Roberto Márquez, voz líder de Illapu: “Miramos con sana envidia lo que muchas veces sucede en Argentina”.

Illapu en Merlo, San Luis. Imagen: Paul Amiune

Los chilenos regresan a nuestro país para realizar la gira “Por los Pueblos”, que comenzó el viernes pasado y en la que en la que tocarán algunas ciudades del sur del país. En una charla con periodistas, Márquez conversó sobre música, política y cultura. el sábado 27 de junio se presentan en el Teatro SHA de Buenos Aires.

Por esas cosas del destino o cuestiones de mera coincidencia, el escenario y el protagonista mantienen un lazo fuerte que los une: la lucha. El lugar -Hotel Bauen- es una empresa gerenciada por sus antiguos empleados, que formaron una cooperativa de trabajo para hacerse cargo de la empresa quebrada económicamente. El  entrevistado hace más de 40 años que resiste cantando a las problemáticas sociales de su Chile y de América Latina.

El miércoles pasado, en una reunión que fue algo más cercano a un encuentro entre amigos que a una ronda de prensa, el líder y fundador de Illapu, Roberto Márquez, habló cordialmente con todos de todo: Ideología, canto popular, nuestra América, y la gira “Por los pueblos”, que está comenzando en Argentina. Estas fueron sus palabras.

Como en Casa

”Desde siempre hemos intentado tener presencia en Argentina. Pero lo cierto es que antes existían algunas dificultades: el sello, las transnacionales. Y nosotros no teníamos injerencia en lo que pasaba. Hoy día, las giras son gestiones propias, se elaboran desde nuestra oficina. Las cosas han empezado a engranar muchísimo mejor. En estos últimos seis años hemos hecho un camino más coherente, se han editado nuestros trabajos acá, nos presentamos en el Festival de Cosquín consecutivamente durante varios años, y eso
nos permitió tener un protagonismo mayor.
Ahora surgió esta gira conformada por ocho conciertos, que se harán principalmente en el sur, donde interpretaremos nuestras canciones más emblemáticas, además de algunas cosas nuevas. No hemos querido privilegiar sólo lo nuevo, ya que a gran parte de las ciudades vamos por primera vez. Entonces la gente que nos va a ver quiere escuchar lo
que conoce. Igual vamos a adelantar cosas del disco que está por venir. Este próximo trabajo es muy especial porque además de ahondar en temáticas sociales, reinventamos canciones e incorporamos obras de gente que admiramos, como Víctor Heredia.

También vamos a hacer la “Chacarera del exilio” de Raly Barrionuevo, con mucho respeto, porque la chacarera tiene un sabor muy especial. Queremos que este disco sea un antes y un después de Illapu.”

Lo que soñamos allá, pasa acá

“Siempre hemos tenido un vínculo muy fuerte con lo social y obviamente miramos con sana envidia lo que muchas veces sucede en Argentina. Quisiéramos que mucho de lo que pasa acá, nos pase a nosotros. En Chile, los genocidas andan libremente por la calle o están presos en cárceles cinco estrellas. Cuando vemos que aquí se juzga a los usurpadores del poder, nos sentimos muy lejanos de Ustedes. En Chile hay un tercio que reivindica de forma absoluta la dictadura de Pinochet. Por ejemplo, el otro día la municipalidad de Providencia realizó un homenaje a uno de los violadores de derechos humanos más identificados, que está condenado a más cien años de cárcel. ¿Qué pasó? Reaccionaron los movimientos sociales y se armó una guerra campal. No se puede entender que todavía haya personas que defiendan a los represores.”

Que vivan los Estudiantes

“Estas expresiones (NR: las de los estudiante chilenos reclamando una educación gratuita y mejor) han sido tan importantes que no han podido taparlas. Salieron a la calle para que se los tenga en cuenta, nuevamente pusieron el dedo en la llaga, cuestionando ese “aparataje” que nos han vendido. Esto tiene que ver con un proceso de identificación. Los estudiantes reivindican su país y lo mejor que hemos tenido. Se manifiestan a favor de la educación gratuita, de la que gozaron muchos de los políticos que hoy defienden la educación paga. Los jóvenes se han criado bajo la dictadura, y se han educado bajo la concertación, sin embargo son también quienes encendieron la mecha. Y en este reverdercer, buscan reencontrarse con sus raíces, con su folklore. Hay varios espacios que se están creando. Hasta hace un año más o menos, no existía una peña en todo Chile, tampoco un lugar para escuchar nuestra música. Con la dictadura se prohibieron charangos, zampoñas, quenas y otros instrumentos autóctonos. Gracias a internet también empiezan a florecer todas las expresiones subterráneas.”

Todo cambió para que nada cambie

”Bajo la dictadura surgió el Canto Nuevo, que se mantuvo durante todo el proceso, y fue parte del movimiento que la hundió. Pero sorpresivamente cuando llegó la democracia, estos grupos no encontraron espacio. El canto popular murió con los gobiernos de la
concertación, también los medios alternativos. Además, durante los gobiernos de la concertación se terminaron de privatizar servicios de primera necesidad como el gas y el agua. Es así como en Chile todo responde a lo económico. Nosotros no entendíamos
cuando nos hablaban del gobierno socialista de Michelle Bachelet. ¿Cuál gobierno socialista? (risas). Lo que hizo y hacen la concertación, Bachelet o Lagos, un tipo que se decía socialista, fue acentuar el modelo que dejó instaurado Pinochet; La Carta Magna,  por la cual se rige Chile, sigue siendo en gran medida, la de Pinochet. Un modelo que se implantó bajo las botas militares sin ningún tipo de oposición. El libre comercio que nosotros practicamos no existe en ningún lugar del mundo, ni siquiera en los Estados Unidos. Somos un experimento del libre mercado.”

Canción con Todos (Los pueblos originarios en los ojos de la nuevas generaciones)

”En este momento existe una importante mirada hacia los pueblos originarios. La gente comenzó a tener conciencia de eso. Emerge un proceso de identificación con ellos. El pueblo mapuche ha luchado en Chile de manera muy solitaria. Incluso la
izquierda se había acercado en forma minoritaria. Hoy día empieza a haber una identificación que también llega desde la música. Los jóvenes se ven reflejados en Víctor Jara en Violeta Parra y en las etnias originarias: Aymaras, Quechuas y Mapuches”

Hasta Siempre

Cuatro décadas ya pasaron, e Illapu sigue siendo ese rayo que los nombra. La voz de Roberto Márquez y su música son un golpe súbito y luminoso a las oscuridades más espantosas. De a poco los grabadores se apagan, pero el discurso es el mismo, la
pasión, la convicción y la esperanza de cambiar las cosas que atesora el músico
popular, siguen intactas y de esa misma fuerza son los abrazos que nos dicen
” Hasta pronto”.

Gira Illapu por los Pueblos

Grandes ciudades y horizontes patagónicos marcan la hoja de ruta de este mes de la
gira del conjunto trasandino en nuestro país

Viernes 18 Gimnasio Municipal De Trelew
Sabado 19 Centro Cultural De Comodoro Rivadavia

Martes 22 Gimnasio Municipal De Esquel

Jueves 24 Club Pacifico De Neuquen
Viernes 25 Aula Magna DeLa Universidad Santa RosaLa Pampa

Sabado 26 Teatro Sha Buenos Aires

Domingo 27 Teatro OperaLa Plata,

Entrevista a Lorena Bracamonte: “Me encanta jugar en cada show”

Por Marina Cavalletti

La cantante se presentará este viernes en la Peña del Colorado para transitar un repertorio que conjugará tango y folklore. Mientras termina de grabar su primer trabajo con la producción de Gabriel Senanes, habla de sus búsquedas y la importancia de contar historias de manera genuina.

Actuarás el viernes en la Peña del Colorado ¿qué podés adelantarnos del concierto?

En esta presentación  abordaré un repertorio compartido entre  el tango y el  folclore, además  de mostrar alguna composición propia en letra y música . El viernes 18  a las 22 hs  estaré cantando en al peña del Colorado junto a Marcos Monk, Leonardo Andersen y Ramiro Comes. Es una alegría poder compartir la música con ellos.

¿Cómo sucedió la reunión con esos músicos?

Con Marcos nos conocimos tocando y cantando en reuniones musicales de amigos en común, con Rami somos compañeros de canto y con Leo nos encontramos improvisando unos temas en un festival de tango. Es buenísimo contar con ellos  a la hora de armar un repertorio, sobre todo porque me encanta poder jugar en ese espacio y tiempo real, en el transcurre un show, interpretando clásicos del tango y del folklore como las recientes composiciones que traen las nuevas generaciones. Lograr en escena, al transitar un repertorio la unión de distintas historias y tiempos desde el lugar interpretativo más genuino posible, es lo que me interesa, y si los músicos que me acompañan no comparten esa mirada, seria muy difícil lograrlo. Por suerte hay mucho en común en el grupo que armamos para esta presentación. Cuando lleguen otras fechas  ya se verá cómo se arma y sigue la cosa, mientras,  hay  risas , charlas, algún tirón de pelo también , mates , juntadas , mensajes y música que suena y podemos compartir .

