El Blog del Boletín

20 febrero, 2017

El carnaval de Mintcho Garrammone regresa al CAFF “Soy un inventor de melodías, y un cuidador de melodías”

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mintcho

Foto: CAFF

Por Gustavo Grosso

El compositor y multinstrumentista prepara una noche de carnaval para el viernes 3 de marzo en el CAFF, mientras trabaja en su nuevo disco.

La música de Mintcho Garrammone es un viaje en el que todo sucede en un clima festivo donde la razón y la emoción van a alta velocidad. Mezcla choro con milonga, samba con tango, baiones con cumbias y frevos con cuarteto, desorienta y emociona al público con melodías de una alegría ingenua que no se parecen a nada de lo que ya escuchamos y sin embargo habitan dentro de la memoria colectiva como un sonido antiguo que aún no fue descubierto. Multifacético músico y compositor argentino, Mintcho vivió y tocó en Brasil durante más de 15 años donde se especializó en guitarra baiana y cavaquinho. También toca el bajo, acordeón, pandeiro y bandolim.

¿Cuál es la influencia que tiene la música de Brasil en tu arte?

Mincho: –Mi música tiene la influencia de todas las regiones de Brasil. Estuve 15 años recorriendo el país de gira con Chico Cesar, Ramiro Musotto y otros grandes artistas brasileros de los cuales aprendí todo lo que hoy suena en mis composiciones. El choro, (o chorino) fue el  género que me marcó y en el cual me especialicé estudiando composición con Mauricio Carrilho y cavaquinho con Luciana Rabelho en la Escola Portatil durante 5 años en Río de Janeiro.

¿Tuvo influencia también tu descendencia italiana y haber nacido en el interior de la provincia de Buenos Aires?

MG: –Toda mi vida escuché música italiana, con mis abuelos italianos que vivían en frente de mi casa en Dolores. Soy un fanático de la música italiana, y al empezar a tocar acordeón esta música empezó a fluir en mis composiciones; fue así que hice dos discos totalmente italianos “Valsa y otras cositas más” (2000) y “Mintcho Garrammone y su Orquesta Atípica” (2004), ambos grabados en Brasil.  La radio en la casa de mis viejos fue una gran influencia que hizo entrar en mi música todo el sonido pampeano de Abel Fleury (compositor Dolorense que estudié bastante en mis años de guitarrista de conservatorio), y de toda la música de bailes populares en los clubes de Dolores, con acordeón y grupos de cumbia. Escuche mucha cumbia, antes de que la cumbia se transformara en una moda en Argentina.

¿La felicidad es un kilombo? ¿Por qué?

MG: –“La felicidad es un kilombo” es una frase que una vez me dijo Néstor Musotto, el padre de Ramiro Musotto, y me pareció tan genial que le dije “voy a hacer un show y un disco con ese nombre” , y es mi mejor manera de honrarlo a Nestor y a Ramiro que ya no están físicamente presentes en mi vida.  Creo que es una buena frase para definir cuanto nos cuesta ser feliz en algunos momentos de la vida, y al mismo tiempo mi disco es pura alegría, como si hubiese hecho una catarsis de melodías de felicidad en uno de los momentos mas difíciles de mi vida que fue perder a mi hermano del alma y compañero de andanzas por el mundo, Ramiro Musotto. Ese disco es completamente en su homenaje, usando la guitarra baiana que fue un instrumento que conocí con él en Salvador, y con el cual la semana que viene me voy a tocar por cuarta vez en un trío eléctrico del carnaval más grande del mundo, y esta vez tocando un tema mío que grabó una banda de allá que se llama Baiana System y es un hit en todo Brasil.

Se viene una fecha en el CAFF ¿Qué tenés pensado para esa noche? ¿habrá invitados?

MG: –Será una noche de carnaval, “El carnaval de Mintcho Garrammone”, como en todos mis shows, van a terminar corriendo las mesas y bailando. Voy a presentar varios temas nuevos, cantaré algunos temas brasileros, y voy estrenar “La cumbia del amor”, una nueva “cumbia cool” que estamos ensayando y tiene pinta de nuevo hit. Mi banda está compuesta por músicos jóvenes (sub 30) que han sido alumnos míos: Gastón Dealegre en guitarra, Agustin Ramos en batería, y Juan Gimenez Kuj en bajo. Obviamente voy a tener varios invitados, pero eso es sorpresa total.

¿Cómo llegaste a la música? ¿Cuáles son los sonidos de tu infancia que guardaste para siempre?

MG: –La música fue algo que siempre estuve buscando desde muy chico, primero haciendo una batería con latas de dulce de batata, y un redoblante también con esas latas pero con monedas, con una franela arriba -como un redoblante de mentira- me lo ataba a mi cintura con 8 años y salía por el barrio tocando un ritmo de comparsa, solo como perro malo. Después quería un bombo legüero y mi papá me compró una guitarra criolla “me pareció más linda la guitarra ” me dijo, y eso cambio todo. A los 15 años me invitaron para tocar el bajo en un trío de rock en Dolores, y después de terminar el secundario empecé a viajar al conservatorio de Chascomús. A lo largo de mi vida fui sumando instrumentos que me fueron regalando, amplié el kiosco año a año: acordeón, pandeiro, berimbau, cavaquinho, mandolina, guitarra baiana, piano (que me regaló mi esposa), y ahora el bandoneón. Cada instrumento me ayuda a sacar nuevos sonidos que están dentro de una memoria inconsciente de melodías guardadas que esperan el instrumento oportuno para tomar vida en una nueva canción.

¿Cómo fue tu experiencia en la Orchestra Sudaka? 

MG: –Una experiencia maravillosa, con músicos maravillosos como Leo Leobons, Sacha Amback, Ramiro Gonzalo, Wilton Batata, Icaro Sa, Jorge Continentino, y otros más que iban rotando en diferentes lugares donde anduvimos de gira, como el Pájaro Canzani (ex Los Jaivas) e Inor Sotolongo. Trabajar con Ramiro Musotto fue siempre un aprendizaje constante, y éramos como hermanos de la vida, nos entendíamos muy bien, y formábamos un equipazo imbatible. No hay como explicar la experiencia Orquesta Sudaka, había que escucharla en vivo y entender que la música de Ramiro estaba muchos años adelantada, y algún día tendrá el reconocimiento que se merecía. Infelizmente Ramiro partió en el mejor momento de su carrera solista, una injusticia del destino.

Alguna vez te definiste como “un investigador de sonidos y un inventor de melodías” ¿Qué es para vos ser músico?

MG: –Siempre fui un loco por pedales, cuando era bajista usaba pedales que nadie usaba en la época, y todavía los tengo. Creo que andaba buscando otros instrumentos dentro del bajo, y por suerte no tuve que llegar al bajo de seis cuerdas y entendí que había otros instrumentos melódicos esperándome, y en ellos encontrar la música que tenía que parir, y así salieron mis cuatro discos a pura melodía. Siempre viajo con un instrumento, y ando encontrando melodías por los caminos. Me encanta el detalle de la composición, componer como algo natural, y al mismo tiempo cuidar cada notita como si fuera oro, y creo que en la composición es en el momento que menos dudo en mi vida, salen melodías redondas, y las anoto en una servilleta, o las grabo en el celular, pero nunca dejo escapar una melodía, por más obvia que parezca. Soy un inventor de melodías, y un cuidador de ellas, me pongo de muy mal humor cuando algún intérprete cambia una melodía perfecta o algún cantante cambia alguna del compositor.

¿Estás trabajando en algún nuevo disco?

MG: –Si, preparando el repertorio para mi próximo disco “Música guardada no sirve para nada”, con temas nuevos y algunas que están en el baúl y nunca fueron tocados en vivo todavía. La idea es hacer un disco en vivo en el estudio, o en vivo en algún lugar, tal vez el mismísimo CAFF que para mi es el mejor lugar que hay para tocar hoy en día en Buenos Aires.

Dicen que existe otro mundo pero habita en este mundo ¿Cómo es el mundo de Mintcho Garrammone? 

MG: –Mi mundo yo lo llamo Mintcholandia, basado en aquella foto genial de Ariel Sabatella que está en mi último cd, donde hay varios Mintchos tocando diferentes instrumentos en la estación de tren de Dolores. Ese soy yo, varios Mintchos, con varios instrumentos, y cada instrumento transforma mi expresión y mi presente en el momento de tocarlos. Por otro lado soy un amante de la cocina y veo a la cocina y a la música como una misma cosa, mis composiciones son recetas, y a mis recetas las terminás saboreando como a una buena canción.

