El Blog del Boletín

24 agosto, 2016

Enroque presenta su tercer disco. Música con identidad cordobesa

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enroqueJosé López y Amaro Estay Ferraris hablan de Cromático, el disco que acaba de editar la agrupación formada también por Matías Quevedo, Jorge Alabarces y Carlos Cánovas. Lo presentan el próximo sábado 3 de septiembre en el Salón de Actos de la UNC.

Un disco de Enroque siempre es una buena idea. Eso dice, entre los agradecimientos y los créditos, el texto que acompaña las letras del disco Cromático, el tercero de la banda cordobesa luego de Paisajes de acá y un Poco más allá,  y más luego de Adiario, más los que hicieron con ¡UPA! Músicos en Movimiento, colectivo de artistas independientes de Córdoba. Todas, claro, buenas ideas. Según los cálculos de José López, (guitarra, charango, voz y-vocero) del grupo formado también por Matías “Negro” Quevedo en voz, Amaro Estay Ferraris en batería percusión y voz, Carlos Cánovas en bajo y Jorge “Flaco”  Alabarces en flauta, flautín y vientos andinos, la música de Enroque es, en definitiva folklore, como para dejar tranquilo a quien pregunta. Música nuestra.

A decir verdad Enroque es música de Córdoba, que se nutre de diferentes vertientes, tantas como oleadas inmigratorias ha tenido la provincia, y tantas como el camino que los músicos de esta banda ha recorrido. Ya hablamos en otras oportunidades, pero vale la pena volver sobre lo mismo.

José López: –Lo que sucede es que Córdoba siempre fue el juntadero de todas las músicas del país, entonces no tiene un género especifico, o definido como el resto de las regiones, y esto es porque hemos recibido tantos músicos de otros lados que lo nuestro pasó a ser un híbrido de muchas músicas. El Chango Rodríguez tuvo su intento con “la marea” que era algo parecido un taquirari, pero no tuvo mayor trascendencia. Córdoba se ha nutrido musicalmente de santiagueños, santafecinos, entrerrianos, riojanos, salteños, jujeños, que hicieron que la música de Córdoba sea lo que hoy es, una especie de canción urbana con raíz popular. Nosotros  escuchamos rock, jazz, música académica, sinfónica, y el resultado es el resumen de lo que es Enroque.  Somos una generación que ha escuchado todo tipo de géneros y eso redunda en la música que hacemos de nuestra generación.

El nuevo disco de Enroqueque presentarán el próximo sábado 3 de septiembre en el Salón de Actos del Pabellón Argentina-, fue editado a través de un financiamiento colectivo, de forma independiente y grabado en los estudios Desdémona. Contiene 12 temas enlazados por pequeños intermedios en el que músicos invitados y algunos integrantes de la banda participaron incluyendo pequeñas obras de menos de 50 segundos. Esas doce canciones que hablan de este tiempo a partir de vivencias propias, desde compromisos y reclamos, son pequeñas maravillas musicales a partir de los arreglos de José López, que también se encargó de la producción general, y fue autor de “Cantando Abrigos”,  “Chaca Brava”, “Un Cuadro”, “Como un ave”, “Perdón Che”, “Muro gris”, “Ramón Ayala, “Chacarera del monte ahora”, y “Espiración”. Por su parte, Matías Quevedo puso su firma a los temas “Garabato” y “Música para dormir osos Panda”. Participaron como invitados, un cuarteto de cuerdas formado por Hernán Soria, Pablo Doliñski, German Gamón y Rosario Ocampo; Cuerda de Tambores (Luis Carrete, Nicolás Piuján y Juan Frattari), José Luis Aguirre, Lucio Mantel, Alejandro Colombatti, Juanjo Bartolomé y Ají Rivarola.

Un disco de Enroque siempre es una buena idea…

José López: –Sí, porque es mucho más que solamente un compilado de canciones. Para nosotros lo que hacemos es una forma de vida, y en este rol que asumimos, que nos mete en esta cosa de hacer música y de componer, habla de una convicción, de lo que pueden ser las obras de arte en formato de música. Hay muchas formas de hacer arte y comunicar, en forma de obras de teatro, de pinturas, de danza, hoy todas  están puestas en juego y atacadas por diferentes formatos. En medio de esa necesidad de vender, de poner temas en el mercado, el disco se va depreciando en sí. Nos parece una buena idea hacer discos, porque sentimos que estamos contribuyendo a una manera de ver la vida, de cambiar el mundo, que en definitiva es lo que deseamos (me imagino) todos los artistas. Así que mientras tengamos la posibilidad y la inspiración acompañe y tenga sentido hacer un disco seguirá siendo algo hermoso. Nosotros no negamos la parte digital,  pero nos parece interesante hacer un disco en formato físico también.