Estás en plena grabación de tu disco debut…

Sí. Estoy grabando mi primer disco, que es un disco de tango, con arreglos y dirección musical de Gabriel Senanes. Vengo preparando y grabando este trabajo hace ya un par de años. Armar un proyecto de disco como este, para mí es una de las experiencias más enriquecedoras de mi camino artístico. Mientras me preparo,  busco herramientas, entreno con mi voz, vuelvo a buscar, armo y rearmo mis cosas. El disco va creciendo conmigo. Supongo que para el segundo semestre de este año  podré presentarlo. En ese show podré toda mi energía, como lo hago cada vez que subo a un escenario, aunque claro, tendrá el sabor especial del primer trabajo y la satisfacción y la alegría de ver materializadas mis canciones, interpretaciones y búsquedas.  También, claro, seguiré con otros proyectos que ya van teniendo lugar en mí y están asomando  de a poco

Paola Bernal inaugura el Espacio Quality Issad en Córdoba

Este viernes 11 de mayo la coscoína presentará su ultimo disco “Pájaro  Rojo” con artistas invitados en el nuevo espacio cultural de la ciudad de Córdoba, que formará parte de la red de salas independientes para los Festivales de Teatro del Mercosur 

Vive en Cosquín. Pero su presencia constante en la cultura y la música, hace que su arte viaje de Buenos Aires hacia el norte, y hacia el sur, convirtiéndola en artista necesaria e incansable.

Paola Bernal nació en la capital del folklore. A cuadras del escenario donde ahora sube a cantar y es ovacionada; adonde de adolescente se escapaba un ratito de los boliches en los que sonaba Charly García, para bailar zamba y chacarera. La cantora coscoína va por su tercer disco, “Pájaro Rojo”, y este viernes lo presentará en el Quality Issad, el nuevo Auditorio convertido en nuevo polo cultural de la ciudad de Córdoba, en un concierto que forma parte de las presentaciones de este disco que viene gestándose desde hace un tiempo.

“Este trabajo está entrelazado con la vida. Se fue tejiendo con las clases, los conciertos y lo que uno va proyectando”, dice Paola, anunciando una nueva actividad en el Centro Cultural que abrió en Cosquín (“El sol del sur”, donde se dictan clases de canto, bombo, guitarra, bajo, tai chi, sonido para músicos y charlas sobre culturas prehispánicas) y sigue: “El disco empezó a gestarse a fines del 2010 en París, en el estudio de Pájaro Canzani (ex integrante de Los Jaivas), y fue articulándose con las cosas  que han ido sucediendo, cómo nos hemos ido encontrando, “Pájaro Rojo” es como una personificación de ese andar y lo que a uno lo mueve mas allá de lo que planea. Hay una igualdad generalizada porque no existe ya una industria del disco sino que ahora el encuentro es con la gente, con el público. Por suerte es más real, es lo que nosotros tenemos para dar y lo mostramos.”

El disco fue producido por el guitarrista y compositor Titi Rivarola, con  repertorio original y canciones propias, profundizando el sonido de los instrumentos y la voz como parte de un mismo lenguaje. La lista de canciones incluye entre otras, “Intenso Silencio”, “María Sabina”, “Tiembla”, en los que Paola incorpora su costado compositivo junto a Titi, Jenny Nager y Rufo Cruz; la bella “Morir de Vez en Cuando” con música de Nager sobre un poema del portugués Paulo Leminsky; “La Creación”, de Gustavo Cisneros, “Vidala Guerrera” de Juan Saavedra, “Rayando el Sol”, de Pájaro Canzani y “Tizón y Fuego” de Juan Cruz Suárez. En el disco participan, además de los nombrados, Walter Costas, Martín Rodríguez, Mono Banegas, Pablo Jaurena, Minino Garay, Gustavo Patiño, Chacho Ruiz Guiñazú y Ají Rivarola. Algunos de ellos, serán parte de la presentación en el Quality el viernes 11 de mayo.

¿Cómo te ves como compositora?

PB: -No soy  básicamente compositora pero creo que mi composición está en interpretar otras cosas, en cantar el panorama contemporáneo en lugar de cantar tantas canciones mías, todavía no he encontrado esa mirada abierta para hablar de algo que quiero decir. Y en cuanto a los compositores que elijo, es lo que a mi me va buscando, las canciones uno las busca pero también van apareciendo si hay algún momento, alguna situación, algún encuentro.

Acaso esa manera de expresarse, a Paola le llegue por el lado de su gran admirado, el Chango Farias Gomez. Un concierto deLa Manija  en Buenos Aires, el momento justo y el clic en la cabeza le hizo ver el camino por donde tenía que avanzar

PB: -Lo que vi en el chango esa noche en el Teatro Alvear fue el concepto de la música en el folklore, cómo se piensa en él, el salir de lo rígido. Luego fui conociendo otros en el camino que me han guiado, como mis maestros Ica Novo o Verónica Condomi, o Juan Saavedra. Los artistas de mi generación somos alumnos del Chango de alguna manera. Él ha estimulado lo mejor de cada uno de los que estábamos cerca de él. Los que estamos en esto tenemos esa responsabilidad de seguir escuchando, seguir viendo que pasa y ver lo que quiere escuchar la gente.

Sos una de las artistas que más trabaja desde Córdoba hacia el país,  ¿Cómo lográs hacer tantas cosas desde un lugar como Cosquín?

PB: -Yo creo que se fue armando así. Haber vivido siete años en Buenos Aires, en un momento muy concreto, conociendo y actuando con personas muy importantes me ha enseñado un modo de trabajar, y así como algunas cosas de mi vida se sembraron, yo las fui  sosteniendo.

Elegí vivir en Cosquín por una cuestión de dignidad, porque cuando uno vive en su pueblo realmente se puede dimensionar. A veces la ciudad para un provinciano es difícil y para no vivir solamente para sostener mi vida, sino para desarrollarme y que mi hijo pueda crecer en un lugar propicio fue que elegí Cosquín. Yo creo que las cosas funcionan mejor  cuando uno tiene conexión con la tierra. S eso, y la ayuda de los medios, e Internet, que facilitan el trabajo.

La cita es mañana viernes 11 de mayo a las 21.30 horas en el Espacio Quality Issad. Entradas anticipadas en boleterías y en Quality Gym (Av. Cruz Roja 200).

Entrevista a Carlos Aguirre: “Orillania fue pensado como un barco imaginario que zarpaba hacia varios puertos”

El entrerriano cuenta como se gestó su último trabajo discográfico, un viaje por Latinoamérica a bordo de melodías propias y de otros autores, que fue escogiendo en cada puerto, acompañado de un invitado especial.

Los discos del entrerriano Carlos Aguirre, son más bien experiencias musicales. No sólo un par de canciones unidas por surcos, y melodías en un estudio de grabación, sino el resultado de un trabajo de investigación sobre sonidos y palabras, para y deleitar y sorprender a quien lo escucha.
Su último trabajo se llama “Orillania” (según el dato oficial “neologismo que refiere a un continente de orillas”), una selección de canciones bellas, creadoras de climas, aromas, estados, y un viaje por las orillas de los ríos que navegó a lo largo de varios años de recorrer Latinoamérica, de compartir momentos y trabajos con otros artistas, y de explorar otras músicas. En esta entrevista el “negro” Aguirre habla sobre este disco tan esperado y sobre algunas canciones que lo esperan en el camino.

¿Cómo definís Orillania?

CA: -Orillania es en principio la celebración de los vínculos que se fueron tejiendo mientras sucedían en mi vida numerosos viajes por países de Latinoamérica. Allí pude constatar el componente afro que nos constituye y que se manifiesta muy tangiblemente en varios aspectos de nuestra cultura y en la música muy especialmente.
Esto derivó en una preocupación por generar dentro de mi repertorio obras que evidencien este aspecto y es así que las instrumentaciones escogidas para cada tema tomaron una impronta más extrovertida dada por la presencia de tambores de diferentes lugares y los ritmos en base a los cuales fui componiendo.

¿Se puede decir que el disco es una especie de diario de viaje por Latinoamérica?

CA: -Sí, exactamente es como lo pienso y también cómo fue pensado el orden de los temas en el disco. Un barco imaginario que zarpaba hacia varios puertos.
En cada puerto visita un amigo y la música allí nos regala una de sus grandes virtudes que es la posibilidad del compartir; de que cada uno de los invitados se sume a un sonido preconcebido pero que al mismo tiempo exprese libremente su opinión a través de una improvisación.