Mintcho Garrammone, Viernes 3 de marzo, 21.30 en el CAFF (Club Atlético Fernández Fierro)/ Sánchez de Bustamante 772 – CABA, Entrada General. $150. A la venta a través de www.tickethoy.com

 

 

 

17 febrero, 2017

Nelly Prince “Somos apasionadas y dejamos todo en el escenario”

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Foto Nora Lezano

La gran actriz argentina es protagonista junto a Cristina Banegas y Rita Cortese del espectáculo Canciones Bárbaras, que se lleva a cabo con éxito en el Tasso de Buenos Aires. Por entradas agotadas, se agregan funciones en febrero

El amor, el arte, lo cotidiano, la vida misma. Elementos que configuran nuestra humanidad y que, además, pueden ser contados en los escasos minutos que dura una canción, o en los versos de un poema.

Canciones Bárbaras, es un espectáculo que habla de nuestra existencia, en formato de canciones y poemas, magistralmente interpretado por las actrices Cristina Banegas, Rita Cortese y Nelly Prince. La primera y la última, madre e hija, y Rita, sumándose como amiga entrañable de ambas, todas aportando su voz  a esta obra que, con gran éxito viene llevándose a cabo en el Tasso de Buenos Aires.

Por entradas agotadas en el mes de enero, se han sumado dos funciones en febrero, la de hoy, viernes 17 y la del 24 de este mes. Las acompañan Ariel Polenta en piano, Federico Vázquez en bandoneón y Aldo Vallejos en guitarra.

Nelly, quien en principio fue invitada especial de las presentaciones y terminó siendo parte del espectáculo, es quien nos cuenta detalles de  es encuentro con sus compañeras de elenco, y de esas canciones que hablan de nosotros

Nelly Prince: –En principio la que empezó con el tema fui yo. Le dije a Cristina de  retomar lo que habíamos hecho con tanto éxito con Aire familiar (NR: un show de tango que compartió con Cristina). En un encuentro con Rita, también se entusiasmó. Yo soy bruja, hace tiempo que pienso que me gustaría estar en el escenario del Tasso. Cuando Rita concretó su ciclo en el Tasso la invita a Cristina y Cristina a mí.

Empezamos a ensayar, yo como invitada y luego quedé firme, enero y febrero. En marzo las tres tenemos actividades con la actuación y yo reestreno la obra Memento Mori, de Muriel Spark, dirigida por Luz Orlando Brennan que desde el año pasado hacemos en El Camarín de las Musas. Cristina celebra sus 50 años con actuación con sus unipersonales, Molly Bloom y Eva Perón en la hoguera en su espacio El Excéntrico de la 18°, y Rita otro tanto, no para.  Así que en mayo volvemos. Es extraordinaria la convocatoria y estamos felices. Somos laburadoras y apasionadas las tres.

¿Cómo  se ha conformado el repertorio que abordan, y por qué la elección? 

NP: –El repertorio es personal. Rita tiene temas más clásicos, Cristina hace poemas además y algo de lo que hicimos juntas en Aire Familiar en Mar del Plata en el Festival del Cine, Córdoba,  Santa fe, Paraná y por supuesto acá.

Bárbaro, puede significar algo fuera de lo común, pero también lo contrario a civilización, según la historia. Las canciones apuntan a este lugar, seguramente, ¿por qué son bárbaras éstas canciones?

NP: –Las canciones son clásicas, pero es bárbara la conjunción de estas tres mujeres potentes que tenemos mucho para decir hoy. Algunas canciones no son conocidas y otras sí, pero son muy potentes, de una fuerza impresionante por eso provocan lo que provocan en el público.

¿Qué aporta la esencia, la historia individual  y la visión de cada una de ustedes al espectáculo?

NP: –Cada una tiene pasión por lo que está haciendo, y por mostrar lo que dice cada maravilloso poeta del tango. Todas estamos apoyadas en lo musical y en el mensaje que estamos dejando en cada tema. Ese es el secreto del éxito. Las tres somos actrices. Rita y Cristina hacen tangos más reos y yo hago más románticos, más trágicos, más duros.  El actor siempre está soñando con hacer buenas interpretaciones y el tango te da esa posibilidad milagrosa de expresarte en tres minutos como si fuera una gran obra de teatro.

¿Piensa que en estos tiempos tan especiales, este tipo de propuestas artísticas puede significar cierta forma de resistencia, de propuesta de liberar a través del arte?

NP: –Yo creo si, que en la realización de algo que es un sueño, esa es la mayor liberación y estar en contacto con el público. Sobre todo cantando para nuestra gente, el público se emociona y celebra. Y nosotras mucho más de estar averiguando y conociendo más sobre nuestro tango y poniéndolo en un escenario para compartirlo con la gente.

En enero agotaron entradas y ahora suman funciones, ¿esperaban esta respuesta del público? ¿Qué les dice la gente?

NP: –Todo sorprende, pero como ponemos el alma y la vida, solo podemos festejar esta convocatoria. Las tres somos apasionadas y dejamos todo en el escenario. La gente aplaude de pie y nos devuelven el amor y la admiración de una manera increíble. Es muy gratificante. Ver el público emocionado y agradecido con lo que uno está haciendo no tiene precio.

Pao De Senzi                     

Cristina Banegas, Rita Cortese y Nelly Prince “Canciones Bárbaras” Viernes 17 y 24 de febrero, 22 hs Centro Cultural Torquato Tasso, Defensa 1575 / Reservas: 4307-6506,   Localidades $300/ Anticipadas $270  (Anticipadas: retirándolas por el Tasso hasta un día antes del show)  Venta online: www.torquatotasso.com.ar

 http://torquatotasso.com.ar/index.php/2016/03/13/rita-cortese-cristina-banegas/

 

15 febrero, 2017

Un recorrido por las canciones de “Amuchado”, el nuevo disco de José Luis Aguirre

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amuchadoCuando Pancho, el chango bailarín de La Paisanita mezcla un gato con la bio danza, y le pone afro y kun fú al zapateo, “los paisanos abren los ojos, después le gritan salú”. Lo dice en Amuchado, su nuevo disco, Jose Luis Aguirre. En seguida le dedica “El Huaynavalito” a su hija. Un huayno con aires de carnaval. El río pasa a través de un rasguido doble, y es llamador de los pájaros; después, su corriente arrasa con todo. Una tonada se llama “Teletransportador”, y habla de un rayo que posibilita llevarlo hasta ese lugar donde empieza el azul, es decir, el pueblo de su niñez. Un gato coludo irrumpe, “Si Fuera Pajarito” y en las estrofas de la “Cueca del Repasador”, invita a bailar al amor cotidiano.

Es imposible separar a José Luis Aguirre del paisaje cordobés, pero la distancia también es su canción cuando viaja por cuyo, se va hacia el norte con el viento de una quena, y en el acento regresa a la postal provinciana que es su paisaje. Puede que vuelva por Traslasierra, o por paravachasca, que lo ve enamorado hoy en el verde desde donde escribe. Puede que recale en la capital y se cante un cuarteto que detalle de forma vertiginosa cada una de las cosas de ese cordobesismo que se abraza y se odia: “ejercitá el despojo, frená, frená frená” dice en “Tranquilo pero con fiesta”.

En Amuchado se amontonan todos los sonidos que surgen desde el alma de las canciones, una vez creadas, han imaginado junto al músico un pentagrama apropiado para abordarlas. Como en “Pienso en mí”, una disculpa, un pedido, una declaración de principios hay variaciones en la melodía que representan esos momentos. El desenlace es una inevitable declaración de amor: “en verdad sólo quería una canción que te enamore”, -dice.

Sigue una zamba, la bella “Repechos del guadal”, y una chacarera, “La del sin tierra”. Ritmos tradicionales para hablar del hombre, de los cerros, del monte. “Sirenas” es un lazo instrumental donde se lucen algunos de los músicos que participan en el disco, qu se completan con Susi Freiz en flauta traversa, Mauro Ciavattini en vientos, Mariano Vélez en piano y acordeón, Federico Seimandi en contrabajo, Ignacio “Bacha” Fiad en percusión y Sebastián Ramírez en guitarrón y charango

Luego, hay una cumbia dedicada al “Perro Callejero”.

¿Una cumbia?. Si, si hay cuarteto hay cumbia.

“La Milonga del Cerro Negro” lo devuelve al paisaje y al hombre, que lo describe en el poema “Chuncano” y se acerca a él mismo, cordobés del otro lado, es decir de Traslasierra. Como los “Chuncanitos del Río”, otra chacarera, que cierra el disco.

Hace años, el Cuchi y Castilla, Dávalos y Falu, Agüero, Berbel, Armando, y tantos otros caminaron por la senda del paisaje y se encontraron con el hombre que lo habitaba. Hoy con algunos compositores y poetas que renuevan la esperanza que uno siempre tiene de encontrar en el folklore, aparece este tiempo con sus historias de vida y sus paisajes. Por esa senda anda Jose Luis Aguirre. Su voz bella, clara, decidora y –muchas veces- emotiva va junto con sus canciones amuchadas en el morral, caminando el paisaje cordobés. Desde su aldea, hacia el mundo.

Pao De Senzi

El disco se puede escuchar en youtube

Para comprarlo

https://www.facebook.com/joseluis.aguirre.585?fref=ts

o en http://www.demusicasargentinas.com.ar

 

Producido por José Luis Aguirre

Producción Artística: Federico Seimandi, Mariano Vélez, José Luis Aguirre.