Cuando hablas de formato, imagino que lo decís respecto a la diferencia entre los digital y lo físico…

José López: –Si, a esta manera de lanzar simples, o subir músicas aisladas, inclusive hay gente que va subiendo sus temas sin que tengan un título, uno se graba cantando en el bondi y lo sube, y probablemente esa canción tenga el mismo o más valor para la gente (esto es éxito) que una obra que está bien producida. Es un conjunto de formatos, moldes y modelos que se van atacando entre sí, muy parecido a lo que sucede con los músicos. Antes los artistas tenían cada uno su lugar, no necesitaban estar en las fronteras musicales. Ahora están todos tocando en diferentes géneros, varios estilos varios formatos varios instrumentos.

Amaro: -También el hecho de apostar a un disco físico, es una forma de ofrecer y consumir música. En  este formato está la obra integral del artista,  con el arte de tapa, fotos, con la información y demás que en lo digital nunca se aprecia.

Cromático también está subido a Youtube en formato digital.

JL: –Si, antes no lo hacíamos, nos daba miedo subirlo a alguna plataforma digital. Ahora entendemos que lo que hacemos es música para escuchar. Y también entendemos cuál es el público que nos sigue. Ese público  compra el disco.

Y lo probaron haciendo un previo financiamiento colectivo que fue exitoso…

JL: –Si, lo hicimos casero, y pudimos completar la edición haciendo la preventa. Lo hicimos de forma personal porque donde vivimos nos permite vernos cara a cara con el púbico y nos resultaba más fácil ofrecer el bono de preventa, que pedirles que entren a internet, hagan click acá y allá, ingresen su cuenta bancaria y demás. Quizá en grupos masivos se puede hacer, en estos casos no. Nosotros sabemos que probablemente la gente que nos escucha a nosotros compra más discos y lee más libros que el tiempo que pasa navegando en internet.

Entre Cromático y los discos anteriores de Enroque, hay un cambio de ambiente. Es que los músicos (al menos la plana mayor, López y Quevedo) se han mudado de la ciudad al valle de Paravachasca, en La Bolsa y Anisacate. De esta manera, el punto de observación cambia a la hora de definir las composiciones.

JL: –Los primeros temas que componíamos tenían que ver con el amor, con cosas cotidianas más graciosas, que nos interpelaban en esos momentos como compositores. Pero a medida que vas creciendo, empiezan a aparecer otras cosas y te das cuenta de que tu voz es el medio para decir, y que eso es también una fuente de inspiración, esto de creer en que tu voz se escucha más que otra. Y en el medio de esta madurez, en nueve años con Enroque más otros años con otras bandas, nos pasaron cosas en la vida, con Matías nos mudamos  al valle, tenemos mucho más contacto con la naturaleza, los alimentos, el aire, los ratos libres, nos alejamos de este bicho enorme que es la ciudad, que nos encanta, y es donde trabajamos, pero ahora vemos el mundo de otra forma, y encima en el  medio de eso, tuvimos hijos, inevitablemente en las letras florecieron cuestiones cotidianas distintas.

El mismo amor visto desde otra óptica…

JL: –Si, yo creo que también cierta madurez

Amaro: -En Paisajes, creo que la característica que tenían la letras era de alguien que contemplaba, ahora es alguien que está en ese lugar

Algo de lo que hablan está en Chaka Brava y Muro Gris, temas fuertes del disco…

JL: -“Muro Gris” habla de los countries. Cuando me pongo a pensar en cuestiones ideológicas, digo que criticar a los políticos, o a los milicos en las canciones no tiene caso. Lo veo medio redundante, prefiero hacer eso desde otro lugar, por ejemplo militar en un partido. Me parece más interesante encontrar la miseria en la sociedad en donde estamos, e inclusive uno también está metido ahí, y tiene amigos y conocidos que empiezan a tomar decisiones que son difíciles de aceptar. Uno siempre tiene en la cabeza en el político o los empresarios, y donde está uno pasan muchas cosas también a las que hay que prestarles atención.