Son trece canciones las que componen “Orillania”, (editado por Shagrada Medra, el sello que le pertenece), algunas composiciones propias, (“El Hombre que Mira el mar”, “Con los Primeros Pájaros de la Mañana”, “Rezo”, “Puerto”, “Caracol”, “Compadres Candomberos”) algunas junto a otros músicos como Jorge Fandermole(“El diminuto Juan”) o Livia Vives(“El Hechizo de tu Nombre”), y otros tomados de autores con los que comulga perfectamente en la música, como “Casamiento de Negros”, la cueca popular chilena recopilada por Violeta Parra, o “Pueblos Tristes” de Otilio Galíndez, de cuya poesía dice Aguirre, ”es capaz de tornar dolor en belleza”.

Es tan versátil la obra del entrerriano que hasta se permite jugar con instrumentos en “Preparativos del Viaje de la ratita Amelia a casa de su tía Clelia” (vaya título), y volver a desgranar una canción (“Con los Primeros Pájaros”) en el maravilloso bonus track del disco.
La grabación transcurrió entre Villa María, Córdoba, Paraná, San Pablo (Brasil), Chile, Montevideo, Mendoza y Buenos Aires, junto a invitados como Hugo Fattoruso, Luis Salinas, Mónica Salmaso, Jorge Fandermole, Francesca Ancarola, Juan Quintero, Quique Sinesi, Mono Fontana, Quique Öesch, Sebastián Macchi, Gladston Galliza, Leandro Drago, Antonio Arnedo y Luis Barbiero, que enriquecieron la obra con sus estilos personales.

Decís que las canciones miran al mar y a los ríos. ¿podrías explicarlo?

CA: -Si bien al comenzar a viajar ya traía conmigo el amor al paisaje del río Paraná me animo a afirmar que aprendí a amar otros seres ácueos ya que, salvando las enormes diferencias, también tienen muchos puntos en común y por citarte alguno de ellos podría decirte por ejemplo que es un paisaje que está en permanente movimiento ( en el río el agua pero también la aparición y desaparición de las islas, en el mar las enormes olas y la marea pero también la mudanza permanente de las dunas). Otro aspecto que me cautiva es la posibilidad de mirar lejos, que la visión llegue hasta donde llega la vista, sin interferencias. Este aspecto desde siempre me conectó con un sentir profundo, como si uno pudiera en ese instante de contemplación tomar contacto con su propio camino, el que anduvo y el que está por venir.

¿Cómo fueron apareciendo los invitados que te acompañan?

CA: -A medida que fui viajando e interesándome por las músicas de cada lugar fueron apareciendo las personas que me ayudaban a desentrañar los secretos de cada folclore regional. Fueron surgiendo proyectos eventuales, otros más duraderos y así, a la hora de concebir el disco ya había en mi una suerte de mapa con todos estos amigos.
Hay una hermandad entre músicos que caminan hacia un mismo sentido y esto genera una cosa muy hermosa que es el “contar” con el otro. Es una complicidad de mucha generosidad y de mucho crecimiento colectivo.

¿Qué sonidos particulares aporta la formación de noneto que utilizas actualmente?

CA: -Tengo la suerte que varios integrantes del grupo se han prestado a tocar instrumentos con los cuales no tenían una intimidad hasta que surgió la necesidad a partir de las composiciones que dieron lugar al repertorio del disco. Es así que la paleta tímbrica se amplió considerablemente en relación a otras épocas de este proyecto.
A las guitarras, el piano y el contrabajo se han ido sumando la mandolina, la guitarra piccolo, la flauta traversa, el cello, la percusión y mucho hincapié en el trabajo de las voces.

Sos un artista que le ha dado importancia a la canción. Cómo ves en este momento el género, en líneas generales.

CA: -Tengo la suerte de recorrer muy a menudo nuestro país y felizmente me suelo sorprender con la producción de cada provincia. Es realmente muy grato encontrar tanta gente haciendo cosas hermosas.
Lo que me da un poco de tristeza es que muchas de estas personas no tienen un acompañamiento desde las gestiones gubernamentales y eso demora enormemente no sólo la proyección del trabajo de cada una de estas personas sino lo que ellas aportan a la hora del nacimiento de nuevas miradas para “contar” este lugar del mundo y para intentar entenderlo desde la diversidad.

¿A partir de Orillania se gestan nuevos proyectos para este año: giras presentaciones, discos, nuevos trabajos con el sello Shagrada Medra?

CA: -Lo más próximo es una gira por Japón a raíz de la edición de este disco en aquel país. Luego será por Argentina en la segunda parte del año. Por el lado del sello hay varias cosas gestándose; un quinteto femenino de voces y percusión llamado Tamvos está en la masterización de su primer CD, un compositor misionero radicado en Paraná llamado Horacio Lapunzina esperando la replicación de su nuevo trabajo discográfico y varias cosas más que comienzan a grabarse.

PDS

 

Andrea Díaz presenta Libertaria, su primer disco: Cantar, como celebrar

Con una voz magnifica, la santacruceña recorre diversas latitudes musicales, y autores como Fito Páez, Horacio Fontova, Chabuca Granda y Eduardo Guajardo. Lo presenta, con invitados, el 26 de abril en Espacio Tucumán de Buenos Aires.

El primer disco de Andrea Díaz, sorprende en la primera escucha.
Libertaria se llama la placa, que recorre musicalmente el país de norte a sur, y llega hasta algunas latitudes latinoamericanas, para recordar, por ejemplo a la peruana Chabuca Granda. Tan amplio es el espectro de Libertaria, que en la portada la protagonista incluyó los versos del poeta inglés Walt Whitman, alguna vez comparado con nuestro Yupanqui, por la profundidad de sus palabras.
Fito Páez, Ruben Goldín y Horacio Fontova, aportan autoría a canciones urbanas, mientras que las coplas de Leda Valladares y Eduardo Guajardo unen dos extremos del país y dos épocas.
Todo confluye en la voz preciosa, nutrida de los colores de la geografía, de esta santacruceña, que se presentará el 26 de abril en Espacio Tucumán -Suipacha 140, Buenos Aires- con su primer trabajo discográfico.

Andrea nació en Río Gallegos y desde los 9 años aprendió a bailar en la Escuela Provincial de Danzas, aunque esta rama del arte no prosperó en ella tanto como el canto: “Armamos un dúo con una amiga y empezó este camino…”, dice desde Buenos Aires, donde reside actualmente.

Ha participado en el año 2009 del encuentro de Mujeres y Salud del CONICET; es Integrante estable del elenco de Música Popular del IUNA, donde se desempeña como cantante, guitarrista y percusionista. Como intérprete de folklore, participó en los Festivales de la Guitarra y la Fiesta de la Virgen del Carmen en la ciudad de Nogoyá, Entre Ríos, en el Festival de Santa Cecilia en el IUNA, y en el Congreso Internacional de Folklore, entre muchos otros. También participó en la compañía de flamenco de Héctor Romero, con la que recorrió diversos puntos del país.

Desde el sur hacia el resto del país, han llegado pocos artistas. Desde tu punto de vista, ¿como se percibe allí lo que pasa musicalmente en los demás lugares que recorriste?

AD: -Si muy pocos, también la realidad es que estamos muy lejos, eso no quiere decir que no los haya. Hay muchos autores y compositores increíbles, en el disco hay dos temas de Eduardo Guajardo, un autor al cual admiro profundamente, que tiene reconocimiento en todo el país, pero no en el circuito comercial. Y la música en si llega a todos los lugares me parece. La onda es más o menos parecida en todos lados.

Además de folklore, interpretás flamenco. ¿Cómo llegás a acercarte a esa rama musical?

AD: -Yo soy intérprete de folklore más que nada, lo del espectáculo de flamenco “Vuelta y Vuelta” surgió por un llamado del guitarrista Diego Gallo que estaba armando el show con Héctor Romero -un increíble músico del flamenco en Argentina- y me convocó. Si bien canto la parte de folklore del espectáculo, a medida que maduró el proyecto incursionamos en la fusión flamenca y de folklore argentino, el resultado fue muy gratificante, tuvimos presentaciones en la Bienal de Flamenco, en Mendoza, Santa Fe, Uruguay, Bahía Blanca y varios lugares más.

Son trece temas los que componen Libertaria, con autores de diversas latitudes y estilos: Bailecito de Manzanares (recopilación de Valladares); El surco, de Chabuca Granda, Parte del Aire de Fito Páez, Bajo la Sombra de un Árbol de Peteco Carabajal; Zamba del Silencio, de Esteban Velarde y Volver en Guitarra, de Roberto Galarza. Del sureño Eduardo Guajardo hay dos temas: Postales y Tapadas de Silencio. También hay canciones de Esteban González (el productor del disco), de Néstor Soria y Topo Encinar y de Rubén Goldín (El Ogro y la Bruja cierra la placa)

¿Como llegás a grabar tu primer disco?