Arte y Diseño: Diego Sánchez Galeassi, Color en xilografía: Sayi Paris. Dibujos y Xilografias: José Luis Aguirre.

Grabado en estudio Latitud Sur

Técnicos de grabación: Ruben Ordoñez y Bernardo Ferrón

Mezcla y Masterizacion: Rubén Ordoñez

José Luis Aguirre: Voz y Guitarra Susi Freiz: Flauta traversa y coros en 1, 5, 7, 8, 11 y 12 Mauro Ciavattini: quena, saxo soprano y clarinete bajo en 1, 2, 3, 7, 8, 11, 12 y 15 Mariano Vélez: Piano y acordeón en 1, 2, 3, 4, 5, 7, 8,11, 12 y 15 Federico Seimandi: Contrabajo en 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 11, 12 y 15 Ignacio “Bacha” Fiad: Percusión y accesorios en 1, 2, 3, 5, 6, 7, 8, 10, 11, 12 y 15 Rubén Ordoñez: Coros en 2, 7 y 12 Sebastián Ramírez: Guitarrón y charango en 1, 2, 3, 12 y 15

Todas las Canciones pertenecen en letra y música a José Luis Aguirre excepto: “Los Chuncanitos Del Río” música: Mauricio Pereyra, letra: José Luis Aguirre, “Si Fuera un Pajarito” letra y música: Julio Alberto Tello, “Cueca del Repasador” música: Carlos “Charly” Guzmán, letra: José Luis Aguirre. En el tema “Pienso En Mí” fragmento del tema “Luna” de Carlitos La Mona Jiménez.

Todos Los arreglos de este Trabajo fueron realizados en Banda excepto: “Pienso en Mí” arreglo: Mariano Vélez, “Tranquilo Pero Con Fiesta” arreglo: Mariano Vélez, “Río” arreglo: José Luis Aguirre. Todos Los Dibujos y Xilografias pertenecen a José Luis Aguirre.

 

Temas:

Pancho (Chacarera)
Huaynavalito (Huayno – Carnavalito)
Río (Rasguido Doble)
Teletransportador (Tonada)
Si Fuera Pajarito (Gato Coludo)
Cueca del Repasador (Cueca Cuyana)
Tranquilo per con Fiesta (Cuarteto)

Pienso en Mí (Canción)
Repechos del Guadal (Zamba)
La del sin Tierra (Chacarera)
Sirenas (Instrumental)
Perro Callejero (Cumbia)
Milonga del Cerro Negro (Milonga)
Chuncano (Recitado)
Los Chuncanitos del Río (Chacarera)

11 febrero, 2017

Este domingo comienza el Encuentro internacional Tango para Músicos Talleres, peñas y conciertos a ritmo del dos por cuatro

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Foto: Paulina Fain or MArio Efron

Paulina Fain nos cuenta de que se trata esta prestigiosa iniciativa independiente va por su quinta edición y que a lo largo de este tiempo ha desarrollado diferentes actividades en el país y el exterior.

A partir del domingo 12 de febrero, hasta el próximo 19, se llevará a cabo en Buenos Aires la quinta edición del Encuentro Internacional “Tango Para Músicos”, una iniciativa de Tango sin Fin, agrupación comandada por Paulina Fain y Ezequiel Mantega junto a otros músicos del género, que propone conciertos, talleres, presentaciones especiales, y certámenes, un acercamiento entre aquellos que hoy viven el tango en todas sus formas,  no sólo en Argentina, sino en el resto del continente americano y europeo. Los conciertos serán abiertos al público, así como también las  peñas y algunas clases que se desarrollarán en el marco de este encuentro. Tango para Músicos logró desde aquella primera edición un crecimiento contante, ubicándose en un lugar de privilegio entre los encuentros de este tipo, y como referente en el tema.

Este año en la parte que tiene que ver con los conciertos, participarán la  Orquesta Típica Julián Peralta, Ramiro Gallo Nuevo Quinteto, Diego Schissi Quinteto + Escalandrum, Agustín Guerrero Quinteto + Orquesta El Arranque. Además se llevará a cabo y la Final del primer mundial de orquestas de Tango. Paulina Fain  es quien responde acerca de los detalles de esta nueva edición del encuentro que dará comienzo en las próximas horas.

Desde su comienzo Tango para Músicos ha crecido en diferentes direcciones. ¿Cuáles eran los desafíos de aquella primera edición y los que hoy se proponen quienes lo organizan?

Paulina Fain: –En la primera edición lo que era para nosotros un desafío fue entender qué era lo que necesitaban los jóvenes músicos que se estaban formando en el tango en todo el mundo. Para nuestra sorpresa en esa edición pudimos descubrir que había una gran cantidad de ensambles en formación y de músicos tocando tango en los rincones más lejanos del mundo. En esta nueva edición el desafío es poder darles a la gran cantidad de músicos que se acercan la mejor formación posible por los docentes más especializados que existen en cada materia.

El carácter independiente le brinda aún más identidad al encuentro. ¿Como lograron crecer de esta manera, y mantener esta constancia y característica?

PF: –Si, pensamos desde Tango Sin Fin que la mejor forma de funcionar es de manera independiente, lo cual nos permite elegir libremente el rumbo y la curaduría de todas las actividades, sumando la programación artística. Además tenemos la posibilidad de darles a todos los alumnos lo mejor que podemos más allá de que en cada año vamos generando alianzas con las diferentes sedes e instituciones que nos acompañan. Eso es muy importante para poder seguir creciendo.

Este año se presenta por primera vez el mundial de Orquestas de Tango, ¿Cómo surge la idea y cuáles son los lineamientos? ¿Qué criterios se tomaron para las elecciones de los finalistas?

PF: –Para este Primer Mundial de Orquestas de tango que le llamamos los Premios Tango Sin Fin, decidimos generarlo porque nos parece que es muy importante que los grupos que están empujando por crecer puedan tener una ayuda para el lanzamiento de su carrera. Entonces pensamos el concurso con una premiación que tiene un premio en efectivo y además unas sesiones de asesoramiento en gestión cultural y un video grabado en HD a 6 cámaras en el Centro Cultural Kirchner, lo cual los ayudará muchísimo en su lanzamiento y su proyección a futuro. Armamos los lineamientos de este primer mundial pensando en premiar la innovación y la calidad de la ejecución conjunta, por supuesto teniendo en cuenta la relación con las raíces del género. Buscando ese desarrollo definimos como una de las condiciones fundamentales para participar que cada ensamble debía presentar dos videos y uno de los mismos debía ser de una obra de un compositor vivo. El criterio de selección tuvo en cuenta exactamente los ejes de la innovación y la ejecución conjunta. Nos importa que más allá de que los músicos toquen muchas o pocas notas, que toquen juntos.

¿Qué importancia tienen hoy las Orquestas en el tango, (algunos músicos dicen que se vive una nueva era de oro) ¿lo ven así?

PF: –Nosotros vemos que hay un gran movimiento en la nueva generación de jóvenes hacia el tango. Para este primer mundial de orquestas, que realizamos sólo mediante redes sociales, recibimos la inscripción de 57 orquestas proveniente de 9 países. Teniendo en cuenta que éstas 57 ensambles y orquestas están tocando música de compositores vivos o música original, se puede ver claramente el volumen de lo que está sucediendo hoy con los nuevos intérpretes y hacedores del tango.

Este encuentro tiene una cierta similitud con el Encuentro de músicos de Rosario, más ligado a la música popular en general y al folklore en particular. ¿Piensan que estos cónclaves son fundamentales para generar nuevas ideas y un crecimiento de los diferentes géneros?

PF: –Tango Para Músicos tiene su eje centrado en el desarrollo y el aprendizaje de la música del tango pero a la vez está totalmente abierto a la formación de los músicos más allá del género, por esto incluimos en la grilla de clases de improvisación por señas, de improvisación libre, de formación en gestión cultural, técnicas para el buen desarrollo corporal y emocional del músico, entre otros. Muchas de las herramientas que se enseñan son aplicables a la música popular argentina toda. Aunque el encuentro toma como eje la música del tango, lo más importante sea el hecho de que los músicos se encuentran e intercambian sus conocimientos fortaleciéndose y creciendo.

¿Qué es Tango sin Fin?

PF: –Tango Sin Fin es una asociación Civil sin fines de lucro conformada por un conglomerado de músicos, bajo la dirección de Paulina Fain y Exequiel Mantega. El objetivo de la Asociación es promover la música Argentina a nivel nacional e internacional, especialmente el tango, pero incluyendo a toda música popular Argentina, haciendo posible su llegada a un mayor número de personas. Se promueve la música Argentina, enfocada principalmente desde acciones educativas, propiciando el desarrollo del género Tango a futuro, para las nuevas generaciones.  Entre las actividades que regularmente lleva adelante TANGO SIN FIN destacamos:

El encuentro se realizó también en Estados Unidos, y a su vez, en las ediciones locales participan músicos de todas partes del mundo. ¿Por qué piensan que el tango es un género que tiene adeptos e interesados en adquirir conocimientos más profundos más allá de nuestro país?

