”, es un resumen de las vivencias que ella le dio a cada canción y, según dice jamás canta sin saber lo que canta.

La oportunidad de conocerla será el próximo sábado, en Alta Gracia, su ciudad natal y de residencia, cuando en Espacio Solares (España 26, a las 21.30 hs.), presente este primer trabajo de calidad sonora e interpretativa que grabó con la dirección artística del músico Héctor Tortosa.

Nacida en cuna de musiqueros y guitarreros, Maria Zamba tardó en definir si quería vivir de la música, pero luego no paró hasta tener su primer disco. A los 19 años con su hermano músico, formó un dúo, “Estirpe” que luego se convirtió en trío, con el que giro por varios festivales de la provincia. Fogueada ya como cantora de grandes públicos, en el 2010 decidió lanzar su carrera solista.

El nombre del disco parece tener un significado especial con respecto a las canciones que lo contienen…

MZ: -Los 12 temas tienen un hilo conductor, que es la idea de trama. El tramando sueños tiene que ver con el hecho de que todas las canciones hablan del hombre y la mujer en su permanente realización de tramas, son cosas que llegan desde el amor, desde lo pasional  desde la familia, los hijos, cosas que tienen que ver con las costumbres, las vivencias de pueblo, todo tiene que ver con una trama que es de acuerdo a como nos vamos haciendo. Entonces, como en los sueños, uno la prioriza una hebra, moviéndola más que a las otras. A veces la trama puede no ser prolija, va a tener nudos, huecos, remiendos, porque a veces uno lleva la hebra hasta donde le da lugar y el sueño se  rompe, por eso digo la trama de nuestras vidas es rústica. No es prolija.

¿Y esas canciones como se fueron tramando para ser elegidas?

MZ: - Son temas que vengo cantando desde hace tiempo, soy bastante obsesiva con el repertorio, porque primero necesito encontrarme un poco con la letra, identificarme con el momento de creación del autor. Así que muchas veces contacté al autor de los temas que elegí, y visité lugares, como para vivir un poco el paisaje y porque creo que eso me suma como un plus a la interpretación. Con el tema “Nacida en Agua de Guerra”, por ejemplo, de Hugo Rivela y Chato Díaz, me contacté con sus autores y les pedí que me contaran sobre su musa inspiradora. Lo mismo con la chaya de Nicolás Carrión, que también participa en el disco, o la elección del arte, que formó parte de un viaje a Atamisqui, en Santiago del estero, a la zona de los telares.

A medida que María habla, uno repasa las canciones de “Tramando sueños” y descubre en la voz que las interpreta, algo de lo que cuenta, esa experiencia previa que forma parte de vivir lo que se canta. El disco contiene 12 temas, entre chacareas, gatos, música del litoral, cuecas, chayas y un vals peruano, “El Puente de los Suspiros”; temas de autores contemporáneos, como Carlos Aguirre, “El rio del Zurdo”, de Luis Chazarreta “Camino a Chuquis”, “Corazón de febrero”, de Nicolás Carrión y Camilo Matta y “El Tímido” de Raúl Carnota. Y clásicos como “Chacarera santiagueña”, “Lavanderas de Río Chico” y “Zamba de Argamonte”, del Cuchi y Castilla, “Sirviñaco” de Jaime Dávalos y Eduardo Falú,  la “Cueca de los Coyas” de Oscar Valles y Antonio Pantoja, y la “Improlija” de Pepe Nuñez. La dirección musical y los arreglos son de Héctor Tortosa, cuya guitarra acompañó las canciones, junto a Federico Daghero en percusión, Federico Seimando en contrabajo y Nicolás Mazza en clarinetes, y participaron como invitados el ya nombrado Carrión y Gustavo Patiño en charango y vientos. El arte de tapa corresponde a Agustín Jatuff y las fotografías son de Julio Audisio y Noelia Carrizo.

¿De qué manera llega Héctor Tortosa al disco?

