El Blog del Boletín

6 diciembre, 2016

Guadalupe Soria, cantante de Lupe y sus amores: “Estar arriba de un escenario es tener la libertad de ser otras personas”

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lupe-y-sus-amores-01Por Gustavo Grosso

La banda gira con su primer disco por espacios de Buenos Aires. La próxima parada es el sábado 10 de diciembre en el Xirgu.

Lupe y sus amores está presentando su primer trabajo discográfico, un viaje sobre tiempos y geografías fantásticas, materializado en un repertorio que atraviesa boleros, canzonetas italianas, standards de Jazz y zambas.

La singular voz de Guadalupe Soria, enmarcada por el ritmo acompasado del contrabajo, el piano, la percusión y elaborados arreglos de cuerdas y vientos, componen este nuevo disco grabado en los míticos estudios Ion.

La música que propone Lupe y sus amores es muy ecléctica ¿Cómo se armó ese recorrido musical?

Guadalupe Soria: –El repertorio de Lupe y sus Amores no fue planeado sino que es parte de nuestro bagaje musical, es la música que nos gusta hacer cuando nos juntamos a cantar alrededor del piano.

¿Cómo fue tu formación musical? ¿Por qué cantás?

GS: –Nací en casa de músicos (mi mamá era pianista clásica, docente; mi papá es folklorista y por su parte tenía tíos abuelos que tocaban en Orquestas típicas) por lo que siempre sentí que la música era un miembro más de la familia, todos mis recuerdos de infancia están acompañados por ella. Me recibí a los 17 años de Maestra Nacional de Música y hasta mis 25 años hice carrera como clarinetista (pasé por varias orquestas, toqué ópera como contratada en la Orquesta Estable del Teatro Colón entre otros) pero a la par lo que más me gustaba tocar era música popular. En las funciones me encontraba mirando con más interés lo que pasaba en el escenario que en el foso. Me di cuenta que el clarinete había empezado como un juego de chica para luego ser una imposición, y el canto siempre había estado pero era una forma de reconfortarme más que de compartir. Así que dejé descansar el instrumento por varios años y armamos una banda de rock/pop con Julián Gándara (Enviada). Estuvimos 8 años, hicimos dos discos. Salir de atrás de un atril para cantar al frente de un banda en sótanos fue un inmenso cambio, hacerlo fue una gran enseñanza, sobre el rechazo, la autogestión, ser responsable de un grupo de gente, entre otras cosas. Para mí cantar es una suerte de idioma nativo, es expresar lo que siento aún mejor que hablando. Cantar entonces puede ser doloroso, cotidiano o excepcional.

El año va dando ya la vuelta ¿Qué balance hacés del año musical de la banda?

GS: –Teniendo en cuenta que nuestro primer ensayo hace menos de dos años consistió en comer delicias y tomar champagne hasta altas horas (sin llegar a sacar los instrumentos de los estuches), estar presentando este hermoso disco grabado en vivo en ION en el Xirgu, y haber tocado en Café Vinilo, Thelonious, El CAFF, Bebop Club entre otros, sentimos que el balance es excepcional!

¿Qué músicas escuchás?

GS: –Tengo un fetiche innato por escuchar música que no es de mi época, y soy terriblemente curiosa y evidentemente bastante desprejuiciada. Últimamente me gusta pasar el tiempo en silencio o escuchar las voces de mis alumnos o escucho un cambalache de géneros, discos como Sticky Fingers de los Stones, Blue de Joni Mitchell o el concierto para arpa y flauta de Mozart me siguen pareciendo nuevos al oído. De más chica en casa teníamos una bandeja para pasar vinilos en la sala del piano y un Winco en un cuartito donde jugaba, ahí sonaban La flauta mágica, La Novicia Revelde, Los cuentopos de María Elena Walsh, también estaba mi vieja tocando Chopin. Una navidad para mis 9 años me regaló el casette “Rock and Roll” de John Lennon y me volví loca. Mucho Beatles gracias a mi hermana mayor, Charly García, Peggy Lee, antologías con temas de Los Panchos, Nicola Di Bari, mi viejo me sentaba a escuchar al Hot Five/ Hot Seven de Amstrong, me acuerdo también mis primeros años de leer partituras y pasarme veranos enteros descubriendo el concierto de Mozart para clarinete o tocando con mi papá “El esquinazo” y de adolescente el flash por Spinetta, Silvio, Queen, Sabath, Zappa, y me quedo corta con la coctelera de música.

¿Qué tienen pensado para la presentación en Xirgu, el 10 de diciembre?

GS: –Extender nuestra forma de compartir la música,  lograr ese mismo clima de intimidad y confianza que tenemos entre nosotros en la sala del teatro,y que el grupo de amigos se agrande. Habrá champagne para recibirlos y un hermoso teatro con historia para acompañarnos.

¿Qué te significa estar arriba de un escenario?

GS: –Tener la libertad de ser otras personas, conectar con personajes que aparecen y desaparecen, tener momentos fugaces de inconsciencia, conmoverme, conmover.

Lupe Y Sus Amores Presenta Su Primer disco Sábado 10 De Diciembre 22/ Xirgu Espacio Untref/ Chacabuco 875, CABA./ Localidades generales $150/ En venta en plateanet.com

 

 

María Paula Torre, cantante de Paula y los Pájaros: “Subir al escenario es siempre un gran desafío para mi”

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María Paula Torre 6.jpgPor Gustavo Grosso

La intérprete y compositora presenta su primer disco, micromundos en NoAvestruz el próximo miércoles 14 de diciembre en lo que será el último concierto del año

María Paula Torre es compositora, pianista y cantante. Estudió en el Conservatorio Superior de Música de la Ciudad de Buenos Aires Astor Piazzolla. Junto a Victoria Zotalis, y luego con Lili Rossi estudió canto, con Marcelo Katz se formó en piano, composición y con María del Carmen Aguilar estudió armonía y composición.

La artista comenzó su trayectoria escénica cantando standards de jazz junto a un colega mientras componía en paralelo sus propias obras musicales. Su primer pieza musical fue Vengo a dejarte. Su primer arreglo musical fue sobre la obra BlackBird de The Beatles bajo la tutela de su maestro, Marcelo Katz.

Participó en otros grupos de folklore latinoamericano tocando el piano y cantando. En ese entonces también interpretó sus propias canciones. A lo largo del tiempo fue incorporando cada vez más piezas musicales de su autoría hasta que sumó un material que la conformó y decidió grabar su primer disco micromundos. Para ello conformó su grupo Paula y los pájaros y sumó a nuevos integrantes que agregaron otros instrumentos, colores e ideas a sus composiciones.

Cómo le diste forma a micromundos? ¿De qué se trata tu primer trabajo discográfico?

María Paula: –Micromundos es el resultado de un proceso largo de trabajo, donde se fue formando un discurso musical, que a pesar de estar fragmentado en distintas etapas (de búsqueda, composición) guarda una relación, un hilo conductor entre las canciones que me hicieron querer juntarlas y registrarlas en un mismo disco. Micromundos son pequeños relatos, unidos entre sí por ese hilo conductor, que es el folklore, no en cuanto a las formas tradicionales sino en lo rítmico, aires de…

Tu música se muestra muy ecléctica, con influencias del rock, del jazz, del folklore ¿Cómo fue tu formación musical? ¿Cómo llegaste a la música?