Creemos que el tango tiene adeptos en muchos países del mundo porque básicamente es una música maravillosa, muy rica y además es una música que tiene unos compositores que han llegado a conmover a músicos  provenientes de diversos géneros. El tango contiene una gran riqueza en relación a lo interpretativo y a poner en juego el rol del intérprete de una manera completamente protagonista. El tango requiere de un intérprete comprometido con la ejecución.

La realización de encuentros de formación para músicos y docentes; realización de clínicas y clases magistrales para músicos, en Argentina y en el mundo; realización de materiales didácticos sobre música popular Argentina; Edición de libros didáctico-musicales; encargos y difusión de composiciones originales de música argentina; realización de conciertos y giras promocionales en Argentina y el mundo; edición de materiales de audio, video y multimedia; edición en versión impresa y en PDF de nuevas composiciones; difusión mediante web y medios gráficos de actividades musicales afines; apoyo para el sostén de espacios que propongan un aporte al desarrollo de la música popular Argentina.

Cada emprendimiento y sueño, tiene recompensa. Una de las preguntas que le hicimos a Paulina fue acerca de la opinión de los participantes de los Encuentros. Y esto nos dijo:

Aquí te copio algunos de los comentarios que hemos tenido de los alumnos que han pasado por Tango Para Músicos

“Fue un gran honor tener docentes de tal renombre durante los días del encuentro y poder aprender de ellos, así como del contacto con mis compañeros y el intercambio que ello genera. Me voy muy feliz y con ganas de volver”

“Creo que hay una pasión muy grande por todo lo que encierra el tango de parte de la organización y del equipo docente. Esto pudo verse reflejado en la seriedad con la que se realizó el encuentro en todos sus aspectos, el gran conocimiento del género y sobre todo las emociones que se vivieron durante cada jornada. Viví el encuentro no sólo como un espacio en donde adquirir herramientas técnicas y/o musicales, sino como todo un hecho cultural y de identidad, y entiendo que así fue planteado. Como dije más arriba, encontré lo que fui a buscar y mucho más también. Me fui feliz de haber formado parte y con la sensación de que a partir de ahora me queda la tarea de continuar reforzando todo lo aprehendido. ¡¡Muchas gracias por todo!!”

“Una experiencia única. Para el recuerdo. Poder hacer musica con gente de otros lugares es lo mas”

“Lo mas significativo para mí fue que me cayera la ficha de lo visceral que puede y tiene que ser la música. Es lo que a todos nos llevó a ser músicos y a veces perdemos el rumbo, y en este curso todos los profesores cada cual a su manera querían reflejar eso.”

“Fue un encuentro en donde docentes y participantes fueron a dar lo mejor de sí, a compartir todo. Me voy lleno de entusiasmo para crear, escribir, tocar, y con todas las ganas de seguir aprendiendo y haciendo tango. Pienso que para un músico como yo, que tiene formación académica y toca tango pero nunca tomó una clase de tango, es el encuentro ideal: me voy con un amplio panorama para bucear, investigar y aprender en el mundo del tango.”

Pao De Senzi

Del 12 al 19 de febrero se desarrollarán actividades abiertas al público con entrada gratuita, incluyendo conciertos en las salas Sinfónica y Argentina del Centro Cultural Kirchner (Sarmiento 151, CABA) y clases abiertas y peñas de tango en el Centro Cultural de la Memoria “Haroldo Conti” (Av. Libertador 8151, CABA).

A partir del martes 14 de febrero las entradas para el CCK se entregan a través de http://www.cck.gob.ar hasta agotar la capacidad de la sala. Las actividades en el Conti son con entrada libre.

MÁS INFORMACIÓN: Tango Para Músicos: www.tangoparamusicos.org/ www.facebook.com/tangoparamusicos

Tango Sin Fin http://www.tangosinfin.org.ar. /www.facebook.com/tangosinfin

Tango for Musicians at Reed College www.reed.edu/tango

http://www.facebook.com/tangoformusiciansatreedcollege

Ver programación completa en www.tangoparamusicos.org

8 febrero, 2017

Nico Cércola Desde Luján, propone sonidos urbanos

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nico-cercola1El músico encaró su carrera solista con un primer disco Rebelión Urbana,  que marcó un punto de partida en su carrera. La consolida este año con una nueva producción a cargo de Juanito El Cantor

Dice la historia que Nico Cércola nació y se crió en Luján, provincia de Buenos Aires. Desde niño se vinculó con la guitarra, el canto y la composición. Criado en una familia de músicos, cursó el conservatorio y luego creció interpretando diferentes géneros. Se detuvo en el folklore, y desde allí comenzó una carrera que a pesar de su juventud, ha sido intensa y constante.

“Mi papá es bandoneonista y nosotros almorzábamos con la música, fue muy natural la transición entre él y sus hijos. Mi hermano toca el piano y yo, no elegí el bandoneón por una cuestión de respeto, quizá en un tiempo futuro lo haga –dice Nico, hablando de sus primeros pasos con la música-. Estudié en el conservatorio, y una vez que salí de ahí me fui especializando con algunos profesores, me tocó compartir experiencias con gente bastante más grande que yo y eso me marcó bastante”.

El intérprete y compositor bonaerense inició su carrera artística junto al grupo Sentires, ligado al folklore de raíz, con quienes grabó dos discos, uno de ellos como productor, junto a Jorge Milikota. Participó de los más grandes festivales del país y también los de Uruguay y Bolivia. En el año 2014 tomó vuelo propio, editando al año siguiente, su primer disco como solista, Rebelión Urbana, un trabajo más cercano a la canción, aunque siempre ligando sus bases a la música de raíz. El disco fue postulado a los Premios Gardel 2016, como mejor álbum de folklore alternativo y Cércola como mejor artista nuevo de folklore. Un comienzo más de positivo para una carrera que, lejos de ascender estrepitosamente, va dando pasos precisos hacia consolidar un nombre y una propuesta.

Rebelión Urbana fue producido por El Chávez (de No te va a Gustar y Kapanga) y contiene composiciones propias: “Laberinto”, “De pies blancos”, “Llevo todo eso”, “Para cambiar”, “Foto en el placard”, “Zamba de luz”,  entre otros, además de “Preguntá vos chacarera”, de Miguel Condomí, artista desaparecido. Participaron como invitados, Pablo Paz y Juanito el Cantor en guitarras, Licina Picón en teclados, Matías Méndez en percusión programación y teclados. A su vez, Juanito es el productor del nuevo disco que Nico Cércola está craneando por estos días. Mientras tanto, como gestor cultural organiza peñas y encuentros junto a músicos locales. De estas cuestiones habla en esta entrevista con Boletín Folklore.

Nico Cércola:- Es un disco que tiene una parte experimental, canciones propias. La rítmica es folklórica, hay chacareras zambas, huaynos, cumbia, a lo que fuí es a la estética de las canciones, partiendo de las bases, le ponemos otro ingrediente, del conurbano, de las vivencias allí. El lenguaje, y la estética también, y por eso el disco está producido por El Chávez. Él hace cumbia electrónica, y le da un tinte especial a este disco. Para ser el primero, ha sido quizá demasiado experimental, pero es una necesidad que tenía de acercarme a lo que me representa en este momento.

¿De qué hablan esas canciones?

NC: –Hay ocho canciones siete son mías y la otra es de Miguel Condomi, un artista desaparecido que dejó algunos poemas. Mis composiciones hablan de inquietudes sociales, participo en un centro cultural en el que se hacen muchos talleres de integración, y vamos a los barrios,  y esas experiencias se ven reflejadas en las canciones.

Cuando dejaste Sentires, partiste de la base de que hacés música desde y en el lugar de donde sos, es decir la ciudad. ¿Cómo llegaste a esta decisión?

NC: –Yo no reniego del lugar de donde soy y creo que a partir de este disco estaré dando un paso para incorporar otros elementos Estuve un año trabajando la pre producción y otro para finalizarlo. Decidimos incorporar mucho sonido urbano, el de las bocinas, la muchedumbre, que para nosotros es como el pájaro santiagueño, el mistol. La urbe tiene una cuestión que al tener tantas mixturas de razas, no tiene un lenguaje definido y eso te da colores a la paleta. Por otro lado, en estos tiempos, el bonaerense se empieza a abrir al folklore y el del interior a la canción más urbana.

Salir de un conservatorio y viajar hacia la música popular, ¿es nutrirse de ambas aristas? ¿Qué le ponés de la calle y qué de los estudios a tu música?

NC: –El conservatorio te da herramientas, llegás al tinte o al color que le querés dar a tu música por un camino más rápido

Sos un gestor cultural en tu ciudad, generando algunos espectáculos. ¿Cómo es la movida de Lujan?