AD: -Libertaria es el resultado de mucho trabajo de mucha gente, Esteban González es el productor artístico del disco y un gran motor del proyecto. La generosidad de muchos músicos que compartieron con nosotros como Quique Sinesi, Héctor Romero, Nicolás “Colacho” Brizuela, Pedro Furió, Matías Furió, Leandro Savelón, Alirio Melo, Federico Siciliano, Lucia Moledo, Walter Barrios y David Slomka. Y los músicos de la banda que me acompaña, Emiliano Faryna y Jose Ríos. Fue una ardua búsqueda del sonido, de lo que quería decir. Y así se completó el disco de 13 temas y por primera vez en mi carrera empecé a sentir el sonido de la música que quiero hacer, Libertaria es en parte eso, el elegir, sin presiones ya sea del mercado del folklore, de los temas que son como clásicos en el repertorio de la música popular, simplemente hacer los temas que me llenan el alma, que dicen lo que pienso y siento fundamentalmente. Esto también fue acompañado por un crecimiento y maduración mía como persona, en muchos aspectos de lo cotidiano.

Es un disco ecléctico y variado en cuestión de autores y estilos. ¿Como fuiste eligiendo el repertorio y los autores, qué cosas buscaste al hacerlo?

AD: -Sí la verdad los temas son muy variados, tenemos desde coplas populares recopiladas por Leda Valladares como Bailecito de Manzanares hasta Parte del Aire de Fito Páez, transitando temas de Peteco, Chabuca Granda, Eduardo Guajardo de mi provincia Santa cruz, Esteban Gonzalez, Topo Encinar, clásicos como Esteban Velarde. Yo elegí los temas, y con los músicos cuando se empezó a armar el disco le fuimos dando a cada tema un mundo distinto. Esteban al conocernos tanto y compartir tanta música y vida encontró exactamente lo que yo necesitaba como cantora y lo que estaba buscando.

¿Cómo será la presentación del disco en Buenos Aires?

AD: -La presentación va a ser el 26 de abril a las 20 horas en el Espacio Tucumán (Suipacha 140), vamos a tener invitados de lujo como Néstor Basurto quien además produjo las voces del disco, Matías Furió, Mariano Manzanelli, Alirio Melo, David Slomka, y los bailarines Adrian Verges, Débora Soto y Mónica Romero.

¿Qué proyectos tenés para este año?

AD: -La idea es después de la presentación poder tocar en todos los lugares que se pueda, tengo la idea de hacer una presentación en Rio Gallegos e ir con los músicos que me acompañan, tanto allí como a ciudades del interior de mi provincia, también con el espectáculo de flamenco están saliendo presentaciones nuevas. Y de a poquito empezando a pensar en temas nuevos que la verdad siempre aparece alguno que me dan muchas ganas de hacer, pero eso de a poco, por ahora tocar mucho este Libertaria que nos llena de placer hacerlo, y se lo merece.

La lucha campesina llevada a escena

Llega a Córdoba la obra teatral Siesta, con la actuación de Lucrecia Carrillo y la dirección de Nerio Tello, sobra la historia de la santiagueña Eli Juárez. Se presentará el 29 de abril en Espacio Cirulaxia

La historia de Eli Juarez es una de las tantas que hablan de atropellos a los campesinos en Santiago del Estero. Eli tenía 34 años y vivía en el paraje San Nicolás, a 60 kilómetros de la capital. Murió defendiendo lo que le pertenecía.

El director teatral Nerio Tello, conoció esta historia a través del relato de la actriz Lucrecia Carrillo, y la llevó a escena con el nombre de “Siesta”.
Carrillo es además, la protagonista de este unipersonal que habla de las pequeñas luchas campesinas, con música de Peteco Carabajal y Mora Martínez.
Siesta se presentó en el Teatro La Mueca de Buenos Aires durante el mes de marzo y ahora llega a Córdoba, invitados por el legendario grupo Cirulaxia Contraataca. El estreno será el 29 de marzo en el espacio ubicado en Pasaje Agustín Pérez 12, de la ciudad de Córdoba. Sobre la obra y la llegada a esta ciudad, habla su director, para Boletín Folklore.

¿Como surge la idea de hacer esta obra de teatro? como le llega la idea de recrear la historia de Eli Juárez?

NT: -La idea original la trae Lucrecia Carrillo. Ella es santiagueña y el caso fue muy comentado allá, no así en la prensa nacional. El caso me pareció interesante, por cierto conmovedor, y le propuse que fuéramos a Santiago a conocer el lugar y si es posible la gente. Así, la idea empezó a rondar mi cabeza y luego, de a poco, surgió el texto, que a lo largo de los ensayos se fue modificando, muchas veces por sugerencias de Lucrecia, hasta que dimos con el texto final y logramos el tono de la puesta que pretendíamos. Una estética despojada, austera, con pocos elementos en escena. Todo está puesto en las escenas de corte coreográfico y en la actuación de Lucrecia que es sencillamente maravillosa.

¿Qué detalles puede contar de la obra?

NT: -Se trata de un unipersonal; es decir, una actriz representa el rol de Eli Juárez y el de otra mujer campesina. Eli cuenta su historia en primera persona, y la otra mujer, se supone que es una anciana, su propia tía, habla de Eli, ofrece algunos datos sobre los acontecimientos. El trasfondo es la lucha que libran los campesinos por evitar ser desalojados, pero la historia es intimista, pequeña… habla de los sueños y los deseos de Eli, y tangencialmente de su lucha. Hemos querido evitar la sacralización del personaje y rehuir del tono épico. Es una historia de vida, en este caso, en un marco trágico.

¿La banda de sonido fue escrita especialmente para la obra? ¿De qué manera interactúa?

NT: -Como la actriz está sola en el escenario, el personaje que encarna interactúa con “otros personajes” que, desde ya, no están físicamente en escena. Son las máquinas transformadas en ruidos, el viento, las voces, los mitos del monte… En alguna escena, el violín de Peteco (donde hace variaciones disonantes sobre Vidala para mi sombra) “dialoga” con Eli Juárez… tiene una función dramática. El caso de Mora es diferente. Ella canta el leit motiv de la obra, Vidala para mi sombra… pero es como música de cierre. Tiene un sentido dramático, pero fundamentalmente su fin es estético.

La historia refleja un hecho particular en torno a una problemática a la que no se le ha dado difusión desde lo teatral, aunque si, desde lo musical. ¿Piensa que “Siesta” puede ser un punto de partida interesante para otros proyectos?

NT: -En verdad no puedo saberlo. Este es un proyecto y, además de un hecho estético, es por cierto un llamado a la conciencia. Pero básicamente es teatro, o sea un hecho artístico. En lo personal creo que las “problemáticas” no conformar universos estéticos sino ideológicos. Este es un proyecto artísticos que, desde ya, no rehúye al compromiso ideológico. Pero nuestro primer compromiso es con el teatro.

Además de la presentación en Córdoba, el 29 de abril, piensan seguir presentándola en otros puntos de país?

NT: -Vamos a presentarnos en otros escenarios de la ciudad de Buenos Aires, como el Festival Vendimia, en el Barrio de Boedo, y en un par de meses en el Festival Internacional de Cine de Derechos Humanos, DERHUMALC. También estamos postulados para un encuentro sobre problemáticas sociales que aún no tenemos confirmado. Estimo que en mayo nos presentaremos en Santiago del Estero (faltan algunos detalles) y entre agosto y septiembre estaremos en Mendoza y San Juan. Por ahora es lo que tenemos en vista.
Ficha técnica
Equipo:
Actuación: Lucrecia Carrillo
diseño y operación de iluminación y sonido y concepción visual: Clara Ripoll
Ambientación y vestuario: Jorge Godoy Zarco
Banda de sonido: Peteco Carabajal en violín y Mora Martínez en voz.
Dramaturgia y dirección: Nerio Tello
Este espectáculo está declarado de Interés Cultural por la Secretaría De Cultura De La Nación y cuenta con el apoyo Del Instituto Nacional De Teatro

Lucrecia Carrillo es actriz, participó en numerosas obras con las cuales ganó premios en festivales nacionales e internacionales. Nació en Santiago del Estero y actualmente reside en Capital Federal. Ha sido becada por el Instituto Nacional del Teatro y el CFI. Con su obra “Mestiza” se presentó en el salón Azul del Senado de la Nación. Ha trabajado como comunicadora en la TV Pública y es columnista en Radio Nacional Rock. Es colaboradora activa del MOCASE VC (Movimiento Campesino de Santiago del Estero Vía Campesina) y miembro de la APDH (Asamblea Permanente de Derechos Humanos).
Nerio Tello es actor, director y autor dramático. Además es escritor y periodista. Ha participado en una treintena de obras en calidad de actor. Como dramaturgo es premio Instituto Nacional del Teatro por su obra El viajero remoto. Como director estrenó en 2011, Extraño Juguete de Susana Torres Molina. En mayo estrena Sono Dio. Una tragedia muy grotesca, versión libre de He visto a Dios de Defilippis Novoa, donde actúa junto a Antonio Germano; ambos son responsables de la versión escénica.