María Paula: –En mi casa se escucha mucha música, cuando éramos chicos mis viejos nos llevaban a recitales, mi viejo, fan de los vinilos se la pasaba poniendo discos de los Stones, Beatles, Floyd, Pappo, Luis Alberto Spinetta.. y tocaba una Gibson que aún conserva. Mi abuela es cantante lírica, y pianista. Yo empecé tocando la guitarra, porque un piano no podíamos comprar, cuando terminé el secundario me metí en el conservatorio y después de unos años seguí -sigo- mis estudios con Marcelo Katz que es quien para mí, me da las herramientas justas y adecuadas para empezar a componer y encontrar o escuchar mi parte creativa.

¿Por qué la banda se llama Paula y los pájaros?

María Paula: –Dimos muchas vueltas con el nombre, hasta que un día vino Dolo (Dolores Arce, percusionista, baterista, corista ) con el nombre Paula y los pájaros y nos gustó, ahora no podría imaginarme que fuera otro.

¿Cómo vivís la sensación de subir a cantar a un escenario?

María Paula: –Subir al escenario es siempre un gran desafío para mí. A medida que van pasando las presentaciones puedo disfrutar más, y sólo poner el foco en que es el momento de soltar las canciones, con todos sus arreglos, sus mensajes  y eso es lo único importante. También se arma un clima hermoso con los chicos, una especie de burbuja de disfrute y entendimiento que hace que una se quede tranquila y reafirme que es ahí donde quiere estar.

El año próximo vas a llevar tu música a Japón ¿Cuál esa tu relación con la música de una cultura tan diferente?

María Paula: –Hace dos años nos escuchó un chico de allá que estaba de turista por capital, él recomendó nuestro material a una revista Japonesa, que se llama Latina, nos hicieron una nota, y empezamos a vender los discos allá. Lo que ya escuchaba era Hiromi, un ser de otro planeta la verdad pero en paralelo a todo esto, descubro a Kotringo, una pianista y cantante, de la que me fascinó justamente eso que me preguntas, a pesar de la lejanía cultural, el idioma, su música trascendía eso completamente y me era muy familiar. Por suerte pude hacerle llegar ese mensaje, junto a un disco, que le gustó mucho, y finalmente vamos a conocernos ahora en este viaje, haremos un intercambio musical al que estamos dando forma.

¿Cuáles fueron los sonidos de tu infancia? ¿Qué imágenes te generan?

María Paula: –Los sonidos de mi infancia son los Beatles, Floyd y Spinetta. Sin duda esos son los colores, las imágenes son todas lindas, de compartir, bailar alrededor de una mesa redonda y de complicidad en el vínculo con mis hermanos y mis viejos. La música nos reúne siempre pase lo que pase. Ahí nos entendemos siempre

¿Cómo son tus Micromundos?

María Paula: –Mis micromundos son tan eclécticos como las canciones, muchas, mil cosas, subibajas, todos en un solo mundo, en mi vida cotidiana hay mil ventanas abiertas, todas juntas, conviviendo…

Paula y los pájaros Presentan en vivo su primer disco micromundos, Último concierto del año 2016: Miércoles 14 de diciembre, 21hs. No Avestruz/Espacio de Cultura Independiente/ Humboldt 1857-Palermo/ http://www.noavestruz.com.ar/

 

Carolina Valcarcel. “Cantar es para mí una conexión directa con la vida”

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carolina-valcarcelPor Gustavo Grosso

Campo abierto, el nuevo disco de la intérprete y compositora sigue girando en vivo. Este viernes vuelve a presentarlo en Circe.

Delicado y fresco, Campo abierto -el primer disco de Carolina Valcarcel-, propone recorrer, con la canción como eje central, distintos ritmos de nuestro país y Latinoamérica. La textura de vientos y cuerdas, la dulzura de las guitarras y la sutileza de la percusión, así como la naturalidad con que interviene lo electrónico y el diálogo acertado entre la poesía y los arreglos, son algunos de los factores que potencian la cálida voz de Carolina y la belleza de sus giros melódicos.

¿Cuáles son los ritmos y las texturas que recorres en tu disco Campo abierto?

Carolina Varcarcel:-Tanto los ritmos como las texturas son muy variados. Rítmicamente suena desde un aire de chamamé; una cumbia rara, hasta un vals. Hay de todo. Lo mismo pasa con las texturas y las formas. Algunas canciones tienen arreglos que incluyen varios vientos y cuerdas, otras un sonido un poco más electrónico, por momentos un color que te lleva a lo folklórico. Yo diría más bien que el disco va pasando por estados, como yo. Y esos estados son por cierto bastante cambiantes. No podría definir un Campo Abierto bajo algún estilo puntual.

¿Cómo viviste el proceso creativo de dar luz a un disco?

CV: –Fue un proceso sorpresivo, la verdad. Nació del permiso que un día me di de hacer una canción. Digamos que nunca imaginé que fuera a llegar a tanto. Pero una serie de casualidades fueron llevando a que todo tomara una forma cada vez más grande. Aparecieron muchos amigos y músicos que me apoyaron y me acompañaron, sin los cuales este Campo Abierto hubiera sido imposible. Podría decir que empezó con un permiso y un vacío. Creo que antes de escribir una canción estuve mucho tiempo sin escuchar casi nada de música. Como si hubiera necesitado un tiempo largo de silencio para escucharme a mí.  Coincidió con un parate general en mi vida y con irme a vivir a un lugar muy tranquilo. Tiempo y silencio. Vacío y permiso. Una combinación linda para crear.

¿Quiénes integran la banda que te acompañará en CIRCE?

CV: –La Banda en vivo está integrada por Mariano Agustín Fernández en teclados, Leandro Savelón en percusión, Lucho Sellan en guitarras y Facundo Peralta en Bajo. Tremendos músicos todos, y hermosas personas.  Mariano es además el arreglador y productor artístico del disco. Y el responsable directo de que todo suene mucho mejor de lo que yo hubiera pensado.

Cantás desde muy niña ¿Por qué seguís cantando? ¿Por qué elegiste este camino artístico?

CV: –Sigo cantando porque amo hacerlo. Y porque no lo puedo evitar. Cantar es para mí una conexión directa con la alegría, con la tristeza, con la vida. Es la forma más limpia que encuentro de comunicarme y compartir.  La música estaba en mi casa desde que nací. Mi papá era músico. Hacía música de teatro y yo me acuerdo de acompañarlo un montón. Me encantaba. Vi obras y ensayos a montones, me sabía los textos de memoria, y las canciones también, obvio.  Empecé a estudiar piano a los 4 años y me acuerdo que de muy chiquita ya me entretenía inventándole letras en español a las canciones de los Beatles. A los 13 empecé a tomar clases de canto y a los 16 entré en la escuela de música del Sadem. Sinceramente nunca fui muy estudiosa  pero siempre siempre sentí que la música me hacía muy feliz. Un canal directo al corazón. La siento realmente poderosa. Muy poderosa.

¿Qué músicas escuchás?

CV: –De todo. Amo la música llegan al corazón de forma simple, también a los artistas virtuosos que desbordan maestría. Y sobre todo, cuando la maestría está al servicio del corazón, ahí la música se convierte en una fiesta.

¿Quiénes integran tu “seleccionado” ideal de músicos?