NC: –Puntualmente hay muchísimo folklore, muy bueno. Hay varias peñas y lugares estables, yo estoy con La Peña del Artigas, y los músicos que tenemos la misma edad y vamos por un camino parecido tenemos un espacio cada uno. Aunque tratamos de no superponernos, sino ir rotando en cuestiones de generar cosas. Incluso, nos invitamos mutuamente a nuestros eventos. Estoy tratando además de rescatar obras de artistas locales para grabar algo entre todos los que andan trabajando en Luján.

Pao De Senzi

Facebook : Nico Cércola

3 febrero, 2017

Daniel Viglietti “Busco ser leal a mis convicciones en búsqueda de un mundo diferente”

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Por Gustavo Grosso

El artista, docente, comunicador -entre tantas cosas- uruguayo llega Buenos Aires para presentarse el 11 de febrero, en Caras y Caretas. Gustavo Grosso lo entrevistó para el Boletín Folklore

Daniel Viglietti es músico, poeta, guitarrista, cantautor, compositor e intérprete. Y uruguayo hasta la médula. Es también docente, investigador cultural, comunicador, realizador y conductor de programas de radio y televisión, periodista, cronista y entrevistador. Humanista solidario y referente ético. Es constructor de identidad cultural y ética, es referente fundacional de la música popular uruguaya y latinoamericana.

A lo largo de más de cinco décadas su aporte creativo ha sido invalorable, cosechando un amplio y calificado reconocimiento nacional e internacional. Realizador de programas culturales radiales y televisivos emitidos en Uruguay, Argentina, España, Francia, Alemania, México, Venezuela y Suecia.

Por su intensa sensibilidad social y vocación solidaria, es defensor permanente de los derechos humanos y de la libertad de pensamiento, cumpliendo un papel singular en el ámbito de la cultura transformadora. Lo que sigue es lo que dice y piensa Viglietti.

Usted es protagonista de una trayectoria de más de 50 años ligados a la música, a la cultura. ¿Qué le sigue significando subir a un escenario y cantar sus canciones?

Daniel Viglietti: –Ya hace diez años que festejé cincuenta de carrera. O de camino lento, prefiero decir, porque nunca se me dio eso de correr detrás de no se qué… Ya estoy entonces cumpliendo sesenta. Ojalá  que fueran de edad, ¿no? Subir al escenario siempre tiene algo de reencuentro, si pienso en el público que ya me conoce, y de desafío, si pienso en los que me descubren.  Esos en general son los jóvenes, a veces influidos por sus padres que les sugieren oír a los viejos referentes de ellos. Yo no hago esfuerzos especiales para llegar más a los jóvenes, siempre trabajo naturalmente. Sigo amando mi oficio y con la tensión de cada actuación, la mezcla de amor y compromiso creo que funciona. Sigo cantando lo que pienso y lo que vivo y vive nuestra gente, y siento en cada concierto ser leal a mis convicciones en búsqueda de un mundo diferente.

¿Cómo analiza el momento social y político que atraviesa la región?

DV: –Sin ser politólogo, seré breve y lo que pienso sé que lo comparto con mucha gente. Sin haber llegado a las distancias que en mi generación queríamos recorrer en las propuestas de cambio, ahora hay un traslado de las fichas hacia la derecha del tablero. Hoy, por ejemplo, Trump  acentúa esa línea con el fanatismo con que un verdugo prepara la soga para una horca. La derecha es lo que es, etcétera, y no vamos a gastar energías repitiendo sus violencias e  injusticias. Tenemos que pensar también en las responsabilidades de la izquierda en todo eso. Izquierda, progresismo, en fin, elíjase el término según los mapas y sus respectivos gobiernos. Para que no se tropiece otra vez con las mismas piedras, ¿verdad? Para tratar de estar más a la altura de aquellos y aquellas que han dado sus vidas por cambiar la sociedad.

¿Sigue juntando material en su memoria sonora? ¿Qué material le resulta de mayor interés?

DV: –Entre todos los materiales que recojo, como entre los hijos si se tienen varios, es muy difícil para uno mismo marcar las preferencias. Yo tengo, entre mis cosas positivas y mis desaciertos, un aspecto de curiosidad en mi modo de ser. Soy curioso de los otros y las otras, mis congéneres, mis colegas de trabajo cultural, y me sigue atrayendo entrevistar a músicos, escritores, cineastas, pintores, gentes del teatro, de la danza, en fin, todos aquellos que trabajamos con la emoción. Y sigo siempre sumando testimonios de todo eso, aquí y allá. En ese sentido, por mencionar un caso,  recientemente he descubierto a un dúo colombiano, dos hermanas gemelas, que me han sorprendido en un trabajo musical que partiendo a veces de lo mínimo, llega muy lejos creativamente: Valentina y Juanita Añez. Las he difundido en mis programas.

¿Cuáles son los sonidos de su infancia que guardó para siempre? ¿Qué músicas escuchaba cuando era joven?

DV: –De la primerísima infancia en Montevideo, y un poco en Paysandú, por lo que me contaron en la familia después, lo que más me atraía cuando era muy gurisito era el sonido de las palomas que yo solía imitar, y el ritmo de los tamboriles, en las primeras salidas a la calle en fechas de carnaval. Después del impacto de la película “Fantasía” de Walt Disney y de la irrupción de la música por esa ventana, cuando tenía cinco años, al poco tiempo nos mudamos a un barrio entonces semi rural de Montevideo, Sayago, cerca de la estación de ferrocarril. Me marcó  mucho la influencia musical familiar. El piano clásico de mi madre, Lyda Indart, valiosa concertista toda su vida, que ha dejado un disco cedé publicado por el sello Auuí, con música de compositores latinoamericanos, entre los cuales los argentinos Alberto Ginastera y Carlos Guastavino.  Y la guitarra folclorizante de mi padre, Cédar Viglietti, también investigador y escritor, todo eso marcó para siempre mi vocación. Mi padre interpretó en guitarra entre otros autores al argentino Abel Fleury, que le dedicó una de sus composiciones. Eran muy amigos. Y otra columna fundamental en las influencias cercanas fue la de mi tío José Indart, de esa parte de mi familia que es fraybentina. El tío era un músico nocturno, muy talentoso, que muy joven acompañó en giras a Europa al trío Irusta- Fugazot y Demare, y en medio de múltiples tareas musicales más tarde hizo arreglos para  mi disco “Canto libre”.  O sea que era evidente que yo no estaba destinado a ser carpintero, abogado  o trapecista, aunque tengo lazos de parentesco con los Podestá, la gente de circo…

En cuanto a las músicas que oía de niño, por una oreja entraban Stravinsky, Beethoven, Rimsky Korsakov, Mussorgsky. Prokofiev, Falla, Debussy, Ravel, Bartok, Fabini, y tantos otros compositores. Y por la otra oreja, el profundo Atahualpa Yupanqui, los Hermanos Abalos, con cuya música aprendí a bailar danzas nativas, Los trovadores de Cuyo, y una voz que me hizo tratar de imitarlo y sentirme capaz de cantar, Antonio Tormo. Como ven, mucha influencia argentina en aquella época. Con mi padre, su guitarra, sus investigaciones y su novela “El Clinudo”, también aprendí mucho de las artes y las costumbres del Uruguay de tierra adentro.

Su arte de músico, autor y poeta se fue extendiendo a la docencia, a la comunicación, a la conducción de radio y televisión ¿Cómo convive con tantas facetas? ¿Sigue llevando un grabador a todos lados?

DV: –No sé si a todos, pero cuando no lo llevo a veces lo lamento. Afortunadamente pude, a través de los años, entrevistar a varios  músicos y poetas uruguayos que nos han dejado: Idea Vilariño, Mario Benedetti, Eduardo Galeano, Juan Capagorry,  Carlos Molina, Aníbal Sampayo. Alfredo Zitarrosa, Jorge Lazaroff, Eduardo Darnauchans, José Carbajal El Sabalero, entre tantos que se nos fueron. Y entre los que siguen activos entrevisté a Los Olimareños, bueno, ahora de nuevo separados, Washington Carrasco y Cristina Fernández, Rubén Olivera, Mauricio Ubal, Laura Canoura, Ana Prada, Samantha Navarro, Rossana Taddei,  Leo Maslíah, Fernando Cabrera, Larbanois-Carrero, y rockeros, como Tabaré Rivero…  la lista es larga, tendría que estar un rato diciendo nombres. Y fuera de fronteras, un clásico que es mi preferido en la música brasileña, Chico Buarque, la venezolana Cecilia Todd, Los Folkloristas, de México, Susana Baca de Perú, Isabel y Ángel Parra de Chile. Y en Argentina, Liliana Herrero, Teresa Parodi, el Tata Cedrón. Y entre varios más, el cuarteto de Pablo Tozzi. Pienso entrevistar próximamente a ese popularísimo artista nuestro que es Rubén Rada, a los argentinos Liliana Felipe, y al pianista Carlos Aguirre y a un grupo muy inquieto que se llama  Chancho a Cuerda.  Y trataré de encontrar a Vitillo Abalos, el que sigue siempre activo de aquellos legendarios hermanos.