PDS

Entrevista a Augusto Blanca: “En Cuba existe una política cultural que protege y apoya mucho a la creación”

El inquieto trovador cubano visitó Argentina, donde se presentó junto a la peruana Miryam Quiñones. En un alto de la gira, habló de su trayectoria, su actualidad y sus proyectos

Perú y Cuba en Argentina. O lo que puede llamarse, la unión de tres países cuya cultura se entrevera desde hace años y se nutre de poesía y canto.
Ella, la peruana Miryam Quiñones ha pisado este suelo muchas veces, girando con músicos de acá y de allá, y homenajeado entre otras a su coterránea Chabuca Granda; ha cantado también con trovadores cubanos, entre ellos Silvio Rodríguez.
Él es el Augusto Blanca, el autor de “No olvides que alguna vez tu fuiste sol”, la bella canción que popularizó en nuestro país el dúo Baglietto y Vitale.
Juntos presentaron el sábado pasado, un espectáculo que llevó el nombre de aquella composición y la voz de ambos, en la Biblioteca Café de la ciudad de Buenos Aires. En un alto de la gira por el sur del continente, Augusto dialogó con Boletín Folklore sobre su historia y la actualidad de su carrera.

¿Ha venido a Argentina otras veces? ¿Cómo fue el encuentro con Miriam Quiñones?

AB: -Si, esta es la octava vez que visito la Argentina. Conocí a Miryam Quiñones, primero por su voz. Me llegó un cd donde ella incluía una hermosa versión de mi canción “El Tercer deseo”, me encantó su voz…y un día, por casualidad, en un concierto “A guitarra limpia” en el Centro Pablo de la Torriente Brau, en la Habana, en el que yo estaba de público veo subir al escenario a un “ángel de andar que parecía no tocar el piso” y, junto a mi colega Pepe Ordás interpretó esta canción mía…fue grande la sorpresa,… ahí nos conocimos y nos hicimos amigos, luego nos volvimos a ver en Perú y cantó como invitada en un concierto compartido (Augusto Blanca-Pepe Ordás-Trova al Sur) y esta vez quedó la deuda de volver a vernos para hacer un concierto juntos. Cuando estaba armando esta última gira por Argentina me pidió aprovechando que también ella estaba en Buenos Aires, compartiéramos un concierto y extendí los días de la gira para poder realizarlo, tuvimos poco tiempo para montar el repertorio pero, “por esos misterios de la comunicación”, inmediatamente nos pusimos de acuerdo y estructuramos un programa donde primaron varios homenajes a grandes autores de la trova (Sindo Garay, Silvio Rodríguez, Noel Nicola, Juan Pichardo Cambié y algunos temas míos a dúos acompañándonos a veces con mi guitarra otras con la de ella y en varios momentos con su pianista, realmente para mí fue un gusto haber trabajado con ella, es un profesional del canto integral, carismática y con un sentimiento desbordante en escena. (Esta vez pude comprobar aun más que Miryam es un ser humano, una artista de condiciones insospechadas).

Augusto Blanca, formó parte de la trova donde estaban, además de Silvio, Pablo Milanés y Vicente Feliú. Pero su trabajo con la música se extiende más allá de la interpretación. Es el fundador de Teatrova, un grupo de teatro reconocido por la crítica y los especialistas. Además de sus propias producciones discográficas, ha formado parte de diversas antologías de la trova cubana, y cantó con Joan Manuel Serrat, Víctor Jara, Daniel Viglietti, Isabel y Ángel Parra.

¿Cómo surge esa vinculación entre la música y el teatro hasta llegar a Teatrova?

AB: -Desde muy temprana edad me viene mi vocación por las artes, pintaba cantaba, actuaba… cuando me trasladé a Santiago de Cuba desde mi ciudad (Banes, provincia Holguín) con 16 años de edad, allí estudié pintura. Al graduarme comienzo a trabajar en un grupo de teatro (Conjunto Dramático de Oriente) en Santiago de Cuba y es ahí donde conozco a un director, mi gran maestro del teatro y de la vida, el argentino Adolfo Gutkín y junto a una actriz de este mismo colectivo teatral, María Eugenia García, creamos el grupo Teatrova (fusión de la trova con el teatro) método de creación que tuvo mucha aceptación y el cual continúo utilizando esporádicamente con otros actores y actrices
Aún hoy en día me mantengo trabajando en un grupo de teatro para niños y jóvenes (Okantomí) donde realizo la música y utilizo, en muchas ocasiones, niños para la interpretación de las canciones que son creadas para las obras de teatro.

Uno de los momentos más emotivos (más aplaudidos y silenciosos) de los conciertos del argentino Juan Carlos Baglietto es cuando canta tu canción. ¿Conoce la versión? ¿Se conocen con Juan Carlos?

AB: -Si, la conozco desde que la grabó en su disco “Corazón de barco”, luego la incluyó en dos CD posteriores (No olvides…, y Canciones de la Santa Fe) recientemente también la incluyó en el DVD “Más de lo mismo” junto a Lito Vitale, esta canción le llegó a Juan Carlos a través de Santiago Feliú que se la propuso cuando Juan Carlos estaba armando el disco Corazón de barco, (Juan Carlos le pidió una de sus canciones para incluirla en el CD y Santi en un gesto que es muy característico en él-desprendido, humano, transparente- prefirió sugerirle una canción mía).
Ya en dos ocasiones que he visitado Argentina la he cantado a dúo en conciertos míos que he tenido la dicha de tener a Juan Carlos como invitado. En este último viaje (marzo de 2012) fue que se la escuché cantar en vivo por primera vez junto a LitoVitale y fue una de las emociones más grandes que he experimentado en mi vida ¡que tremenda interpretación! …Juan Carlos se ha adueñado de ella, la hace suya y realmente cuando terminó de cantarla no podía levantarme de la butaca, cosa que le pasó también a Rosy (mi esposa) que estaba allí conmigo, es inexplicable lo que sentí cuando se la escuché, ¡sencillamente grandiosa su interpretación!

También la ha grabado junto a Santiago Feliú, a propósito, ¿qué relación lleva con sus compañeros de la trova cubana?

AB: -Santiago Feliú (Santi), aunque es de una generación posterior a la mía es con quien más relación de cariño tengo de este grupo posterior a la Nueva Trova que surge como movimiento en 1972, desde que lo conocí, siendo el casi un niño, cuando asistía a los primeros encuentros de la naciente Nueva Trova le tomé un cariño muy especial, (independientemente que lo considero el más talentoso y carismático de su generación).
Cuando grabé mi CD “Este árbol que sembramos”, trabajo que dediqué a los 25 años de la fundación de la Nueva Trova, la idea era cantar mis canciones a dúos con mis colegas de generación (Silvio, Pablo, Noel, Vicente) y quise incluir a Santi que aunque realmente no era de mi generación, por derecho propio debía estar en este disco ya que precisamente la canción No olvides… él la cantaba en sus conciertos más que yo en los míos…También grabó, junto a Rochy, otra cantante cubana, la musicalización que hice de un texto…Invierno en Orgiva… del poeta cubano Waldo Leyva, en su CD “Definitivamente jueves” , en fin en muchas ocasiones hemos trabajado juntos ya que además de admirarlo como creador lo quiero como un hijo.
Con Silvio también he mantenido una amistad de años (nos conocemos desde 1970) y hemos compartido infinidad de aventuras y proyectos, sueños, tristezas y alegrías que nos unen para toda la vida, al igual que con el querido Pablo, con Noel Nicola que fue quien hizo los primeros arreglos musicales en mi primer CD (Regalo-1978), hermano querido que nos abandonó tempranamente al igual que con Sara González, querida, entrañable hermana del canto, con Vicente Feliú, Lázaro García, Ramiro Gutierrez, Fredy Laborí (Chispa), Miriam Ramos, Pepe Ordás, la actriz y cantante Corina Mestre, en fin, todos nos hemos mantenido en una comunicación ininterrumpida y aunque a veces no nos veamos a diario sabemos de nuestros pasos y proyectos de vida y estamos en el momento y lugar cuando nos necesitamos abrazar o darnos un regaño.

¿Qué opina de la canción latinoamericana actual? ¿Cómo ve a los poetas nuevos?