CV: –En este momento mi seleccionado ideal es muy real: Mariano Agustín Fernandez, Leandro Savelón, Lucho Sellan y Facundo Peralta. Los musicazos con los que estaremos presentando Campo Abierto el 9 de diciembre en Circe.

Este próximo viernes 9, Carolina Valcarcel vuelve a presentar su primer disco Campo abierto junto a sus músicos. Esta vez en CIRCE Fábrica de Arte, Av. Córdoba 4335, a las 21hs.

2 diciembre, 2016

Juan Tauil, de Sentime Dominga. “Me gusta molestar, para eso estamos los artistas”

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sentime_dominga_prensa_2Por Gustavo Grosso

El líder de la banda habla sobre su último disco, Medicada  que presentan hoy en el Teatro Marechal de Buenos Aires

Sentime Dominga es un proyecto performático y musical en el que Juan Tauil indaga sobre sus raíces y se sumerge entre las polvaredas, las trincheras y se pregunta una y otra vez sobre su tierra natal, Santiago del Estero.

¿Cuál es la apuesta que hacen en Medicada? ¿Cuál fue la génesis de este disco de Sentime Dominga?

Juan Tahuil: –Con Medicada apostamos a la expresión. Todo el concepto de banda fue ideado para que yo, Juan, pudiera comunicar y compartir el acervo cultural santiagueño desde una perspectiva moderna, desenfadada. Medicada empezó cuando descubrí si yo unía los últimos textos que había escrito se engendraba una revista de curiosidades. Y les puse música. A esas canciones nuevas le sumé mi poema Chamán, con música de Valeria Cini.

¿Qué pasó con la banda entre el disco Operada y este nuevo trabajo? ¿Cuáles son las diferencias?

JT:-La banda creció, se solidificó. Se fueron los miedos, los amigos se adueñaron de las letras, ya no son nuestras. Las diferencias entre ambos discos es que Medicada es mucho más propio y un concepto más cerrado que Operada, disco al que asumí como un compendio de lo que podemos hacer como grupo humano.

Decís que Sentime Dominga hace neofolclore, ¿Que abarca ese estilo? ¿Cómo lo definís?

JT:-Me gusta molestar, para eso estamos los artistas, soy hijo de la generación de Madonna, una gran provocadora, de ahí surge mi necesidad de generar discusiones de ese tipo, rompiendo estructuras anquilosadas. Neofolklore es un estilo que por ahora nos abarca sólo a nosotros, a menos que alguien más se sienta identificado y será bienvenido. Yo digo que lo que hacemos es folklore: tocamos instrumentos folklóricos, las letras tienen elementos folklóricos, los ritmos tienen reminiscencias folklóricas. El resultado, según algunos conservadores no es folklore, pero ¡a palabras conservadoras, oídos progresistas!

¿Por qué se llaman Sentime Dominga?

JT:-Por una frase de “Esperando la carroza”, para mi la mejor película nacional de todos los tiempos “Sentime, Dominga, ¿vos estás amamantando? ¡Se te marca todo!” (Mamá Cora -Gasalla- le pregunta a Dominga -Cecilia Rosetto-)

Además de músico, sos documentalista. ¿Por qué y de qué manera abordás temas vinculados a la identidad de géneros, a las problemáticas sociales? ¿Cómo fue la producción del documental “T”?

JT:-“T” es un documental que surgió de unos archivos que fui registrando a lo largo de tres años, mientras seguía a militantes travestis en sus trabajos territoriales, artísticos y en su vida cotidiana. Los abordo desde el punto de vista travesti sin intermediación de mi parte, es discurso travesti puro. Fue un arduo trabajo, independiente, sin apoyo oficial. Actualmente se está proyectando por todo el mundo y no estoy exagerando.

¿Por qué te interesan los íconos religiosos populares?

JT:--En Operada hay muchos íconos religiosos porque Santiago del Estero es una provincia muy devota. Hay muchas iglesias, parroquias… pequeños altares populares… ricamente decorados. Quizás para paliar las injusticias de una zona tan olvidada por muchos gobiernos, la gente se apoya mucho en la religión. Yo soy católico, no de los que van a misa pero si de los que seguimos los mandatos de Cristo.

¿Cómo fue tu infancia en Santiago del Estero? ¿Qué sonidos de ese tiempo te siguieron acompañando?

JT:-Mi infancia fue feliz, pasé muchas horas en el monte, observando los bichos, las plantas… algún que otro reptil que cruzaba mi camino. Siempre me gustaron los pájaros; es una zona muy rica en variedad de aves. Imaginaba que andaba entre senderos mágicos, buscaba restos de salamancas, amuletos de brujos y, tal vez, entre sueños, hasta tuve algún diálogo con Zupay…

Sentime Dominga Presenta Su Disco-Revista Medicada , 2 De Diciembre 21.30 Hs / Teatro Marechal | Leopoldo Marechal 1219/Caba 

 

 

 

29 noviembre, 2016

Laura Gallo “Somos parte del canto de la tierra, le pertenecemos”

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Laura Gallo foto.jpg

Foto: Perfil Arte

Por Gustavo Grosso.

La intérprete y compositora presenta su primer disco en el que fusiona el  folklore y los diferentes ritmos de la música popular. La cita es el domingo 4 de diciembre en Espacio Cultural del Sur, en Buenos Aires. 

Tierracantando es la primera producción discográfica de la cantautora Laura Gallo. Sus canciones fusionan creativamente el folklore con distintos ritmos de la música popular. Sus letras tejen historias, sentires, miradas sobre las mujeres, la tierra, la vida cotidiana, el cuerpo, el deseo, la justicia, la ecología. En cada canción, la poesía invita al movimiento de los cuerpos, las conciencias, las emociones, el espíritu. Sugieren de modo intimista, volver a la raíz de la propia tierra interior y a la vez evocan lo colectivo, la Madre Tierra y la comunidad humana. El disco, de una singular belleza gráfica, es un mapa con cuatro paisajes: en cada uno encontramos un grupo de canciones que lo expresan. Estos paisajes evocan cuatros centros vitales: el material, el energético, el intelectual y el emocional desde la voz de la artista.

¿Cómo le diste forma a Tierracantando? ¿Cuál fue la génesis de este, tu primer disco?

Laura Gallo: –Este disco es el fruto de cinco años de trabajo, de búsqueda y de conexión con mis canciones. Aunque no me lo había propuesto conscientemente, fue el momento en que decidí enfocar mi proyecto artístico en mis propias creaciones musicales y dejarme llevar por las armonías, las melodías y poesía que empezaron a fluir cada vez con más intensidad. Comencé a compartirlas y a presentarme con mi guitarra hasta que sentí necesario plasmarlas e integrarlas en una obra, junto con mi expresión visual plástica, en compañía de otros artistas. Este disco es para mí una bisagra y una celebración de vivir en el arte.

Sos cantora, pero también docente, pedagoga… ¿Qué importancia le das a la música en la formación de una persona? ¿Por qué la vida es mejor a partir de escuchar y/o crear música? 

LG: –La música es intrínseca al ser humano; siempre lo fue. Porque es una cualidad de todo el cosmos: el ritmo, el sonido, el movimiento, la belleza. Al acompañar a otras personas en la expansión de su creatividad, de su canto, de su propia música parto de esa certeza. La humanidad siempre cantó, siempre hizo música como un puente entre mundos, como una posibilidad de inventar realidades, tanto hacia adentro como hacia afuera. Eso es muy liberador y sanador. Por eso creo que es indispensable para el crecimiento, el autoconocimiento, la comunicación durante toda la vida.