MZ: -Fue algo especial, fui a un recital  a ver a Mery Murúa y me impactó su guitarrista, que precisamente era Héctor. Me anoté el nombre y lo guardé. Pasó el tiempo, y en el 2008, cuando empecé a planificar mi disco, dije ya se a quien voy a llamar,  ya no encontré el dato escrito, pero lo busqué a través de las redes sociales, que me facilitaron ubicarlo. Lo encontré, le mandé un mensaje de mi idea. Le dije cuales eran los temas que quería y lo que estaba buscando, me dijo que se lo dejara y lo estudiaría y me acercaría la propuesta. Al cabo d en tiempo llegó con este proyecto que me encantó

¿Qué cosas más allá de la dirección, aportó él en este disco?

MZ: -Más allá de la técnica, los arreglos, y las partituras para los músicos, y de su participación como guitarrista, él le puso vuelo, comprendió qué era lo que yo buscaba y me siento muy identificada en eso. Muchas veces ocurre que vos hacés algo y después no querés volver a escucharlo. Yo me encuentro y profundizo más a medida que pasa el tiempo con mi disco.

¿Cómo llegan Gustavo Patiño y Nicolás Carrión a participar como invitados del disco?

MZ: -Gustavo Patiño participó en dos de los temas con charango y vientos, muy generoso, dispuso todo su arte en una mañana trabajando con nosotros. Lo conocí en su peña de Tilcara, La Kuntur, y me invitó a cantar con él. A Nicolás Carrión, de quien encontré de casualidad su obra, le mandé un mensaje, le dije que había grabado su chaya y si podía escucharla, a ver qué le parecía. Pasó un tiempo y me contestó que con gusto grabaría algo para la apertura de la chaya. Así que lo hizo en el estudio de Luis Chazarreta en la Rioja, y me lo envió. Nosotros teníamos el disco cerrado ya y como no podía ser de otra manera, lo abrimos especialmente parta incluir a Carrión en él.

Carrión participará de la actuación de María en Solares, de Alta Gracia, el sábado próximo. Además la acompañarán Héctor Tortosa, Federico Daghero, Federico Seimando y Nicolás Mazza y Sebastián Sánchez en charango. También actuarán el grupo local La Bordona y el Ballet Municipal Confluencia

Edgardo Cardozo en La Fábrica Cultural. La noche de la canción maravillosa

por Pao De Senzi, en Córdoba 

El talentoso músico porteño trajo a Córdoba el pasado jueves 25 su primer trabajo solista, 6 de Copas, un registro de alta calidad poética y musical que fue bien recibido por un público atento y conocedor de su obra.

Según los que manejan naipes, el 6 de copas contiene en sí mismo distintos significados, que hablan del amor, el pasado, la familia y el trabajo, por citar algunos. La carta apareció un día en la vida del músico Edgardo Cardozo, y esa visión que tuvo al descubrirla, fue el motivo que encontró para llamar su primer disco solista. Cuenta el compositor y guitarrista que en medio de una mudanza, la encontró del revés en el piso y la señaló con su nombre. Al voltearla reveló el misterio, y la sorpresa. Luego buscó su significado que, justamente coincidía con esa etapa de su vida.

Seis de copas es su primer disco solista, con producción de Santiago Vázquez, director de la Bomba de Tiempo y compañero en la banda Puente Celeste de la que Cardozo es compositor, guitarrista y vocalista. También formó un dúo con el tucumano Juan quintero con el que editó el disco “Amigo”, y un el Edgardo Cardozo trío con el que grabó “Años Después”, en el año 2000. Siempre sus trabajos son de calidad y despiertan un gran interés en los públicos ávidos de excelencia.

Cardozo llegó a Córdoba para presentar las canciones de 6 de Copas, el pasado jueves 25 de abril en la Fábrica Cultural y éstas, sonaron tan desnudas y maravillosas como en el disco, con ese aire spinetteano, de urbanidad indefectible, canciones que a veces escapan hacia melodías campestres y el folklore. Acompañado sólo por su guitarra, el músico repasó el repertorio de su primer trabajo solista, y otras composiciones de su autoría y del poeta Juan L. Ortiz, como “No era necesario”, “Claridad” y “Muchachas de Ojos de Flores”.