La pobreza elegida, dice la canción…

JL: –Sí, para mí es eso, aceptar que entrás a un lugar donde vas a ser pobre en cuanto a falta de acceso social, de afectos, de comunicación, lo que estás eligiendo es cerrarte, y si te cerrás estás eligiendo pobreza. Siento que  estamos volviendo a la época medieval, a la de los muros: adentro ellos y afuera todos nosotros que vamos a ver cómo hacemos para subsistir, y el día que podemos hacemos la revolución. Todo esto con el pretexto totalmente falso de la inseguridad, y en realidad lo que quiere esa gente es estar encerrado en un estrato social y no querer tener relación con los demás.

En Muro Gris está como invitado Lucio Mantel, entre otros invitados del disco.

JL: –Somos amigos de la vida y para mí, si hubiese un cancionista referente del momento en Argentina, es él. Es uno de los pocos que se definen realmente y reflexionan tanto en la música como en las letras, te da vuelta las melodías, busca texturas, tiene un pensamiento de entrega cien por cien a la música, no es intuitivo. Hay cancionistas que se manejan de forma liviana, de lo que sale rápido, fácil, como una reivindicación de las cosas sencillas. A mí me gusta lo que hace Lucio porque le sigue buscando la vuelta al giro melódico, al estribillo en contraste, como músico e intérprete me parece excelente y que esté en este disco es un golazo

Otro que está también está es José Luis Aguirre, en uno de los intermedios….

JL: –Se nos ocurrió, que esos intermedios serían el conector de lo cromático, que indica este paso de una gama a la otra sin línea de separación. Lo cromático en música es la escala completa pasando por todas las notas. En el mundo de lo visual es la paleta cromática, si uno la abre hay una gama infinita de colores. Y pensamos que dentro del concepto de lo visual y lo sonoro podíamos aportar también con un cromatismo de inspiraciones encargándoles intermedios a músicos sin darles más datos que el tema que precedía y el siguiente al intermedio que tenía que mandarnos. Así lo hicieron Juanjo Bartolomé, Alejandro Colombatti, Amaro, yo. Esa fue la idea y nos gustó arriesgarnos a ver qué nos mandaban los músicos. Uno de esos intermedios lo hizo José Luis, que me contó que tenía un poema  que se llama “Verde Molle” al que le había puesto música hace poco. Pero se le ocurrió  enviarlo recitado, y quedó buenísimo después de la “Chacarera del Monte Ahora”

¿Por qué le dedicaron un tema a Ramón Ayala?

JL: –Como nos pasa a muchos músicos, me pasó que el anteaño en una época escuché solamente a Ramón Ayala. Entré en una especie de trance. Yo conocía diez de sus canciones, y me empecé a meter en su obra de lleno, a analizarlo compositivamente, a tratar de entender desde dónde componía así un tipo sin una formación musical técnica. Es un melodista de una calidad tan grande, un creador enorme. Escuché su último disco, escuché a Cecilia Pahl con Corochiré, dedicado a él, a varios amigos haciendo temas de él, me fanaticé y lo sentía tan cerca que l compuse una canción, que es un gualambao del valle.

Paravachasqueño el Gualambao …

JL: -Después que escuché ese disco, agarré la guitarra y empecé a experimentar con el gualambao, ritmo que inventó él, y pensé, que loco porque el gualambao es de la triple frontera, más litoral imposible y veía que entraba el sol por la ventana, era invierno, un paisaje muy lindo. Y este gualambao que tiene la característica de hablar desde Córdoba y hacer un paralelo con la zona de él y su poesía, tiene un recitado. Ahí   pensamos, a quién hacer recitar que conserve la frescura del cordobés, que no fuera una voz neutra. Quería alguien que le hable con acento desde aquí, y se me ocurrió el Ají Rivarola, que rompe la estructura. Es un gualambao distinto, no hay acordeón ni instrumentos de allá sino de Córdoba

El arte del disco es muy bello, y tiene que ver justamente con el nombre. ¿Quién lo hizo?

JL: –El arte es de Milena Barbeito. Le dimos poca data, queríamos que fuera austero, fuerte y claro. Así que el arte habla del nombre del disco y también tiene nuestras caras en el disco (por primera vez en todos nuestros discos), para que sepan quienes somos. Esas fotos son de Ayelén Salerno.

¿Cómo será la presentación del disco en Córdoba?

JL: –Vamos a presentar el disco completo, con algunos invitados, qu participaron en la grabación. Habrá doce músicos en escena, y recorreremos las canciones de Cromático. Eso será todo, la música y nosotros.