Tu vida parece girar alrededor del arte, de las armonías, de la creación ¿cuáles son los sonidos que guardaste para siempre de tu infancia? ¿qué influencia tiene en la formación de una persona ese tiempo de descubrimiento?

LG: –La verdad es que absolutamente todos, incluyendo la música propiamente dicha en un gran abanico de intérpretes, de géneros y de estilos. Pero tengo que decir que todos los sonidos de mi infancia -los cotidianos, los ritmos, los silencios, las voces humanas, la naturaleza- son parte de mí, son disparadores de poesía, de imágenes o han abierto mi percepción. Siento que tiene que ver con la sensibilidad y con el deseo de receptividad. Lo más importante en la infancia para mí es disponer de la mayor variedad de experiencias y sensaciones y de espacios que alienten la creatividad. Eso queda para siempre.

Citás como centros vitales el material, el energético, el intelectual y el emocional ¿de qué manera aparecen esos paisajes en tu música?

LG: –Cuando tuve que darle forma al disco a partir de las 18 canciones que elegí descubrí que ellas podían expresar vivencias, historias, imágenes, poesía, sonidos vinculados a estas cuatro formas de experimentarnos y comunicarnos que tenemos. Entonces fue fácil “dibujar” estos paisajes en cuatro grupos de canciones que cantan y cuentan temas relacionados con estos centros vitales. Les di un nombre que evoca algo mítico y sagrado: Humus, Artemisa, Serpientemplumada y Oxum.

¿Qué músicos te acompañan en la aventura de Tierracantando? ¿Qué tenés pensado para la presentación del disco?

LG: –Carlos Rivero trabajó conmigo en la dirección musical y artística y me acompaña en las percusiones. Nahuel Rivero en guitarras; Gerardo de Mónaco en contrabajo. Como invitados, Alejandro Franov en acordeón, Marina Santillán en canto y kultrún, Eliezer Freitas Santos en percusiones, Lautaro Huerín en piano, el Ensamble de cuerdas de percusión “Los Bombos Legüeros” y Marisa Sanagachi y Amanda Asijak de la comunidad QOM en canto. La presentación del disco el 4 de diciembre es una invitación al mundo mágico de Tierracantando: la música entrelazada con las artes plásticas, la expresión corporal y el compartir con las redes que apoyaron el disco en un viaje por las canciones.

¿Te proponés que tu música sea un disparador, un puente a un mundo mejor? ¿Qué se puede cambiar desde el arte?

LG: –Yo diría que ocurre naturalmente. No es que me lo propongo como objetivo de antemano, sino que ese convencimiento y esa búsqueda es parte de mi vida, entonces es parte de mi arte. Para mí crear es ya hacer algo que me hace mejor, me cambia, transforma elementos, alquimiza energías en todos los planos y eso se expande. Por eso el arte en general es transformador en sí. Y a la vez al comunicarse, para muchos, es un elemento de interrupción de la realidad “normalizada” y muestra otras percepciones, otras formas, otras ideas, otros colores, otras realidades. A veces disruptivo, molesto o aterrador, pero siempre bello.  Es la prueba del poder creador, y por eso del poder de crear un mundo distinto.

Utilizaste una red de financiamiento colectivo para la edición de tu disco ¿Cómo viviste esa experiencia?

LG: –Una experiencia maravillosa de construcción colectiva y de intercambio. El disco empezó a tomar vida antes de salir compartiendo los primeros proyectos y buscando otras personas y redes con las que nos sintiéramos vibrando en algo común. Es una alegría haber concretado esta obra de modo independiente y colectivo, es algo de lo nuevo que estamos aprendiendo. Esto se viabilizó por la plataforma Ideame y por el apoyo de la red de mujeres Arraigos para la Vida y la cooperativa de alimentos agroecológicos Iriarte Verde.

¿Qué nos canta la tierra?

LG: –Bueno, lo que yo escucho desde mi lugar es que la tierra nos canta vida, nos canta posibilidades, amor, nos canta que somos uno con todo el universo. Nos canta a gritos también ante tanta separación, ante tanto veneno, opresión, miedo, odio. También siento que nosotros somos parte del canto de la tierra, le pertenecemos. Sería maravilloso que nos escucháramos en lo profundo para encontrar esa voz vital como personas y como humanidad en tiempos cruciales… este es el momento de escuchar ese canto hondo de la vida.

Laura Gallo presenta su primer disco Tierracantando, Un disco doble conceptual con 18 canciones propias. /Presentación en vivo Domingo 4 de diciembre, 20hs (puntual) Junto a músicos destacados que participaron en esta  obra/ Espacio Cultural del Sur-Av Caseros 1750, CABA. Entrada libre y gratuita

 

 

26 noviembre, 2016

Entrevista a Sergio Fasoli, de Vientos del Alba “Los artistas somos los que tenemos que llevar adelante la batalla cultural”

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vientos-del-albapor Jorge Daniel González

El conjunto oriundo de Quilmes editó su primer disco Desahogo, de forma independiente, folklore tradicional mixturado con ritmos como el rock y la guaracha. Su voz cantante, Sergio Fasoli hace un recorrido por este interesante trabajo discográfico

“Vienen agitando, sembrando conciencia y sentido a tu corazón, una legión de poetas, cantores, volando al universo. Con alegría, cultura y sonrisa, La mejor arma para disparar ” (Fragmento de la guaracha “Legiòn de Poetas”)

El conjunto Vientos del Alba, de la ciudad de Quilmes, editó su primer disco llamado Desahogo de manera independiente, en una producción que recorre ritmos tradicionales entreverados con sonidos de otros estilos musicales, como el rock y la guaracha, con arreglos vocales originales y letras que proponen un recorrido social y tradicional argentino. Uno de sus líderes, Sergio Fasoli charló con Boletín Folklore los pormenores del material discográfico.

Por los barrios de Quilmes abundan las casas bajas, el sol de los domingos en familia y la música con su crisol de razas rítmicas que recorren sonidos y acordes de muchos géneros, característica influyente indirectamente en el estilo del conjunto “Es una fusión, si bien hacemos folklore siendo respetuosos, tratamos de ponerle los sentimientos con los que crecimos ya que nacimos en el conurbano, y aquí hay miles de ofertas musicales; yo me levanto escuchando Los Beatles, luego escucho Dyango, mientras mi vecino pone Koly Arce y su Quinteto Imperial, y el del frente es un santiagueño meta chacarera todo el día  y el de al lado, chamamé. Así uno creció. Tenemos una influencia de rock y cosas de nuestra tierra. Podríamos tocar como los santiagueños o los tucumanos, pero sería una imitación, la mejor definición es que hacemos un estilo fusionando las influencias de nuestro ecosistema”, enfatizó Fasoli.

El grupo, que nació en 1999, adoptó su nombre mediante un mensaje del político, médico y comandante Ernesto “Che” Guevara: “Si me quieren encontrar, búsquenme en los vientos del alba”, por lo que el entrevistado destaca: “Tiene un mensaje altruista que nos ofrece cada día, este universo maravilloso en que vivimos, el planeta que vivimos, un renacimiento, una iniciación constante. Lo conservamos porque es un sentido de pertenencia”, detalle que remarca la mantención del nombre en esta segunda etapa de su historia, ya que existió un receso en el período 2004-2013.