Casi sin solución de continuidad y con una breve historia adelantando cada tema, el arte de Cardozo se adueñó de la noche. A veces con su mano virtuosa en las cuerdas, y a veces cantando la bella  poesía de “Vamos a levantarnos a ver las flores del jardín”, “Miles de años”, ”Ir yendo”, el tango “Fuimos” de Homero Manzi, o “Aire Seré, un clásico de Puente Celeste con el que cerró una noche de lujo, donde uno de los artistas más originales y talentosos de la actualidad, demostró que no hace falta hacer ruido para explorar la belleza.

Falta y Resto en el Libertador. Murga corazón

Foto: Paul Amiune

por Pao De Senzi, Córdoba

La agrupación comandada por Raúl Castro se presentó el domingo 21 en el Teatro Libertador con un show que recorrió la historia y anticipó el futuro con humor,  y una excelente puesta en escena.

Para Falta y Resto, no es difícil encontrar palabras para contar una historia. Desde que en el 81 la murga salió a escena en los carnavales de Montevideo, justamente es lo que hace. Pero en cada espectáculo, la forma de decir se renueva, y eso es lo que logra el interés de un público variado. Los que gustan del carnaval, y los que quieren ver un buen espectáculo.

Falta y Resto terminó su show en el Libertador el domingo, como no podía ser de otra manera, en el hall del teatro, a lo popular, con la gente, que antes había colmado las plateas y populares, bailando alrededor y cantando La Retirada. Hacía poco más de hora y media “La murga de todos los tiempos”, el espectáculo que trajeron a Córdoba, había comenzado a recorrer la historia de esta parte de América, encarnada en personajes como Artigas, el Che, Gardel y Maradona, el fútbol de ambas orillas, la educación, la dictadura, y (siendo tan actual no podía faltar) la improvisación sobre Mujica y nuestra presidenta: “Cristina anda curtiendo con Pepe el glamour porteño, los vemos en cualquier momento en Bailando por un Sueño”. La nostalgia, el humor y la amistad es donde la murga basa sus creaciones para contar una historia cuyo desenlace en esa retirada 2031, imagina que las utopías de hoy se hacen realidad.

Comandada por Raúl “tinta brava” Castro, que junto con Orlando “mono” Da Costa lleva el hilo conductor del show, con momentos brillantes –como el renovado contrapunto entre payadores  rioplatenses encarnados por Andrés Vázquez y Gerardo Arteaga, que culminó con el homenaje a los desaparecidos de ambas orillas (“esos luchadores que viven en todas las esquinas”), o los delirios unipersonales de Da costa, o las voces magnificas, entre las que se destacan las de Javier Calvalho, Jorge “Coca” Vidal o Eduardo Arteaga, con un final donde no faltaron las canciones históricas (“Adiós juventud”, “Las luces del Estadio”, “La retirada”, “Brindis por Pierrot” y “Colombina”), una de las agrupaciones más representativas de la cultura uruguaya, dejó una vez más en Córdoba, su pasado y su presente, que a decir de Castro antes de subirse al escenario, es el más importante en la historia.

En la retirada que imaginaron, La Falta (que además de los nombrados tiene entre sus filas a Matías Bravo, Jorge Vidal, Rodrigo Falero, Andrés Lázaroff, Diego Bueno, Ricardo “bocha” Souza, Gerardo Cánepa, Leandro Castro y Gastón Angiolini), cumple 50 años sobre el escenario. La marihuana  es libre y legal, América se unificó, y la caducidad ya no existe y, seguramente, si cerramos los ojos y seguimos imaginando,  para esos tiempos todavía estaremos brindando por estos geniales murgueros que nos alimentan el corazón.