AB: -Pienso que, como mismo está sucediendo en el resto del mundo, la canción, de autor, de contenido…está atravesando un momento difícil producto de la saturación de un tipo de canción y rítmicas prefabricadas en las que el mercado del disco invierte millones, les conviene vender y se valen de patrones comerciales y facilistas, embobecedoras diría yo para su “venta masiva”.
No obstante creo que la creatividad no ha disminuido en los cantautores, por lo menos en los trovadores de las diferentes generaciones cubanos y, paradójicamente, en este momento hay cientos de jóvenes talentos haciendo canciones hermosísimas y con una calidad impecable.
Realmente no tengo suficiente material de los nuevos poetas argentinos ya que, a no ser, en las Ferias Internacionales del Libro que se celebran en la Habana de otra manera es muy difícil de conseguir estos textos, por lo que prefiero no dar una opinión que carecería de un amplio conocimiento al respecto.

Culturalmente y socialmente hablando, ¿qué nos puede decir de Cuba hoy?

AB: -En Cuba existe una política cultural que protege y apoya mucho a la creación y es prioridad fundamental ayudar a su desarrollo. Existen escuelas de todas las manifestaciones artísticas en todo el país y una Universidad del Arte en la Habana (ISA) Instituto Superior de Arte. De ahí se nutren los diferentes grupos teatrales, musicales, escuelas de pintura, grupos de danza y ballet, etc.
Todos estos grupos o proyectos tienen sus plantillas y los artistas perciben un sueldo fijo (independientemente de las remuneraciones que se les pagan cuando giran por el territorio nacional). Este fijo no se les afecta si las entradas (taquillas) a los espectáculos fueran escasas, siempre los artistas van a estar protegidos en este sentido.
En ocasiones los grupos de teatro o musicales están en proceso de montaje y aun así se les sigue pagando su sueldo.
En estos momentos Cuba se encuentra enfrascada en un proceso de cambios y mejoramiento de nuestra sociedad socialista, la nuestra tiene peculiaridades muy especiales y producto del bloqueo al cual hemos estado condenados durante mas de 50 años, se ha visto en muchas ocasiones en riesgos que casi nos llevan al abismo, afortunadamente todos estos temporales se han podido soportar y no ha naufragado nuestro proyecto, aquí seguimos, contra viento y marea dispuestos a hacer cambios pero nunca renunciando a lo esencial: una sociedad justa donde el ser humano sea lo fundamental y nadie esté desprotegido, somos un país pobre pero no indigente y precisamente por esto es que no nos damos por vencidos y continuamos tratando de perfeccionar cada vez mas nuestra sociedad.

¿Qué otros proyectos o gira tiene para este año?

AB: -Lo primero que tengo en perspectiva es el lanzamiento de mi último CD “La Fuga de la tarde”, que fue Premio Especial del jurado en el Concurso de Creación Artística que convocó los estudios Ojalá de Silvio Rodríguez, consistía en la musicalización de poemas del poeta y revolucionario cubano Rubén Martínez Villena de la década del 30, los poemas que musicalicé (14) fueron grabados en los estudios Ojalá y su próximo lanzamiento será con un concierto que incluye estos temas ejecutados en vivo a comienzos de mayo.
En junio proyecto repetir en Cuba, el concierto, No olvides que una vez tu fuiste sol” que acabo de presentar en Argentina.
Además estoy terminando la banda sonora de de dos obras de teatro infantil que están próximas a estreno por el grupo al cual pertenezco (Okantomí).
También, y esto será el 7 de septiembre, estrenaré la “Misa del abandonado” la cual tiene textos del poeta camagüeyano Jesús Lozada lleva mi música y será ejecutada en la Iglesia de mi pueblo natal (Banes) en la fecha anteriormente dicha.

PDS

Milena Salamanca, la revelación de Cosquin El aplauso que llegó de todas partes

Foto: Paul Amiune

Pocas veces un premio revelación del festival mayor de folklore suena tan firme desde el comienzo del certamen. La voz d eMilena retumbó más allá del prestigioso premio, y la consagró como un valor nuevo en la música popular. Hoy se presenta en el Coliseo Podestá de La Plata donde será distinguida como artista destacada de la ciudad donde reside.

Alguien pasó por el escenario del pre Cosquín 2012 y la divisó, frente al mar de gente que presenciaba el certamen de folklore más importante del país. Cantaba “Esperando a mi madre”, de Suma Paz y Jorge Viñas con voz tan imponente que llamó la atención. Milena Salamanca, finalmente ganó el pre Cosquín este año, y fue la revelación del festival, con la mayoría de los votos a favor. La de la prensa, el jurado y el público. Chabuca Granda fue la compositora que eligió para interpretar cuando le entregaron el premio en el escenario Atahualpa Yupanqui. “El surco”, la canción.

Ahora la joven artista se presenta a si misma, via internet desde su residencia en La Plata, donde será distinguida como artista destacada de esa ciudad, luego de su actuación en el Teatro Coliseo Podestá, el 4 de abril.

Son pocas las revelaciones del festival de Cosquín que desde el principio reciben una apuesta tan grande. Esto parece ser una buena señal para el futuro ¿Qué percepciones y sensaciones te dejaron el premio revelación?

MS: -Cosquin es importante en el mundo, por ende ganar un premio de semejante importancia y además recibir una distinción de tan importante te deja una cierta alegría y preocupación. Alegría por que uno se siente agradecido porque lo reconozcan con algo de tanto valor, y además compartirlo con mis seres queridos, colegas, y amigos.
Preocupación porque llevar un título de este tamaño es una cierta presión, el nivel de exigencia es importante, la expectativa del público es más fuerte y de mi también me exige como persona, artista y demás cuestiones, estar a la altura del premio.

Desde que cantaste en el pre festival, todo el mundo que te vio, te marcó como la revelación segura, ¿te llegaron esas voces antes de saber que eras la ganadora?

MS: -En el ambiente de la competencia es muy raro que alguien, que justamente compita, te venga a felicitar o decirme “mirá vos sos la que va a ganar seguro”. Muy pocas personas vinieron a saludarme sobre todo recibí un fuerte apoyo y agradecimiento por parte del rubro danza y un par del de música. Varios periodistas ya en pleno festival venían a decirle a mi papá que yo seria la próxima revelación, un poco como un rumor y también como una confirmación. Nosotros estábamos por supuesto muy contentos y también tomándolo con pinzas para no ilusionarnos. Hasta incluso me confirmaron que seria la revelación una hora antes de recibir el premio. Yo medio entrando en trance y asimilando toda la situación, estaba como anonadada ante todo lo que pasaba enfrente mío. Pero fue muy secreto todo, por parte de la organización, revelar que seria distinguida.

Nacida en una familia de artistas (su padre es Luis Salamanca, jujeño creador de Los Duendes de la Salamanca y propietario de una de las peñas más importantes de la ciudad de La Plata), Milena se abre paso con su voz y su presencia entre los nuevos valores del folklore, saliendo un poco de las reglas, eligiendo un repertorio que abarca desde el folklore andino, hasta el latinoamericano.

¿El pertenecer a una familia de artistas fue predominante para decidirte?

MS: -Si, totalmente. Toda mi vida viví en medio de la música y la danza, convivía con artistas, músicos, y toda mi familia está vinculada con el arte. De chica bailaba, y me subía a los escenarios como si nada, cuando mi papá tocaba y cuando tenía alguna oportunidad. Disfrutaba de ello como si lo fuera todo, por supuesto que no me acuerdo mucho de eso, pero hay fotos que lo confirman.
Y bueno una cosa llevo a la otra. Hoy día estudio en Bellas Artes el último año del secundario con orientación de piano. Estudié canto con Emilse Vasaro, y danza en la escuela de Danzas Clásicas. Hoy me dedico a ello con alegría y profesionalismo.

¿Cómo elegís el repertorio?

MS: -El repertorio lo elijo junto con mi papá, es muy importante para mi su opinión y todo su apoyo. Para elegir los temas me fijo si la canción me gusta, y si la letra tiene cierta relevancia para mi, y luego me fijo si el tema me queda cómodo o no. También es importante el autor. A veces busco autores conocidos y elijo una canción que me gusta, pero puede pasar que hay temas de autores no tan conocidos y me quedan bien.

Estás trabajando en tu primer disco. ¿Qué detalles se pueden adelantar?

MS: -El trabajo discográfico está en proyecto, lleva tiempo, dedicación y plata realizar un disco. Pienso que entre este año o el que viene podré tener ya un disco. Va tener varios artistas invitados: Tomás Lipán, Franco Luciani, Illapu.

¿Qué otros proyectos tenés para este año?

MS: -Los proyectos a futuro son varios, tengo ahora en un par de meses una gira con Illapu hacia el sur, luego en julio me voy para el Perú para realizar varias tocadas y justamente este miércoles 4 de abril, me presento en el Coliseo Podestá de La Plata, organizada por el estado por que me van a distinguir como artista destacada de la ciudad. Una gran alegría para mi.