El buzo negro con capucha, el poncho argentino de los tiempos actuales, es el uniforme que los integrantes usan para las presentaciones en vivo, y con ello también demuestran igualdad ante los pares y cumplen, a través de sus letras, con un propósito social de concientización en el nombre del disco Desahogo, y la chacarera que integra la grilla de canciones y que posee frases fuertes certeras de las voces que no se escuchan en el pueblo: “Hierro, sangre, heridas son los cimientos de quien juzga hoy los movimientos con odio. Mueven, sacan, ponen sin remordimientos, humanos como fichas de un sucio juego macabro. Saben, piensan, temen la unión de los pueblos, por eso te enferman desde los Medios, con su veneno. Gritamos por vos, obrero humilde puro de corazón…”.
Su objetivo es hacer una reversión histórica de cómo se comportan las sociedades a través de los tiempos, de quién tiene el poder de contar al mundo cómo suceden los hechos, quienes escriben los libros de historia, quienes tienen el poder de hablar con voz autorizada, pero que constantemente lo usan en beneficio de ciertos sectores político-económicos, a lo que Sergio Fasoli comenta: “la letra nace por un tiempo de guardar muchas cosas adentro, uno cuando guarda mucho, después explota y ocurre a partir del contexto  desde este último año, desde 2015, tiempos de susceptibilidad, sentimientos encontrados con quienes pensamos diferente;  pocos tienen voz y se olvidan que todos somos hermanos. Desahogo viene a plantar esa idea, ´nos mueven como fichas, cuentan la historia con la sangre de los indios´, si bien suena actual pero no tiene ese sentido, sino que se analiza desde lo histórico, lo actual y lo que va a venir, porque socialmente no hemos avanzado mucho con lo relacionado al poder. Desahogo no pasa por lo combativo, a la protesta, sino desahogarse en la alegría, en la nostalgia, en la tristeza, en el recuerdo, en la fiesta”

De la mano de Desahogo, también puede mencionarse a la chacarera “Piel de Cordero” con su conclusión “Pido al cielo que luz te atraviese el pecho, pa que deje de existir tanto resentimiento, cambia el odio por amor, no todo es dinero”. En esta oportunidad el protagonista destaca el sentido de actualidad y la cercanía que afecta tal situación: “En un pueblo que tiene libertad, no puede existir una venda en los ojos, la amnesia, no acordarse de los opresores, que son los mismos, los empresarios, capitalistas. “Piel de cordero” viene a plantar eso. En el mundo hay mentira y nos toca de cerca, encima nuestra sociedad está dividida pero lamentablemente es nuestro ADN, desde el tiempo de las cavernas, una programación que tenemos dentro que nos hace dividir, el estar parado en un solo lado, es contar algo y te doy miles de razones con argumentos, pero me hace estar parado de un lado. Y la otra parte también piensa en su opinión y ya hay división. La mejor manera de hablar y comunicarle al hermano es abrirle los ojos a través del arte, si el universo nos dio un talento hay que usarlo en beneficio de concientización de la población, hermanarnos, querernos, mirarnos a los ojos, saludarnos, decirnos buen día, gracias. Hay mucho para cambiar y los artistas somos los que tenemos que llevar adelante, la batalla cultural”.

En el disco hay otra canción con un gran compromiso social como “Ave de Luz”, de Luciano Cañete y Bruno Arias que desarrolla la temática de la desnutrición infantil y la contaminación del medio ambiente. “Vuelvo”, propia del conjunto, tiene una gran carga emotiva: “Relato de un momento con amigos, regresar del viaje del cual todos fuimos; cada cual en un pedazo de historia, tiene un recuerdo de una charla inolvidable escapándose dos días o tres. Esto sucedió en Ibicuy, Entre Ríos”. “Legión de Poetas”, es una reconocimiento a los artistas que desde abajo, defienden la cultura y los valores del folklore en concepto de unión familiar, amistad, los espacios de danza y música.

Fasoli, que también es bailarín folklórico, dedicó dos canciones a esta rama, una chacarera bonaerense llamada “Mece tu pelo”, dirigida a la feminidad de las bailarinas y “Mudanzas de Fuego”, a los malambistas, a sus esfuerzos en los ensayos y la adrenalina del escenario. También abarca un repertorio popular con la zamba “Chaqueña” y “Del Mismo Palo”, “La Añoradora”, “Pelusitas de Totora” y “Misky Sumaj”.

Vientos del Alba trae un mensaje social de memoria, de unión, de cultura, música, poesía, danzas y sonrisas “La Mejor arma para disparar” (Fragmento de Legiòn de Poetas) en su rítmica, una propuesta fuerte y comprometida en sus raíces y valores de vida.
Vientos del Alba está formado por:
-Juan Pablo Romero, bajo y voz.
-Sergio Fasoli, guitarra y voz.
-Pablo Fasoli, bombo.
-Ezequiel Villasuso, batería.
-Javier Rodríguez, guitarra.
-Lucas Fabián Fernández, percusión.

23 noviembre, 2016

Lunara presenta Fusión Latina en el Quality

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lunara1.jpgLa intérprete y compositora nacida en La Falda, relanza su carrera en Córdoba con un espectáculo de alto impacto visual que tendrá como banda de sonido un repertorio latinoamericano. La cita es el domingo 27 de noviembre

Más allá de las formas y los géneros, proponer en estos tiempos un espectáculo integral donde prime lo visual al mismo tiempo que lo musical, es todo un desafío. La intérprete y compositora faldense Lunara, se juega a regresar a Córdoba con una propuesta que, además de mucho trabajo, tendrá un efecto impactante. Ofrecerá un despliegue escénico al ritmo de repertorios latinoamericanos, mixturados con el pop, y ritmos andinos.

Además, en Fusión Latina Tour -así se llama el espectáculo que presentará el 27 de noviembre en el Quality y luego girará por algunas provincias de Argentina- habrá un segmento para la presentación de Plegaria, un disco que tiene un tiempo de recorrido en las redes y ahora se reedita en formato físico y de forma independiente. Será una buena oportunidad para redescubrir a esta artista que nació del certamen Festilindo y a lo largo de los años logró mantener una carrera que se pasea por diferentes áreas y tiene repercusión en países de Latinoamérica.

“Venimos preparando y ensayando mucho y para mí es todo nuevo, yo trabajaba para una productora, ahora me desvinculo y estoy muy contenta, con mucha libertad creativa para poder expresarme desde el escenario. Esto es lo más lindo que me puede pasar, con mi nuevo equipo de gente que es de Córdoba, preparamos algo que creo que va a encantar porque estamos trabajando muchísimo para esto”, dice la intérprete y compositora desde La Falda, donde reside desde hace un tiempo, luego de haber vivido varios años en Buenos Aires. “Me siento cómoda y cerca de la familia, lejos de tanta locura de viajes, es un cable a tierra”. -confiesa.

En este espectáculo no solamente vas a presentar tu disco Plegaria, sino que además vas a hacer un concierto especial con diversos géneros musicales

Lunara: –El show se llama Fusión Latina porque justamente es una mixtura de ritmos latinos, no solamente canciones que forman parte de mi disco más reciente, sino que también me tomé la atribución de preparar joyas que son canciones ganadoras del Grammy, amadas por el público y adaptarlas a mi estilo. Yo tengo un gusto musical que tiene que ver con el folklore andino y con lo latino más puro, así que habrá un despliegue escenográfico basado en esto y va a ser algo muy visual, tiene mucho power, mucho ritmo, a diferencia de lo latino romántico de muchos espectáculos, esto va a tener mucho movimiento y también canciones de mi autoría. Esas canciones hablan sobre el amor, la fortaleza, es muy lindo haber logrado que estas canciones formen parte de mi disco.