Trío MJC junto a su Orquesta Típica en el Libertador. Noche de Tango y Folklore

por Pao De Senzi, en Córdoba

EL trío formado por Martínez, Jaurena y Ciavattini presentó a su Orquesta Típica en el Teatro San Martin de Córdoba. Versiones propias y clásicos del folklore y del tango formaron parte del repertorio, con Viviana Pozzebon como invitada.

Está claro que la música puede ser un alivio al dolor. En muchos casos, a partir del dolor se crean obras de arte maravillosas, que renuevan el espíritu y calman la pena. “El Vasquito”, el tango de Pablo Jaurena que el trío MJC acaba de interpretar junto a la Orquesta Típica en el Teatro Libertador de Córdoba, es un ejemplo del alivio que produce el arte. El vasquito fue su abuelo, el que le regaló el primer bandoneón, que se fue hace un mes, como la abuelita de Mauro Ciavattini que partió casi a la misma hora en que se abría el telón en el teatro. Las notas remontan vuelo y se convierten en homenaje, acaso el mejor que un artista puede hacer a un ser amado. Es el momento más triste y a la vez, el de más altura interpretativa de la noche.

Está claro también, de quien estamos hablando: de un trío que reinvirtió el premio revelación que recibió en Cosquín 2007, y con mucho trabajo y compromiso consiguió la consagración en el 2013, que hoy celebra junto a una orquesta típica creada especialmente para acompañar su fase tanguera. En esos 6 años pasó tanta música por esos cuerpos que es imposible negar que el trío formado por Ciavattini en vientos,  Jaurena en bandoneón y –el que faltaba nombrar- Jorge Martínez en piano, es de lo mejor que dio la música en los últimos tiempos.

En Medellín, Colombia, donde trabajaron junto a la Orquesta de Tango de la Red de Escuelas de música, ya habían experimentado con la idea de orquesta típica, y como parte de esa “militancia musical” que siempre mencionan, no descansaron hasta presentar el proyecto. El ensayo general fue este año, en Cosquín, y fueron consagrados. La celebración, en el Libertador, hoy sábado 20 de abril, en un  concierto que se dividió en dos partes, con una invitada: Viviana Pozzebón.

Con la Orquesta formada por Damián Torres, Alejandro Colombatti, Bruno Ludueña y Manuel Momo en bandoneones; Fernando Rojas Huespe, Hernan Soria, Julieta Duret y Gabriela Scieppaquercia en violines; Luciana Marzolla en  viola; Ana Herrera en violoncello y Fernando Olmedo en contrabajo, interpretaron repertorio tanguero. Luego, como trío, repasaron algunos temas de su carrera, especialmente de “… el viento los amontona”,  un disco de folklore editado en 2011 con versiones de clásicos y temas propios que tendrá una segunda parte de tango.

Con la típica sonaron, una impecable versión libre del tango “Volver”, y “Borravino” de Jaurena, “Quejumbrosa” de Ciavattini y Martínez y “Al Parque de los Deseos” de este último, “Libertango” y “Adiós Nonino” de Piazzola en el cierre y un rato antes, “Fuimos”  y “Oro y Plata” de Homero Manzi junto a Viviana Pozzebón en voz -las únicas versiones cantadas de la noche- acompañados por percusionistas invitados.

Y como trío, recordaron aquel tema con el que salieron revelación del festival, “Viejo corazón” de Polo Giménez, junto con “Pateando sapos”, de Quique Fourcade, “Burrito Cordobés” de Dalmacio Castrillo, “El Camino”, de Chango Spasiuk,  y “La Olvidada”  de Atahualpa Yupanqui y los Hermanos Díaz, estos últimos incluidos en el último disco en estudio.

Entrevista a Raúl Castro, director de Falta y Resto: “Es el momento más fértil de la murga en toda la historia”

por Pao De Senzi, en Córdoba

Una de las agrupaciones más importantes del género regresa a Córdoba para presentar el “La Murga de todos los tiempos”, en el Teatro Libertador San Martín, el domingo 21 de abril. Su director habla sobre este nuevo espectáculo que los trae nuevamente a la ciudad.