PDS

Entrevista a Tanino Dúo: Guitarra y armónica en armonía en diálogo con la música

Santiago Álvarez  y Fernando Sánchez, dos músicos jóvenes y prolíficos  provenientes de distintas agrupaciones, forman este dúo instrumental  cuyo primer disco, Tango + Folklore cosechó aplausos y las mejores críticas de la prensa. En esta entrevista se presentan y hablan de sus proyectos

Una armónica cromática y una guitarra, es todo lo que suena bajo la luna de Merlo, en San Luis, en el final de un festival cuya comisión y el aplauso del público los premió. Allí, Santiago Álvarez (la armónica cromática) y Fernando Sánchez (la guitarra), despliegan la música que los acompaña desde hace dos años, cuando juntos emprendieron el camino del Tanino Dúo, una formación original por la atípica unión de los dos instrumentos cuya escucha suena a clásico.

No pudieron haber elegido un nombre mejor. El Tanino es producto de la parte sólida de la uva y de la corteza del roble: color, textura, armonía. Características que acompañan la música de este dúo que ya tiene un excelente primer disco, (Tango + Folklore) y muchas críticas a favor. En esta entrevista hablan de su trabajo y cuentan los proyectos que  tienen para este año.

¿Que los llevó, teniendo cada uno una carrera a juntarse en este proyecto?

TD: -El escucharnos tocar. Puntualmente el encuentro se dio allí por diciembre del 2010 en un bar de tango del barrio de Almagro llamado Sanata Bar. Esa noche, cada uno tocaba con una agrupación distinta, y luego de eso nos pusimos a charlar dándose la posibilidad de encontrarnos luego a compartir experiencias y un ensayo.

Desde ese momento y de una manera espontánea se fue generando un interés común por desarrollar una agrupación de tango en formato dúo instrumental. Si bien, agrupaciones de dos instrumentistas abundan en el género creíamos que nuestros instrumentos podrían llegar a acoplarse bien y de manera novedosa.

Además de plantear una “juntada” original de instrumentos, ustedes dicen que “priorizan la escucha mutua”. ¿Esto es parte de la improvisación o una simple manera de tocar juntos?

TD: -Los grupos surgen de manera frecuente, desde un interés musical común tal vez indefinido en un principio y luego van limando su personalidad. A nosotros nos pasó eso.

El “priorizar la escucha mutua” surge de plantear los arreglos en un plano de igualdad entre sus instrumentos.  Es decir que, en nuestro caso, lo que buscamos es reforzar la idea de diálogo entre la guitarra y la armónica traspasando las funciones básicas que tendría cada instrumento (la armónica encargada de la melodía y la guitarra acompañando desde la armonía). O sea, eso genera la sensación de que “nos vamos pasando la pelota”, para usar una imagen futbolera. Ese es uno de los objetivos que nos planteamos y que con el correr de ensayos vamos esclareciendo cada vez más.

Creemos que eso refuerza la necesidad de escucharnos mutuamente,  hecho que forma parte de cualquier agrupación musical por supuesto. O sea, es algo que surge de los arreglos, donde pudo haber algo de improvisación en algún momento, y donde incluso quedan márgenes para ella cuando tocamos en vivo el tema, una vez finalizado el arreglo, en tanto sutiles cambios, novedosos fraseos que hay que estar atento a “compartir” con el que lo propone…

Tango + Folklore contiene una selección de temas de ambas vertientes, con un tratamiento de arreglos que le dan un toque clásico y algo  barroco al sonido. “Sur”, “Pedacito de Cielo”, La Última Curda”, “9 de Julio”, tangos de Manzi, Troilo, Expósito, Padula, y zambas como “Agitando Pañuelos” de los Ábalos o “Juan del Monte” de Castilla y  Leguizamón, se nutren de la armónica y la guitarra y los arreglos del dúo. La producción y la dirección del disco es del dúo.

¿Cómo llegan al primer disco juntos?

TD: -Llegamos con un resumen fiel de los primeros años de trabajo, con un repertorio amplio de joyas del cancionero nacional que admiramos y disfrutamos mucho tocar.

En un principio lo planteamos como el paso necesario para seguir creciendo al grabar los temas que ya teníamos trabajados para luego sumar nuevos. En ese proceso de grabar, uno se vuelve mucho más detallista y la interpretación mejora mucho el trabajo previo. Eso de por sí te hace crecer como proyecto en el plano musical. Y también te permite “salir al ruedo” más armado, con algo plasmado materialmente de lo que hacemos, lo cual también te puede abrir puertas para tocar en más lugares.

Este disco, siendo el inaugural y el representante objetivo de esta etapa como grupo, expresa hasta cierto punto la idea planteada en la pregunta anterior. Creemos que la manera de hacer música no debe estancarse y que las ideas que uno concibe en un principio y al recorrer el tiempo van decantando en resultados palpables en el largo plazo.

Actualmente estamos disfrutando de un lindo trabajo que ha tenido buena recepción en el público. Y que tuvimos la alegría además de poder editarlo con el sello “Los Años Luz”.

¿Por qué tango y folklore?

TD: -El repertorio fue, en un comienzo, compuesto por composiciones clásicas del género tanguero con el cual veníamos tocando cada uno en sus proyectos. Esto refiere además a nuestra admiración hacia los grandes poetas y músicos de Buenos Aires. Entre ellos, por ejemplo, Aníbal Troilo junto con Homero Manzi o Cátulo Castillo, piezas clave de nuestro amor hacia esa música.

Luego, en el transcurso de los ensayos fue surgiendo bastante espontáneamente las ganas de tocar algunas zambas y chacareras y compartir nuestra admiración por músicos y poetas del folklore como el Cuchi Leguizamón, Juan Falú o Hugo Díaz. Incluso entendimos que nuestros instrumentos debían mucho de su tradición popular en Argentina también a este género. Así fuimos probando algunos temas en público, y al recibir tan buena respuesta, no dudamos en que forme parte no sólo de nuestro repertorio, sino tal vez hasta de nuestra identidad como grupo. Somos un dúo anclado en el tango, pero que felizmente se abre a nuestra música folklórica, a la que amamos también.

En algunas presentaciones incluyeron, además de Franco Luciani, a Mora Martínez. ¿Tienen pensado incluir vocalistas en los próximos trabajos?

TD: -¡Es uno de nuestros proyectos inmediatos! Disfrutamos mucho de las presentaciones con cantantes invitados, tanto en el caso de Mora, como en el de Gabriel Menéndez y por supuesto Silvia Lallana. En el próximo disco seguramente habrá tangos y zambas con cantantes invitados.

Justamente con Silvia Lallana hemos ya compartido escenario tanto acá en Buenos Aires como en Córdoba, y de a poco va creciendo nuestro repertorio juntos. Están las ganas de seguir compartiendo, el tiempo dirá…

¿Nuevos proyectos para este año?

TD: -Estamos preparando nuestras próximas presentaciones en vivo en Buenos Aires, donde el 20 de abril nos presentaremos en No Avestruz, Palermo, junto al trío de tango Turbio Tinte. Además organizando nuevas giras tanto al interior como al exterior. Nos han invitado a algunos festivales en el exterior y estamos en medio de las tratativas para que se concreten.

Fundamentalmente, en estos momentos estamos trabajando en profundizar las posibilidades sonoras del dúo ampliando el repertorio e  incluso probando algunas otras composiciones propias. La personalidad del dúo está en constante formación siendo ahora el momento de probar cosas nuevas, de desecharlas si no sirven, y de seguir estudiando para perfeccionarse.

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Más datos:

Ambos tienen estudios académicos y una basta carrera individual: Fernando es profesor de guitarra egresado del Conservatorio dela Ciudadde Buenos Aires y musicoterapeuta. Ha acompañado a diversos cantantes actuando en Café Vinilo, No Avestruz,la Confitería LaIdeal, el Auditorio del Hotel Bauen, y diversas milongas. Actuó con el Quinteto Varietal, con quien realizó la gira “Varietal Tango Argentino México-2009″ tocando en los más importantes teatros de León, Guanajuato, Cordoba, Orizaba y Mexico D.FDurante el 2010 graba su primer cd “Mosaicos” junto a Bien Debute Trío, donde participa como guitarrista, director y arreglador del grupo. Actualmente actúa en tres agrupaciones. Además de Tanino, en Bien Debute trío, yla Orquesta TípicaAguafuertes.

Santiago Álvarez estudio armónica desde los 16 años y se perfeccionó  en Mannes College The New School of Music de Nueva York. Es docente especializado en armónica tanto diatónica como cromática de forma particular.