¿Desde dónde llega tu inspiración como compositora¿

Lunara: –Hay muchos que se sientan a esperar que les venga la inspiración, mi forma de componer es constante, en mi casa, por ejemplo me vienen ganas de contar una historia tanto prestada como propia, y comienza a salir letra y música

Surgiste de un certamen infantil y luego recorriste caminos muy diferentes siempre dentro de la música, ¿en qué lugar te sentís cómoda?

Lunara: –Me pasó de tener que trabajar con gente con la que tengo mucha afinidad y me he sentido cómoda, y también hacerlo con cuestiones con las que no tengo afinidad y cuesta más, porque tenés muchos límites y no te permite expandir la creatividad. Mi lugar preferido está en trabajar con gente con la que tengo afinidad y también aplicar lo mío en cosas de otros, compartir su música es lo más hermoso que le puede pasar a un artista.

Tenés mucha proyección en Latinoamérica. ¿Cómo te reciben en otros países?

Lunara: –La verdad que con mucho amor, la gente es muy especial. En algunos lugares  disfrutan muy callados, aquí somos muy ruidosos, y en lugares que recorrí hace tiempo como Bolivia, Chile, Perú gracias a Dios no se olvidan, es algo increíble, Viste que cuando un artista para un tiempo puede pasar que haya que volver a empezar a difundir el trabajo, a mí no me pasa esto, estamos ya en tratativas con otros países, como Australia, un lugar que voy visitar por primera vez y a Uruguay, Chile y Bolivia vamos a volver. Pero los que me pone más feliz poder pisar los escenarios de Córdoba

Tu impronta, además de tener apoyo en lo musical, tiene mucha importancia visual, ¿qué lugar le das a esto en tu carrera?

Lunara: –Yo le doy importancia a la imagen, para mi es una manera de apoyar la magia de la música, y al público espera una sensación diferente, más allá de que conoce la canción o el intérprete, creo que hay que ofrecerle otras cosas. La parte visual siempre es un efecto sorpresa, en las coreografías, en el vestuario, me encanta sorprender…

Pao De Senzi

Lunara presenta Fusión Latina Tour/ Domingo 27 de noviembre, 21 horas/ Quality Espacio, Av. Cruz Roja 200/ Entradas anticipadas a $150. en www.ticketek.com.ar, Quality Gym (Independencia 541)

Sobre Lunara

Nació en la ciudad de La Falda. Se formó artísticamente desde temprana edad con el prestigioso autor y compositor Rubén Amado y con el profesor de canto Guillermo Parmigiani. Integró el grupo infantil Festilindo y el éxito de este grupo le permitió lanzarse como solista, aprovechando su excelente voz natural y una energía única para sus presentaciones, marcando un estilo propio, ya que estudió danzas árabes, brasileñas, folklóricas, merengue, salsa, etc. Grabó canciones para telenovelas destacándose “Salsa Reggae” (de Rubén Amado) para la telenovela “Inconquistable Corazón” producida y emitida por Canal 9 de Buenos Aires, protagonizada por Pablo Rago y Paola Krum. Integró varias obras teatrales y en 2011 grabó su disco “Plegaria” junto al autor y compositor Carlos Flores, de gran trayectoria internacional, realizando un trabajo extraordinario al fusionar el pop latino con folklore indoamericano.

Los temas son inéditos, de la autoría de Carlos Flores, y de autores japoneses, italianos y argentinos.

Más info www.lunaraweb.com

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18 noviembre, 2016

Laura Ros Entre los ritmos folklóricos y la potencia del rock

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laura-ro2por Gustavo Grosso

La intérprete y compositora presenta su nuevo disco, Atar, en donde recorre junto a su inspiración, ritmos de diferentes vertientes musicales. La cita es el jueves 24 de noviembre en el Teatro del Viejo Mercado

Por estos días, Laura Ros está presentando su nuevo disco Atar, un puñado de nueve canciones en una renovada apuesta sonora, donde la sutiliza del folk y la fuerza del rock van de la mano, dando como resultado una musicalidad genuina, sin etiquetas, frontal. Es el cuarto disco de estudio de Laura, un repertorio breve y concreto con composiciones propias, a excepción del tema “Ayer”, cuya autoría es de Barbarita Palacios. Es en este nuevo trabajo discográfico donde Ros despliega una vez más su poética y su voz expresiva cargada de matices, para comunicarnos la decisión de parecerse a ella misma, en un anclaje histórico que en vez de atarla, la impulsa a una búsqueda llena de intensidad: “Si no le canto a mis sueños a quien le voy a cantar… somos canción que se vuela… cuerdas que vibran al viento, sueltan amarras y van…”

¿Cómo se gestó Atar? ¿Por qué nace este disco?

Laura Ros: –Atar era un proyecto sin fecha de término ni de comienzo determinadas. Era un proyecto que me venía rondando los pensamientos, pero que se hizo carne cuando decidí quiénes eran las personas que tenían que laburar conmigo en la producción artística (Lucas Caballero y Juan Manuel Ramírez de Guauchos). Una vez que hablé con los chicos y aceptaron el desafío, todo fue cuestión de tiempo y decantación. Incluso algunas canciones las terminé de componer con Lucas mientras ya estábamos inmersos en la pre producción. Tenían que ser las canciones exactas para este disco en particular. Ni una de más, ni una de menos.

En su mayoría, Atar está compuesto por canciones tuyas ¿Qué sonidos buscaste para este disco, qué texturas le dan forma a las canciones elegidas?

LR: –El sonido que yo buscaba era claramente esa suma explosiva entre los ritmos folklóricos y la potencia sonora del rock… con algunos toquecitos “mágicos” electrónicos que es algo que siempre me atrajo. De hecho incursioné bastante en eso en mi primer disco…

Las canciones, como te contaba un poquito antes, fueron elegidas de entre muchas que tal vez estaban bien pero no calzaban en este proyecto en particular. Incluso por primera vez grabé un tema, “Espejo”, que tengo dando vueltas hace 12 años y nunca había encontrado su lugar en un disco de estudio mío (hay una versión en vivo en el DVD Tercer Jueves que hicimos con Federico Gil Solá). Para este disco era perfecto. Una vidala y un blues muy potente que conviven en la misma canción en un abrazo.

¿Cómo analizas el momento actual de la música, del folklore?

LR: –Me parece que como siempre en una música que tiene una larga historia de conservación y rupturas simultáneas, ocurren cosas interesantísimas desde los dos lugares. Hay músicos, artistas generando propuestas bellísimas y muy originales con nuevos repertorios y también hay talentosísimos intérpretes que siguen desnudando y volviendo a vestir las canciones emblemáticas de nuestra cultura popular. Todo tiene su encanto. Yo tengo claramente una debilidad por las nuevas poesías y músicas que asoman… me intriga además que pasará con el tiempo a esas nuevas creaciones. Cuáles serán los nuevos clásicos y cuáles no resistirán el paso del tiempo. Todo eso me resulta fascinante.