Dicen que la murga es/ un bombo y un redoblante
la murga es viento de voces/ que te impulsa hacia delante
Un verso que surge claro/ y que queda entre la gente
es mucho más importante/ que un cantar grandilocuente

Raúl Castro, saluda desde el otro lado del Río de la Plata, a través de internet: “gracias por difundir nuestro humilde aporte a la alegría revolucionaria”. Y sabemos de qué habla, porque conocemos la trayectoria de esta agrupación que representa toda una cultura en Uruguay, y que se remonta a nuestro país a partir de la llegada a Buenos Aires. En tiempos donde la cultura está a la par de las revoluciones, nunca mejor dichas las palabras de Castro, que por estos días, llega a Córdoba para presentar el novísimo espectáculo “La Murga de todos los tiempos”, en el Teatro Libertador San Martín.

El director de Falta y Resto, una agrupación que nació en la década del ochenta en el mítico Club Fénix del barrio montevideano de Capurro, Uruguay y que hoy -se puede decir- es una de las más importantes de aquel país, dice que este espectáculo se trata de “Un graffiti callejero que toma vida. Los íconos más importantes de la humanidad y de toda la historia toman vida para cantar, motivar y hacer reír con los sucesos pasados, actuales y futuros. Somos catorce cantantes actores en escena, con libretos míos, la dirección escénica de Leandro Castro y los arreglos de Felipe Castro y Leandro Castro.”

Sobre el escenario, la murga recorre la historia en la figura de íconos de cómo el Che y Gardel, pasando por Eva Perón a Artigas, que sobre el escenario interactúan con el pasado, el presente y el futuro. El repertorio comprende canciones recién estrenadas este carnaval 2013, nuevas historias nacidas después del último carnaval, y hasta una despedida que se adelanta a su tiempo: La despedida del 2031.

Ya han venido a actuar en el teatro San Martin, un espacio donde diversas manifestaciones del arte se hacen presentes, desde lo clásico hasta el folklore. ¿Se sienten cómodos allí?

RC: -El San Martín debe ser uno de los lugares donde Falta y Resto se siente mejor. Por la majestuosidad del lugar pero a la vez por la calidez increíble del público cordobés.

Las murgas en Uruguay son tradición de un país Muchas veces se comprara lo que se hace acá en Argentina con lo de ustedes. ¿Qué opinan de esto y qué diferencias puede marcarnos entre una y otra cultura?

RC: -La murga argentina es más de desfile, de corso, de pasaje. La murga uruguaya es teatral por excelencia. Esto se debe a los diferentes tipos de carnaval que tenemos en las dos orillas del Río.

Ustedes son una agrupación con trayectoria, al igual que otras, hoy día ¿cómo está el panorama en Uruguay?, ¿Hay nuevas propuestas?

RC: -Hay una verdadera explosión del fenómeno murga en ambas márgenes del Plata. Realmente asombrosa la cantidad y calidad de las nuevas propuestas. Es el momento más fértil de la murga en toda la historia.

Las murgas han sido portavoces de distintos momentos de la historia. Ustedes comenzaron en plena dictadura y llegan hoy a una situación latinoamericana muy distinta a aquellos años. ¿Qué opinan hoy sobre el momento que se vive en América?

RC: -Amanecen tiempos revolucionarios, que vienen de los años sesenta, y que hoy derivaron en que toda una generación que quiso cambiar el continente y emanciparse de los antiguos lazos económicos y sociales que lo unían con el norte. Nos sentimos representantes de ese movimiento revolucionario que desde lo político gana nuestros tiempos. La cultura es un arma cargada de futuro.

Falta y Resto “La Murga de Todos los Tiempos”
Domingo 21 de Abril | 21:00 hs.
Teatro Libertador San Martín, Av. Velez Sársfield 365
Entradas Anticipadas en Boletería del Teatro
Puntos de venta Autoentrada
Paraíso $80, Cazuela $110, Tertulia: $130, Platea: $ 150, Palcos $600, Silla en palco $150