¿Sigue existiendo la canción de protesta?

DV: –Esa fue una definición que vino de la “protest song” de los Estados Unidos de Woody Gutrhie, Pete Seeger, Phil Ochs, Malvina Reynolds, Joan Báez, etc. Los cubanos la adoptaron para clasificar aquella enorme lista de músicos que intervinimos en 1967 en  el legendario Festival de Canción Protesta que organizaron notablemente en la isla con participantes de todos los continentes. A mí me han aplicado mucho el término “protesta” pensando en canciones mías de opinión como, entre otras varias, “A desalambrar” o “Canción para mi América (Dale tu mano al indio)”. Sin tener en cuenta tantas otras canciones mías de otro estilo. En fin,  yo prefiero llamar a lo que hago canciones humanas, parafraseando al gran poeta peruano César Vallejo y sus “Poemas humanos”. Aplicando el término humano en una época donde hay que enfrentar tanta inhumanidad, desde guerras como la de Irak a la prisión de Guantánamo, desde la justificación imperial de la tortura hasta las masas de gentes que emigran buscando otro horizonte y se cruzan con muros y con aduanas que antes se abrían para recibir mano de obra barata para el primer mundo. Canciones humanas, en un planeta infectado de xenofobia y racismo. Canciones que no resuelven nada, se sabe, pero ayudan a sentir y reflexionar y tomar más conciencia de lo que nos pasa. Yo tomé esa conciencia, siendo joven, oyendo a Yupanqui y leyendo a Nicolás Guillén. Me ayudaron a entender muchas cosas, a afirmar la rebeldía, y así algo cambió en mí. Por eso, entre otras razones, creo que el arte puede ser un instrumento de apoyo al cambio.

¿Cómo ve a las nuevas generaciones de músicos uruguayos? 

DV: –Los veo, los oigo  numerosos, muchos ahora en formatos grupales, colectivos, adoptando formas de canción diferente, más coloquial, en versiones accesibles, que se vuelven muy populares. Es el caso de “La banda de Toby”, de “No te va a gustar”, entre tantos numerosos ejemplos. Hay músicos de generaciones jóvenes y no tan jóvenes con un lenguaje propio, como los Drexler, los Fattoruso, Luciano Supervielle, Bajofondo, Martín Buscaglia, Jorge Schelemberg, Diego Kuropatwa, entre muchos otros. La música sigue vivita y sonando. Aunque ahora parezcan más difíciles los saltos hacia adelante como en la época de “Los que iban cantando” (Bonaldi, Da Silveira, Lazaroff, Trochón), esas líneas creativas nacidas de las enseñanzas de maestros como Coriún Aharonián o Graciela Paraskevaídis, que tanto nos han aportado a todos dentro y fuera de fronteras.

Con su música ha recorrido el mundo ¿Cómo es volver a Buenos Aires, el reencuentro con el público argentino?

DV: –Es cierto que he andado muchos caminos guitarra en mano. Buenos Aires fue siempre “la casa de al lado”, parafraseando a Cabrera, para mi música y la de tantos otros compañeros.  He cantado tantas veces ahí. Durante los últimos años he seguido haciendo radio en la Nacional Folclórica, los domingos a las 21 horas, y en la AM 870 cuando nace el lunes, a la 1 y 30 de la madrugada. Realicé varios ciclos de mi programa de televisión “Párpado/Yo pregunto a los presentes” en Canal Encuentro, que espero retomar en un futuro cercano. Por primera vez me invitaron al Festival de Cosquín, con homenaje incluido. Cosas de la veteranía…

Volver ahora a Buenos Aires con mi oficio primero de cantautor es un retorno que me entusiasma mucho. Volver en el 17, haciendo un guiño a Violeta a un siglo de su nacimiento. Ir y volver, volvir, (como titulé una canción en obra) en los vaivienes (de mi disco Esdrújulo) de esta vida en la que hay que seguir defendiendo la alegría y la memoria. Esas banderas sostenidas por todos aquellos que soñamos con un mundo más justo. Los que siguen luchando por eso cada día y los que nos fueron arrebatados, y a los que tenemos que seguir recordando y ayudando. Compañeros del alma, nuestroamericanos que siguen reclamando justicia en la lucha contra la impunidad.

Hay un almanaque donde hay fechas que no se pueden olvidar, como el 24 de marzo de ustedes, como el 27 de junio de nosotros. Ya tendremos un 1ª de enero como aquel en que Fidel y los suyos entraron a La Habana el primer día de la Revolución Cubana. No, no será igual, será nuevísimo y lo fundarán los gurises y las gurisas. Como decía Mario, el poeta: lento pero viene.

Daniel Viglietti en concierto, Sábado 11 de febrero a las 21 hs/ Sala Caras y Caretas, Sarmiento  2037, CABA

28 enero, 2017

El festival de Cosquín y el homenaje al Cuchi Leguizamón, a 100 años de su nacimiento

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Foto: Carlos Paul Amiune

Ese que cantan todos

Este año se cumplen 100 años del nacimiento del compositor salteño, y la comisión del festival convocó, el miércoles 25 de enero a Popi Spatocco y artistas de diferentes provincias para homenajearlo

“Aquí no sé si soy yo o si me invento” Manuel Castilla

“La canción popular es una síntesis de emoción y sabiduría, un mensaje muy breve aunque nunca de menor calidad y de poca trascendencia”, dijo aluna vez Gustavo Leguizamón. Este año, se cumplen 100 años del nacimiento de uno de los pilares fundamentales de nuestro folklore, y por primera vez en la historia, en Cosquín tuvo el homenaje que merece.

Motorizado por la comisión del festival, producido y dirigido por Popi Spatocco, un puñado de artistas junto a dos de los hijos del Cuchi, -Moro y Luis-, pusieron en sus voces algunas de las canciones más emblemáticas del compositor salteño sobre el escenario Atahualpa Yupanqui, promediando la medianoche del miércoles 25 de enero.

¿Papá, por qué no estás en el escenario de Cosquín?, le preguntó una vez uno de sus hijos. El músico y abogado respondió, seguro “¡pero si yo estoy todas las noches! ¿No ve que todo el mundo me canta?”

Lo cantaron todos: Nahuel Pennisi y el Chacho Echenique -y también por qué no, Patricio Jiménez, su compañero en el Dúo Salteño (la gran creación del Cuchi Leguizamón) desde alguna estrella-, nombrando a la Eulogia, todavía en La Poma; lo tocó al piano uno de sus hijos, el Moro, mientras la voz del Chacho elogió al viento. Al Cuchi también lo interpretó Franco Luciani en la armónica, en “Zamba Para la Viuda” y dijo: “el Cuchi es muchas cosas, es una zamba criolla en cualquier rincón de nuestro país, es la pasión de cada músico de desmenuzar sus partituras, también es reclamo político”, refiriéndose a la “Chacarera del Expediente”, que hizo junto a Liliana Herrero.

El Cuchi no está, pero lo cantan todos. A Herrero se le sumó Lorena Astudillo, (aquel primer disco de su carrera fue dedicado íntegramente a la obra del compositor salteño), y juntas hicieron “La zamba del laurel”. Melania Pérez tomó las riendas del dúo con Lorena, e hicieron “De Estar Estando”. Seguidamente con Luis Leguizamón, interpretaron una inolvidable versión de “El Fiero Arias”. Luis invitó a su vez al Dúo Coplanacu para “Maturana”, y éstos a Bruno Arias, para cantar el “Carnavalito del Duende”

Al Cuchi lo cantó también la Bruja Salguero. Con el jujeño hicieron la “Zamba del Carnaval” y con Nahuel Pennissi “La Arenosa”. Aquí las palmas fueron el acompañamiento fundamental  y espontáneo desde una platea que hasta el momento, había estado en completo silencio o murmurando estribillos.

“El Cuchi para nosotros será un ejemplo de lo mejor que podemos ser, y para los músicos del país, un orgullo”, dijo Popi Spatocco casi en el final del homenaje. Liliana Herrero, dejó en claro que la obra del artista es un manifiesto musical y político; Bruno Arias mencionó a la gente de la localidad de Volcán, devastada por el alud a principios de enero, y Luis Leguizamón, portando una remera que menciona la lucha de los empleados del Bauen, instó a hacerles el aguante los obreros de Clarín despedidos. El Cuchi no era sólo música, también era otras cosas, dijo, como para dejar en claro que en cada una de las causas  y reclamos, su padre seguro estaría presente.