¿Qué tenés pensado para la noche del 24 en el Teatro del Viejo Mercado?

LR: –Tengo pensado un show muy especial. Es una ocasión de juntarnos a festejar lo logrado (un disco con muuuucho trabajo encima) y es ocasión también de compartir con el público lo que yo considero es la verdad más pura: la música en vivo. Abogo por dejar la computadora un rato y experimentar la vivencia inconfundible de compartir un show en vivo y en directo. Vamos a tener muchos invitados de lujo. Mi banda (Mariano Gillio en batería, Sebastián Villegas en bajo y Roberto Garcilazo en guitarra) a veces intervenida por Federico Gil Solá, Brenda Martin, María Laura Marín y Mavi Díaz que vienen a festejar en música con nosotros. Estamos también preparando una escenografía acorde al maravilloso arte de tapa de Pablo Scavino. En fin… ¡mucha ilusión!

¿Por qué sos artista? ¿Qué se logra construir a través de la música, del arte?

LR: –Nunca me lo planteé. La verdad es que nunca me pensé haciendo otra cosa. Es decir… hago muchísimas otras cosas, pero el escenario y el estudio de grabación son mi lugar en el mundo. No tengo escapatoria.

¿Qué músicas escuchás? ¿Le dedicás tiempo a escuchar cosas nuevas?

LR: –Últimamente estoy más abocada a descubrir cosas de otros tiempos que se me habían escapado, pero siempre me hago un rato para escuchar nuevos artistas. No paso muchas horas escuchando música. No pongo música de fondo por ejemplo para hacer otras cosas. Si escucho, es porque me estoy dedicando a hacer eso especialmente. En mi casa reina el silencio durante muchas horas. La cabeza me va a mil. Y cuando logro frenar… ahí agarro la pilita de discos y me pongo al día; o satisfago algún antojo de algún disco en particular.

Sos hija y nieta de músicos, con un apellido sinónimo de música del litoral ¿Cuáles fueron los sonidos de tu infancia?

LR: –En la variedad está el gusto. Cuando yo vine al mundo, mi papá estaba en plena etapa de exploración y de yunta con músicos de todas las vertientes de nuestro país, así que eso por un lado supongo que nutrió mi curiosidad. Por otro lado, el abuelo al que sí conocí y con el que compartí es mi abuelo materno, Ken Hamilton (Bernardo Noriega) que fue un reconocido pianista y director de orquestas de Jazz. Con él cantaba cuando era chica en su casa y fue una gran influencia para mí.

Dicen que existe otro mundo; pero existe en éste mundo ¿Cómo es el mundo que habita Laura Ros?

LR: –Es un mundo bastante sencillo y bastante poco original. Tal vez el tema está (como diría mi padre) en la parte de adentro de la cabeza.

Laura Ros presenta su nuevo disco Atar, Jueves 24 de Noviembre / 21.00hs/ Teatro del Viejo Mercado (Dir. Lavalle 3177)/ Entradas en venta en www.tuentrada.com desde $120

 

 

14 noviembre, 2016

Entrevista. Los Surcos traen el presente los clásicos del folklore

Filed under: Entrevistas — Etiquetas: , — boletinfolkloreblog @ 23:27

los surcos.jpgLa banda tucumana presenta su cuarto disco, Eterno, en el Quality de Córdoba, el próximo viernes 18 de noviembre. Carlos Sosa, primera voz del grupo, habló con Boletín Folklore

Tucumán, cuna de la zamba, y también de una agrupación que realza en sus voces la esencia del género. Es que Los Surcos (Carlos Sosa voz y guitarra, Gonzalo Pastrana, voz guitarra y charango, Fernando Sosa voz y bombo y Carlinho Luna voz y guitarra), han comprendido que ser profeta en su tierra implica para un artista, defender lo que la representa.

A lo largo de sus siete años de carrera y cuatro discos editados, el cuarteto consiguió afianzar un estilo gracias a la perseverancia y la unión de sus integrantes. Esto tiene que ver con tomar clásicos del folklore,  y recrearlos en sus voces y una formación instrumental criolla, sin agregados eléctricos, pero acercándolos al presente.

Por eso las versiones de “Eterno Amor, “Nuestro Secreto”, “Canción de las Simples Cosas” (Armando Tejada Gómez – César Isella), “Zamba del pañuelo” (Castilla y Leguizamón) “Volver en vino” (Horacio Guarany) por caso, de su último disco (que presentan este viernes 18 de noviembre en el Quality de Córdoba), son perlas de un repertorio que los caracteriza.

El cuarto disco del grupo se llama Eterno, -refiriendo al corte de difusión, la zamba de Martín Paz que es éxito de los Manseros Santiagueños– y contiene doce obras del cancionero, más dos extras del disco anterior, Momentos, editado hace tres años.

Mientras prepara el equipaje para salir de viaje hacia Córdoba, Carlos Sosa cuenta por qué este disco es el más tucumano de todos los que hicieron:

“Fue un disco que nos ha demandado un tiempo, pero creo que fue el mejor que hicimos. Lo terminamos de grabar en octubre del año pasado y salió a la venta el 8 de octubre de éste, en un año larguísimo pero en el que se trabajó mucho en la post producción. El disco lo grabamos en Tucumán íntegramente, en el estudio El Jardín, de Carlos Carranza, que es nuestro productor  y arreglador. Luego de vivir en Buenos Aires, un tiempo, regresamos y nos instalamos en Tucumán, a mediados del 2014. Así que queríamos hacer un disco íntegramente tucumano, con gente de acá”, dice la primera voz de Los Surcos desde su tierra.

A pesar de darles una vuelta de tuerca a los clásicos, han mantenido muy bien la esencia de cada obra. ¿Por qué han elegido esas obras y cómo lograron ese sonido?

Carlos: –Son canciones que las escuchás en vivo en las voces de algunos  artistas, en guitarreadas y demás, pero que han sido grabadas pocas veces o quizá nunca. Generalmente son versiones muy fuertes, que tienen  un peso tremendo, como “Eterno Amor”, que es un hit de los Manseros. Nosotros tomamos eso como desafío. Ponerles nuestro sello a esas obras, y traerlas al presente en nuestras voces.

Hay una frase en la información que trae el disco, que dice  “Sólo la música permite viajar hasta lo eterno y regresar” ¿Hasta dónde y desde dónde han viajado Los Surcos?  

Carlos: –Comenzamos en el 2008 con mi hermano Fernando, en Tucumán, con la idea de poder hacer de la música nuestro trabajo. Y como allí en ese momento no existía la posibilidad al menos para nosotros de desarrollar una carrera, decidimos hacer una apuesta fuerte yéndonos a Buenos Aires, lo que implicó dejar nuestras familias, nuestros trabajos y abocarnos a nuestra carrera desde allí. Y a partir de eso, la música nos llevó por muchos caminos, no sólo en cuanto a los discos, o la carrera, sino también en las relaciones, pudimos compartir con Carlos Sánchez de los Tucu Tucu (nuestros referentes), y con tantos artistas que admirábamos y veíamos lejanos, nuestra música. Llevamos 11 años juntos y la verdad que no sólo nos consolidamos como grupo musical sino a nivel personal, cada uno de nosotros  sabemos cómo somos, nuestro carácter, etcétera.

¿Cómo ves Tucumán y su cultura hoy día?