A pesar del corto tiempo juntos, como dúo han recorrido varios  escenarios de Buenos Aires, Córdoba y San Luis y fueron premiados como Mejor Conjunto Instrumental de tango (categoría dúos a cuartetos) 2011, en el marco del XIX Certamen Hugo del Carril, que organizala Direcciónde Música dela Secretaríade Cultura dela Ciudadde Buenos Aires, y como Revelación del Festival del Valle del Sol de Merlo, San Luis

www.taninoduo.com.ar

 

Por Paola De Senzi

Soema Montenegro: “A la hora de la composición, la música es amoral”

La original compositora y cantante llega a Córdoba para actuar en el marco del ciclo “Mujeres, Memoria Viva de América Latina” junto a Maru Chamela, el viernes en Agua de Oro y el sábado en Cocina de Culturas, donde además dictará un taller de interpretación para todo público. 

Color, pasión, verdes, amarillos, profundidad del bosque.

Lo barroco, lo que vendrá.

Alguna vez, Soema Montenegro (cantante, compositora, escritora) puso esos adjetivos a su último disco, “Passionaria”, que presentará esta  semana en Córdoba, junto a Maru Chamela, en el marco del ciclo  “Mujeres, Memoria Viva de América Latina”.

Juntas, realizarán un recorrido por el repertorio musical latinoamericano y sus propias canciones, primero el viernes 23 en Río Arriba, el espacio musical de Agua de Oro, y el sábado 24 en Cocina de Culturas, en la capital cordobesa, donde además dictara el mismo sábado un taller intensivo de canto. De la voz, la guitarra, el cuatro y la caja brotarán sonidos que se fundirán con los colores y el ambiente.

Antes de su llegada a Córdoba, Soema habló de su música, de los proyectos y de los colores que la habitan.

¿Qué características tendrán los shows que presentarás en Córdoba junto a Maru Chamela, y cómo fue el encuentro entre ambas?

SM: -Nosotros estamos presentando Passionaria, que es mi segundo disco solista. Los conciertos en Córdoba tendrán la particularidad de una puesta más íntima, con una búsqueda más cruda y sutil por así decirlo a nivel sonoro. Me acompañarán en esta ocasión: Jorge Sottile, arreglador, bandoneonista y percusionista y Manu Molina, músico invitado, que nos estará acompañando también con guitarra y percusión. Yo toco el cuatro venezolano, guitarra, caja chayera y canto.

Yo creo que la particularidad de compartir el concierto con Maru tanto por su música, por lo que he escuchado, como lo que estamos haciendo nosotros en este momento, está trazada por la geografía  latinoamericana y popular, y de alguna manera es un reencuentro con nuestra identidad sonora. Con Maru no nos conocemos personalmente todavía, nos conectamos por esta mágica vía que es internet. Así son las conexiones que se dan este tiempo. Por suerte, y para mi alegría, porque siento que compartir música entre los músicos abre nuestra mente y nuestros corazones.

Además dictarás un taller intensivo en Cocina de Culturas, el sábado.

SM: -Sobre el Taller que voy a dar aquí en la ciudad de Córdoba, es un taller abierto a todo público no sólo para artistas. Voy a trabajar sobre aspectos técnicos apuntando al reconocimiento de lo que cada uno hacemos cuando cantamos o hablamos cuando emitimos sonidos, utilizando ejercicios que son de coordinación de movimiento y sonido, y relación entre ambos. La idea es poder generar herramientas como para que cada uno de los participantes pueda seguir investigando y explorando y llevarlos rápidamente a su práctica cotidiana.

Porteña de nacimiento, alumna del conservatorio Ginastera, la primera  inquietud fuera de cátedra de Soema, fue crear el trío de improvisación vocal Adivina. Con él voló más allá de las partituras, hacia la improvisación vocal y musical. En 2008, editó “Uno Una Uno”, su primer disco; cantó con Fernando Cabrera, con Lulacruza, y con Gustavo Cordera, a quien además  apoyó como vocal coach en su disco y  en su gira “La Caravanamágica”.

Sobre ella, filmó un documental el videasta francés Vincent Moon, quien se declara su gran admirador. Passionaria se editó en el 2011 en Estados  Unidos y acaba de regresar de una gira que la llevó a Francia, Suiza, Marruecos, y distintos puntos del país.

En Soema se funden distintas latitudes musicales como el folklore latinoamericano, el fado portugués, la música afroamericana, las milongas y los valses rioplatenses. Un huayno y una milonga se unen en una caja chayera. Un cuatro venezolano brinda el sonido de otra región, mientras la voz acompaña el movimiento.

Uno se agota de leer tanta actividad pero al ver el talento y la fuerza de Soema comprende de qué va la cosa para esta joven e inquieta damaa.

Se dice tu trabajo es innovador en cuanto al manejo de la voz y el estilo. ¿Cómo surge esta manera de hacer música, y qué elementos utilizás de tu formación académica en el conservatorio?

SM: -Estoy segura que el canto y a la vez  la composición surgen en mi niñez, de mi memoria más profunda, eso creo que nos sucede a todos,  del paisaje que me rodeaba sonoramente, de las historias que se contaban en mi familia, mis abuelos, tíos y amigos que llegaban del monte a la ciudad. Eso despertó en mí un mundo de inspiración  constante y curiosidad también. Después comencé a estudiar guitarra, canto, y más adelante llegó el conservatorio, donde estudié composición, que fue sin duda, un momento de adquirir conocimiento y técnica de un mundo más concreto y tangible, como lo es hacer ejercicios. Entonces podría decir que la formación académica me amplió el panorama desde las diferentes formas de hacer música, y por suerte, también tuve excelentes maestros que me apoyaban en mi época de estudiante.

Desde el trabajo vocal puedo decirte que cuando era niña cantaba, siempre canté, hasta que en un momento de mi vida comprendí lo que estaba haciendo: cantando… Luego hice muchos intentos de estudiar canto, nunca me sentí cómoda con las técnicas líricas, hasta que comencé a encontrarme con maestras y maestros que trabajaban en conexión con la voz y el cuerpo y ahí me maravillé. Eso era lo que buscaba, y me dediqué específicamente al canto.

En cuanto a las composiciones. ¿Cuál es el punto de partida de ellas?

SM: -Los puntos de partida pueden ser muchos para mí, no tengo una fórmula. Son momentos, estados que aparecen y se revelan, es para mi  mágico y único, como un enamoramiento intenso y veloz.

Luego viene el momento de pulir eso que llega como en estado bruto, donde se organiza esta explosión caótica de información, letra y  música, y después de eso pasa a manos de Jorge Sottile quien se encarga de la instrumentación y arreglos.

Y así,  más o menos así, va surgiendo la música que hacemos. Los dos tenemos mucha claridad que la música en cierto sentido, o al menos a la hora de la composición, es amoral. Todo juicio de valor sobre lo que nosotros pensemos está demás. Es complejo pero es como seguir una huella, un rastro de algo completamente desconocido.

¿Cómo te reciben en el exterior? ¿Pensás que en Argentina el espacio para lo que hacés es limitado?

SM: -¡En el exterior nos reciben muy bien! Estoy contenta de que se estén abriendo y que se abran esas puertas para nosotros… yo creo que en el mundo pasan cosas parecidas con respecto a la valorización del arte en general, el mundo comercial funciona muy diferente al mundo que busca abrir otras perspectivas y visiones sobre el arte. Yo tengo una carrera muy corta como solista, aunque siempre canté y trabajé con diferentes grupos musicales. Siento que enla Argentinanecesitamos tener más tiempo para poder afirmar si es limitado o no este espacio para mi.

¿Cómo surge tu participación en el disco y la gira de Cordera?

SM: -Con Gustavo Cordera comienzo a trabajar como entrenadora vocal para los coros, ellos necesitaban sonidos y formas muy especificas de la utilización de la voz y como ya veníamos trabajando juntos con Juanito el cantor, él como co-productor de mi disco, yo participando en el suyo, Juanito le propuso a Gustavo que trabajáramos juntos. Gustavo me vino a escuchar mientras grabábamos mi disco y me invitó a participar en el trabajo con “La Caravana Mágica”. Todo fue dándose  muy naturalmente, grabé voces también para algunos temas y eso también nos fue llevando a participar como invitada del grupo. Para mi  es un gusto trabajar con Gustavo yLa Caravana Mágicaporque es sumergirme intensamente siempre a un aprendizaje constante desde lo profesional como también desde lo humano.

¿Qué actividades te esperan para este año; un nuevo disco quizá?

SM: -Este año tenemos una gira por Australia en septiembre y luego, Europa. Estoy abriendo la posibilidad de hacer seminarios y talleres en otras ciudades de Buenos Aires, cosa que me entusiasma mucho.

Y también comenzamos a trabajar tranquilos en el nuevo material, es muy nuevo todavía Passionaria para mí, salió el año pasado. En abril  también arrancamos con la Caravana Mágica, y el trabajo del nuevo  disco de Gustavo (Cordera).

PDS