En el final, cuando todos los protagonistas del homenaje se adelantaron en el escenario para saludar, comenzó a rodar el primer acorde de Balderrama. La plaza alzó la voz y cantó cada uno de los versos de aquella zamba creada por Leguizamón y Castilla. Y entonces, al Cuchi lo cantaron todos

Pao De Senzi

26 enero, 2017

Angela Irene celebra sus 40 años en el histórico festival “Parte de mi vida ha transcurrido en las calles de Cosquín”

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angela-irena-alta-3por Gustavo Grosso

La intérprete pampeana celebrará cuatro décadas sobre el escenario mayor de folklore, el próximo domingo 29 de enero, en la luna de cierre de la edición 57ª

Celebrando sus 40 años como artista participante en el Festival Nacional de Cosquín, la intérprete pampeana se presentará una vez más el 29 de enero en la Plaza Próspero Molina. Referente indiscutido de la música popular argentina, la cantante de Ariel Ramírez, quien también supo ganarse el apoyo artístico de Mercedes Sosa, será homenajeada por sus ya cuatro décadas como artista invitada año tras año al mítico festival nacional.

Esa noche, Ángela compartirá el escenario de la última luna con Víctor Heredia, Peteco Carabajal, Los Nocheros, entre muchos otros. La cantora dialogó con Boletín Folklore sobre este nuevo hito en su carrera.

Usted es una referente del cancionero argentino, es una histórica participante de los grandes festivales ¿cómo vive la previa a la celebración de sus 40 años en el escenario de Cosquín?

Ángela: –Con emoción, ansiedad y alegría. Para mí Cosquín es uno de los eventos más importantes del año, porque mi vida ha transcurrido en esas calles y en el escenario mis momentos más emocionantes.

Aparecen muchas voces jóvenes, hay más bandas de música ¿le parece que soplan aires nuevos para el folklore? ¿Cómo analiza el momento actual de la música popular?

Ángela: –Hay jóvenes muy talentosos que estudian, se ocupan de saber la historias de las canciones que cantan, le dan importancia a la formación de músicos que los acompañan, bucean en la poesía fundamental argentina y latinoamericana y tienen carreras muy coherentes con sus ideales. Y otros, que solo sueñan ser famosos, siguiendo los pasos de los taquilleros. Y por eso hay tantos grupos tan parecidos entre sí. Muchos de ellos son excelentes músicos. A mi entender desaprovechados.

¿Cómo llegó a ser cantora? ¿Por qué eligió este oficio?

Ángela: –Era mi vocación, sin dudas y lo decidí a los 4 años. A los doce ya me había subido a mi primer escenario profesionalmente…años después me abracé a la poesía hecha folklore. Y ahí encontré la profesión que volvería a elegir si volviera a nacer.

¿Cuáles son sus primeros recuerdos musicales de su infancia en La Pampa?

Ángela: –Las canzonetas napolitanas con que hacía lagrimear a los viejos nonos de mi familia y cuando subí a cantar por primera vez a los 12 años, en un carnaval de los sesenta con una orquesta. Era sólo por los carnavales. Aún sigo.

¿Tiene planes de grabar algún disco en los próximos tiempos?

Ángela: –Tengo un disco casi terminado, que tengo que darle los últimos toques. Lo comencé con mi amigo y músico Lalo Romero. Y él un día decidió partir para siempre. Y mi ánimo no me permitió seguir. Si Dios quiere este año verá la luz, en su homenaje.

Comenzó siendo una niña cantando canciones de Los Beatles y nunca dejó de cantar ¿Qué músicas escucha? ¿Quiénes han sido sus referentes musicales?

Ángela: –De niña cantaba pop, Beatles, las canciones que llegaban de San Remo (Gigliola Cinquetti, Mina, Milva) pero soñaba cantar como las cantante negras del Jazz. Amo la música clásica, A Billie Holiday Ella Fitzgerald Sarah Vaughan Carmen McRae otras más recientes, como Norah Jones, Pero creo que no hay Show-woman como Tina Turner. Es lo más!!!.- Me mata Edith Piaff, tanto como Mercedes Sosa, Violeta Parra, y tantas otras que no tendríamos lugar para nombrar. El flamenco, Pavarotti. Y escucho cada uno de los discos de folklore que me llegan. Los de los colegas y especialmente los que me regalan los chicos jóvenes que comienzan, me dan su primer disco y me piden que les dé mi opinión. Es algo que hago siempre y con el mayor compromiso.

 

25 enero, 2017

Un canto Colectivo para homenajear a Raúl Carnota

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Foto Carlos Paul Amiune

Sucedió el lunes 23 de enero en Cosquín, en el patio de la Pirincha. Una  selección de músicos y cantores convocados por la hija del compositor, recorrieron durante toda la noche su obra

“Sólo luz, para andar y andar”. Con aquella frase de una de las últimas letras que escribiera Raúl Carnota, fue cerrando la noche, bajo el cielo estrellado de Cosquín, en el patio de la Pirincha. Un mar de voces acompañaba a Juan Quintero que ahora, sentado sobre el borde de la tarima-escenario, oficiaba de guía para entregar otro de los tantos momentos maravillosos de la noche del lunes 23 de enero. “Para andar y andar”, así como anduvo caminos el compositor fallecido en el 2014, esa noche se recorrieron cantando.

Convocados por Guadalupe –hija de Raúl y Suna Rocha-, y por el simple nombre del intérprete y compositor, la multitud de artistas que esperaba para subirse al pequeño escenario del patio techado por las ramas del frondoso árbol que lo cobija, se entremezclaba con los que desde temprano esperaban ver ese otro milagro de Cosquín, que no surge de un  slogan sino de los momentos únicos que suceden sin pauta previa, sin estructuras ni horarios, sólo por el hecho de encontrase con la música.

Por eso, la “memoria adentro” que convocaba era también esa memoria que quedaría en el patio cerca de las dos de la madrugada, cuando el tucumano (recién llegado de la Plaza mayor, adonde cantó con sus coterráneos Lucho hoyos, Claudio Sosa y Topo Encinar) comenzó a proponer esos temas que todos cantamos siempre y que cerraron el más profundo homenaje al artista.

El comienzo del recorrido por la obra de Raúl Carnota, estaba previsto a las 21, pero  comenzó casi dos horas después, luego de que el dúo Nuevo Cuyo abriera la noche del patio, fuera del homenaje, aunque creando un clima bello y comprometido que dejó a la gente lista para lo que vendría. Yani Lui, fue quien abrió la noche, cuya desprolijidad y demora de los cambios de cables e instrumentos también creó momentos mágicos: las miradas entre los artistas, el silencio de la gente, Guadalupe recorriendo con su mirada cada uno de los ojos de los que se juntaron a escuchar esa obra  maravillosa, intensa y profunda.

La larguísima lista de temas dio cuenta – y funcionó también como información para los que poco la conocen– de la completa y ecléctica obra del artista que nació en buenos Aires pero compuso  desde la tierra, mas allá de su origen. Yani arrancó con “Salamanqueando pa mí” y “Debajo de la Morera”; Geo Broggini y Jorge Reales “La de Lejos” y “Gatito e las penas” , además de una vieja chacarera de la catamarqueña Selva Gigena, fuera del cancionero de Carnota, algo que pasaría durante la noche: rendir homenaje al músico desde otras músicas que él también admiraba- ; Micaela Vita junto a Juan Saraco, por ejemplo interpretaron además de “Abriendo Caminos”, “Sarava”, una canción de su autoría que dice:  “A los cantores que ponen el pecho / para cambiar un mundo que está hecho”.

Mery Murúa cantó dos zambas que comienzan con la palabra soy, desde distintas épocas de Raúl –dijo-. Se refería a “Como Flor el Campo” y “Solo Luz” (que volvería a sonar en el cierre). La cordobesa también interpretó “El Arriero”, de Atahualpa Yupanqui

Un trio de riojanos que andan tras la huella de Carnota también ofrecieron sus canciones: Juan Arabel y Josho Gonzáles en música y voz y Ramiro González en recitado de poemas propios, más “Peaton diga no”, de Armando Tejada Gómez. Cerraron con ”Esencia de mi pueblo” y “Luna de Guitian”.

Juan Iñaki puso su voz a “Quiero gritar tu nombre” y “A mis amigos cantores”, y dedicó en el final una canción de cuna vasca, mirando hacia el cielo estrellado, que aparecía entre las hojas del árbol-techo del patio. La maravillosa Lidia Borda también quiso estar en ese pequeño escenario que en la noche parecía inmenso, cantando para Raúl.

Pasada la medianoche, llegaron los cordobeses del Presenta Trío con otra historia, llevada más allá del sonido original, cerca del rock. Con “La Aclaradora” y “La Sixto Violín”, y para el final, del cuchi Leguizamón “El carnavalito del duende”. Volverían más tarde para iniciar un segmento acústico, luego del cierre del homenaje.