Carlos: –Yo veo Tucumán comparado con las grandes usinas de folklore, como Salta y Santiago, que es la cuna de grande poetas, es cuna de grandes cantores, aunque están muy metidos dentro de la provincia, hacen cosas muy para adentro. Les falta salir, hacer conocer lo que hacen en otros lugares. Hay artistas que tienen mucho potencial que producen sus propios conciertos, manejan sus carreras, pero todo hacia adentro. Creo que hay que salir más de la provincia.

Como ustedes, que han viajado por Latinoamérica y ahora llegan a Córdoba para actuar en el Quality… ¿Y después, qué rumbos tomarán Los Surcos?

Carlos: –Si, estuvimos viajando por Ecuador y tratando de aprender  en esos lugares  de la cultura y de la forma que tienen que defender su propia cultura, su música. Nos han recibido muy bien, pero a fuerza de brindarles un espectáculo con lo que ellos ya conocían, fue una experiencia nueva y muy interesante. En el Quality vamos a recorrer nuestro último disco, y algunas canciones de los anteriores. Luego estaremos en Buenos Aires (el 26 de noviembre) y en diciembre nos esperas La Rioja, Salta y Catamarca. Después en el verano, será época de festivales.

Pao De Senzi

Los Surcos presentan Eterno. Viernes 18 de noviembre, 21 horas/ Espacio Quality, Av. Cruz Roja 200, Córdoba/ Entradas a $150 en venta en Ticketek y boleterías de Quality

Daniel Binelli y Polly Ferman Cuando la unión hace la música

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binelli-fermanPor Gustavo Grosso

El bandoneonista estrena dos obras en el CCK de Buenos Aires y en el espacio Borge de Palermo, junto a la pianista Polly Ferman y la Orquesta Sinfónica Nacional.

Daniel Binelli y Polly Ferman han unido sus talentos para desarrollar e incrementar la apreciación del tango, la milonga, el candombe y otras formas musicales latinoamericanas, en una alianza poco común entre el bandoneón y el piano.

Sus actuaciones reflejan la elegancia y sutileza del tango tradicional, la picardía de la milonga, el romance del vals y el temperamento y poder del tango contemporáneo.

El Dúo ha logrado de sus conciertos, una experiencia asombrosa, para las audiencias entusiastas en el mundo entero. Desde su debut en la ciudad de Nueva York, en Enero de 2000, sus giras los han llevado a escenarios que incluyeron actuaciones en Tokio, Beijing, Shangai, Roma, Paris, Múnich, Berna, San Petersburgo, Chicago, Dallas, San Francisco y Miami. Además de actuaciones, han ofrecido clases magistrales sobre la música del Rio de la Plata y ejecución del tango y sus diferentes estilos en Estados Unidos, Canadá, Japón y China.

También actúan como solistas invitados en orquestas de cámara y sinfónicas del mundo, con su proyecto “Orquestango”, cuyo repertorio incluye obras y arreglos de Piazzolla, Salgan, Ginastera y  el mismo Daniel Binelli, entre otros compositores. Sus recientes apariciones incluyen a las Sinfónicas de San Francisco, Colorado, Vancouver, la orquesta de Cámara de Hong Kong, la Filarmónica de Montevideo, la Sinfónica de Concepción, Chile y las orquestas sinfónicas de Mendoza y Paraná en Argentina. El Dúo ha grabado para Romeo Records y EPSA Music “Imágenes de Buenos Aires”, “Orquestango” 1 and 2 para Sondor Records con la Filarmónica de Montevideo y “New Tango Visión” con el Binelli-Ferman-Isaac Trio y Tango Reunion Live en Polonia. Este viernes presentan dos obras del maestro Daniel Binelli en el Centro cultural Kirchner de Buenos Aires, junto a la Orquesta Sinfónica Nacional.

Daniel, en pocos días estará mostrando en Buenos Aires las obras Contrabando y Alma iluminada ¿De qué se trata el espectáculo que ofrecerá junto a la gran pianista Polly Ferman?

Daniel Binelli: –El 18 de noviembre, en el CCK estrenaremos en Buenos Aires la obra “Contrabando” para bandoneón, piano y orquesta sinfónica. Esta obra fue comisionada por la Sinfónica de Puerto Rico y fue con ella que la estrenamos en el 2013. En esta oportunidad, la estrenaremos para América Latina, con la Sinfónica Nacional de Argentina, con la dirección del maestro Mariano Chiacchiarini. La pianista solista sera Polly Ferman y yo estaré en el bandoneón. La segunda obra se llama “Alma Iluminada”, originalmente “Glowing soul” para bandoneón, órgano, quinteto de metales y cuerdas. El organista será Ezequiel Menéndez, músico argentino radicado en los Estados Unidos, quien me la comisionara. La obra la estrenamos el año pasado en la Catedral de Conecticut. Este también será un estreno latinoamericano

¿Qué le significa este nuevo encuentro con el público porteño?

DB: –Particularmente amo venir a Buenos Aires y mostrar mis últimos trabajos.

¿Qué nos puede decir de Ferman? ¿por qué se unió a ella en este espectáculo?

DB: –Polly Ferman es una pianista de una sutileza superior, quien comprende a fondo mi música.

Su apellido es sinónimo de tango, de bandoneón… ¿cómo comenzó su vínculo con este instrumento? ¿cómo era el primer bandoneón que tuvo en sus manos?

DB: –Mi padre me dio las primeras lecciones, a los 9 años y me estimuló a estudiar música.

Con su música llega a los rincones más recónditos el mundo ¿cómo analiza el actual momento del tango en argentina, y su repercusión en otros continentes?

DB: –Los intérpretes argentinos son muy buenos en cualquier instrumento. Yo pienso que es  muy importante estimularlos con trabajo y creatividad.

Hace unas pocas semanas se fue uno de los grandes artistas del tango, Horacio Salgán, de quien usted interpreta algunos clásicos en su espectáculo ¿qué significó Salgán para el tango?

DB: –El maestro Salgan creó un estilo de tango sincopado y  la categoría de su música es de gran nivel. El legado de sus obras, es muy importante.

¿Y Piazzolla? ¿cuál es la magnitud de su obra? 

DB: –La música de Piazzolla permanecerá a través del tiempo. Ya pertenece al mundo de la música clásica, además del jazz. Ya se inmortalizó.

Polly Ferman, piano/ Daniel Binelli, bandoneón, Estreno para Latinoamérica de dos obras del Maestro Daniel Binelli: “Contrabando” para piano, bandoneón y orquesta sinfónica y “Alma Iluminada” para bandoneón, órgano y orquesta de cuerdas.

viernes 18 de noviembre, 20 hs. En concierto junto a la Orquesta Sinfónica Nacional/ En CCK – Sarmiento 151 – CABA/ Entrada Gratuita: Las entradas se pueden retirar a partir del Martes 15 de Noviembre de 12 a 18 hs, en Sarmiento 151, hasta agotar la capacidad de la sala. También pueden reservarse a través de www.cck.gob.ar

sábado 19 de noviembre, 21.30 HS Binelli-Ferman Duo, En Borges 1975, Jorge Luis Borges 1975 – Palermo Soho – CABA/ El repertorio de este espectáculo estará integrado por obras de Daniel Binelli, Astor Piazzolla, Horacio Salgán y Aníbal Troilo.Participarán como Artistas Invitados los bailarines Johanna Binelli y Horacio López.

 

 

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