El silencio regresó al escenario del patio y allí, desde la voz y la guitarra de Juan Quintero fueron surgiendo las canciones más recordadas. Ya sin los micrófonos,  tomó las riendas del homenaje para llevarlo hacia un final donde el canto colectivo trepó a las estrellas. “Chacarera del pensador”, “Memoria adentro” y “Grito Santiagueño”, fueron algunas de las canciones que coreó una multitud que trepaba por los pilares, los bancos y se afincaba hasta en la vereda de la casa de la Pirincha. Esa que tiene un patio donde una noche, volvió Raúl Carnota en las voces de esos cantores que andan y desandan su camino.

Pao De Senzi

 

23 enero, 2017

Fundamento y fiesta. Ese Cosquín de dos ríos.

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Luciana Jury, por Carlos Paul Amiune

Primera y segunda luna.

Por un lado, los cantautores que hablan del hoy. Por otro, la nostalgia y los clásicos. Las dos primeras lunas de la edición 57ª, pusieron sobre la mesa dos vertientes del folklore que hoy marcan grandes diferencias de opinión y públicos.

Pasaron las dos primeras noches de la edición 57ª del Festival Nacional de Folklore de Cosquín, y cada uno de los momentos de las dos jornadas iniciales, tuvo, como siempre algo para destacar.

El sábado, desde temprano, el desfile inaugural tomó las calles, mientras la multitud se agolpaba a la vera del paso de la marcha, para comenzar a palpitar las nueve lunas más luminosas del Valle de Punilla. La primera fue una noche, que musicalmente no tuvo desperdicio, por su nivel artístico, por su originalidad (en este caso, porque mucho de lo que hubo sobre el escenario Atahualpa Yupanqui, no se ve desde hace tiempo) y porque el público, muchas veces por ver a su artista preferido, entre tantos de una grilla extensa, se dispersa y se impacienta. Esta vez fue respetuoso, atento y celebró cada uno de los momentos de la noche

La del sábado fue una luna donde la palabra tuvo protagonismo, a pesar de haber sido etiquetada como la noche “Para bailar”. La primera  sorpresa la dio el discurso del cura párroco de Cosquin, quien al bendecir la Plaza, habló del desmonte, la baja en la edad de imputabilidad, y otras cuestiones que están latentes en la sociedad de estos tiempos. Para el arranque de un festival que a los ojos del mundo es la representación de la cultura popular argentina, es el mejor de los comienzos. Lo cotidiano se entremezcla con la música, el folklore es el vocero de las cuestiones del hombre de hoy, como lo ha sido siempre.

Siempre, la música.

La orquesta Blas Parera abrió la noche con una versión del Himno Nacional Argentino y dio lugar al Aquí Cosquin en la voz de Claudio Juárez, el maestro de ceremonias. Ahí nomás, el plato giró al centro del escenario y Dino Saluzzi, junto a una banda sólida, dio cuenta de algo que ya venía flotando en el aire. Su humanidad toda, que también es su música, queda muy lejos de cualquier debate superfluo, y más allá de cualquier palabra. El salteño repasó todas las aristas de la música popular argentina, y la hizo llegar desde el más puro sonido del folklore, acompañado por una fusión que llegó desde los instrumentos pulsados por los músicos que lo acompañan.

La noche tuvo un poco más tarde otra muestra de que el folklore que se nutre de lo académico y lo versátil  ofrece –también- los más variados colores y sonidos: Los Amigos del Chango es un claro ejemplo de ello. Once músicos interpretando aquello que el Chango Farias Gómez llamaba simplemente Música Clásica Argentina. Poco tiempo y ningún bis para uno de los momentos brillantes de la primera luna. El tiempo es tirano. Algunas decisiones, inexplicables.

En la misma noche, la otra vara de la música popular, la que se mide desde la voz, estuvo a cargo de Luciana Jury que por primera vez sube al escenario mayor. Su voz, sonó más allá de la plaza, con coraje, fuerza y ese talento para penetrar en lo más profundo de cada una de las obras que interpretó, de Farias Gómez y del Chango Rodríguez entre otros, a quien dedicó su actuación. Orellana Lucca, que vienen de ser consagrados en Jesús María, repitieron la hazaña una vez más con un repertorio original y un público que ya los puso en el lugar más alto. Enrique Machetti, otro talentoso compositor santiagueño fue el invitado del dúo que forman Manuel Orellana y Rodolfo Lucca. Completaron su actuación con un bis pedido a grito pelado por el público. De igual manera, Horacio Banegas, -acaso el artista más pedido por la gente en la historia de los últimos años del festival de Cosquín- extendió su actuación con tres bises, luego de orecer un set junto a sus hijos, Jana y Christian

La plaza  recibió a la Delegación de San Juan y unos deslucidos Trovadores (con una formación nueva, salvo el histórico Carlos Pino) cuya presencia fue el resumen de los primeros 50 años del poncho coscoíno. La agrupación fue la primera que utilizó la prenda creada por Coloma Coll en el festival, en los años sesenta.

Luego de que el ballet folklórico nacional entregara una original puesta en escena de bailes de salón de principios de siglo XX, la plaza ya estaba lista para recibir a José Luis Aguirre, quien nuevamente  nutrió de poesía y palabra el aire de Cosquín y, que otro año más se postula como el consagrado del festival. Más allá de las formalidades y los premios, Aguirre  es uno de los pocos artistas cuyo magnetismo no necesita de grandes producciones, ni arengas, ni gritos. Pasa del cuarteto, a la tonada, a la  zamba, y el público responde, del grito al silencio. Puede manejar cuando habla  a la gente, que bebe cada palabra y escucha cada una de sus declaraciones, que no son otras que aquellas que rondan en boca de todos en este tiempo: el cuidado de nuestro monte nativo, los ríos, la naturaleza.

El cierre de la primera luna estuvo a cargo de Raly Barrionuevo, quien nuevamente puso a bailar la plaza con su repertorio más conocido, aunque no faltaron sus canciones más entrañables como “Zamba y Acuarela”. Fue con ésta, acompañado de su guitarra, con la que abrió la puerta de un set que cerró una noche inolvidable, a las 4 de la madrugada.

Luna dos

Como las tribunas en donde se dicen las cosas que hay que decir, este año Cosquín parece ser el lugar que han elegido los artistas para enumerar aquello que pasa, y que muchas veces los medios no hacen visibles. El caso de Rubén Patagonia (que junto a Tomás Lipán fue parte del espectáculo “Pacha Mapu” tierra, en quichua y mapuche), en la segunda luna, tuvo ese momento en el que la música es el estandarte de los pueblos.

Patagonia dio un paso atrás y dejó avanzar sobre el escenario a Soraya, originaria del sur: “soy una representante mapuche de la comunidad lof, -dijo. Desde hace 130 años la mapu nos sostiene. Queremos dejarles un territorio digno para nuestros hijos y nietos”, culminó, diciendo “fuera Benetton, Barrick Gold y Monsanto”. El público se puso de pie y algunos carteles repetían el reclamo desde la tribuna, mientras sonaba la voz de Patagonia.

Era la noche de los clásicos, y cada uno de los que subieron a cantar al escenario Atahualpa Yupanqui, dieron cuenta de eso y revivieron viejos momentos de un festival que para esta época, retoma nuevas propuestas y en otros casos, no puede despegarse de la nostalgia.

Así pasaron César Isella, con sus clásicos y anécdotas, Los 4 de Córdoba, con algunas canciones nuevas que hablan de la tierra mediterránea y sus personajes además de un  pequeño homenaje a Horacio Guarany; Víctor Hugo Godoy recordó aquellas lunas festivaleras de los sesenta, como lo harían a lo largo de la noche, otros. Opus Cuatro con nuevas voces, y Por Siempre Tucu con más clásicos, y dos momentos distintos y con igual intensidad nostálgica, mientras que Carlos Méndez, recordó desde el timbre de voz y un magnífico cuarteto de guitarras a Alfredo Zitarrosa. El silencio de la plaza fue parte de uno de los momentos más emotivos de esta noche, que había comenzado con el violín arrasador de Néstor  Garnica.

El cierre fue con Los Manseros Santiagueños, que nuevamente trajeron una multitud a Cosquín, aunque sin números estridentes en taquilla como lo hacen por ejemplo, en Jesús María. Apenas un poco más de 5000 entradas vendidas, de un total de 8600, pero sin perder el magnetismo y encanto que tiene su esencia. Por supuesto recordaron a Fatiga Reinoso, el cuarto integrante fallecido en los últimos meses del 2016, y dejaron flotando el aplauso y la emoción en el aire de la segunda luna

Cosquín marcó este año, en el comienzo eso que hoy conlleva nuestra música popular y que recorre por estos días, dos rutas: la de la palabra y el fundamento, en voces que sólo acompañadas de una guitarra cautivan a un público escuchador y perceptivo; y aquel folklore que se nutre de lo más puro que puede tener el arte popular de un pueblo: la danza, el canto colectivo y la celebración. Todo eso, hoy converge en Cosquín, sus calles, sus peñas y el escenario mayor.

Pao De Senzi

Más Cosquin http://www.boletinfolklore.com.ar/festivales/2017/cosquin%202017/cosquin%20nota1.html

 

 

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