Enroque presenta Cromático/ Sábado 3 de septiembre, 21 horas/ Salón de Actos de la UNC/ Pabellón Argentina, Ciudad Universitaria/ Entradas aticipadas $100, en puerta $120/ Descuento a estudiantes y jubilados

23 agosto, 2016

Entrevista a Juan Aznarez. El Mayllín presenta En La Estación, su segundo disco. Parados en el andén de la vida

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Mayllín Intervento WE

Foto: El Mayllín + Intervento

El actual trío de santiagueños residentes en Córdoba, presenta su nuevo disco, donde afianzan sus roles de compositores e intérpretes de la nueva generación de artistas de folklore. La cita es el próximo viernes 26 de agosto en el Pabellón Argentina, junto al grupo de danza Intervento.

Antes fue la casa. Ahora es la estación. Los espacios tienen que ver con esos lugares adónde el corazón dicta y pide quedarse. Los integrantes de El Mayllín (Nicolás Verón primera voz y  guitarra, Juan Aznárez segunda voz y percusión y José Cortez guitarra y tercera voz; Mayllín, término que significa manantial en quichua)  llegaron a Córdoba no hace mucho tiempo para estudiar en la universidad, desde Santiago del Estero y editaron su primer disco (La Casa, 2014) apenas instalados aquí. Todavía tenían en sus narices el perfume del lugar donde nacieron y crecieron, y con éste, un bagaje de sentimientos de desarraigo, nostalgia y expectativa de empezar en otra ciudad, otra historia.

Ahora, como trío (Isaías Villegas, violinista del grupo partió a estudiar y  trabajar a Venezuela), presentan un nuevo trabajo titulado En La Estación. Allí esperan un nuevo destino, que es el de comenzar a cosechar los frutos que está dando una carrera que los pone en un lugar privilegiado: El de artistas santiagueños con una impronta que tiene que ver con lo clásico, pero con una mirada hacia los nuevos sonidos. Por eso, Juan Aznarez (que toma la posta en esta entrevista) dice: “Creemos que tiene que ver con la necesidad natural de cada músico de darle una impronta propia, algo de lo se vive en un momento determinado. Igualmente nunca hay que perder de vista aquello es necesario cuidar y mantener, que es el legado de nuestros mayores, quienes conocen y han vivido una historia vinculada a nuestro pueblo, a nuestra tierra y a nosotros mismos”.

En La Estación contiene 14 temas, de los cuales ocho son de los integrantes del trío (“Coplas del tierra” y “Cuando la sangre destierra” de Nicolás Verón; “El Confín del Agua”, “Hace cuando”, “Hacia el amanecer”, “Ahí  va el hombrecito”, de Juan Aznarez; “Dos Rieles, Mil flores” y “Como plumas”, de José Cortéz. Los demás son clásicos de hoy y ayer en las plumas de Julio Argentino Jerez (“De mis pagos”, que abre el disco en una versión cuyos arreglos la traen al presente, y anuncia lo que vendrá en los próximos tracks); Oscar Valles y Guillermo González (“Sacha Puma”); Cristóforo Juárez y Cuti Carabajal (“Corazón de Penca”); Daniel Patanchón con “Lapacho en flor” y Jacinto Piedra con “Salsa por la paz”. Jacinto, no podía faltar en un disco de El Mayllín. La renovación que trajo el músico santiagueño al folklore viene a confirmar que aún quedan vestigios de su tarea, y la primera voz de Nicolás Verón, trae un cierto recuerdo a su registro, y emociona al escucharlo.

También hay una canción de Luis Alberto Spinetta, “Al ver verás”. Participan como invitados Paola Bernal y el Dúo Coplanacu; el violinista Pablo Aznares y el percusionista Mariano Paz. El disco fue grabado en Córdoba y editado a través del INaMu (Instituto Nacional de la Música). El diseño de tapa es de Agustín Touriño, hijo del recordado artista plástico santiagueño Rafael Touriño Cantos.

El Mayllín presenta su disco En La Estación, el próximo viernes 26 de agosto en el Salón de Actos del Pabellón Argentina (UNC) en Córdoba, junto al grupo de danza Intervento, dirigido por Chiqui La Rosa.

Juan Aznarez sigue respondiendo las preguntas de Boletín Folklore.

La estación donde se para El Mayllín en este momento tiene que ver –según dicen ustedes- con “lo establecido como nuevo o viejo en el mismo instante”. ¿En qué lugar y espacio exacto están ubicados hoy como intérpretes y compositores?

Juan Aznarez: –El momento de plantear un disco te lleva directo a esa pregunta: quiénes somos, dónde estamos parados ahora… obviamente uno es, va siendo y se encuentra puntualmente en un tiempo y lugar, pero se sienta a pensarlo un poco más en momentos como éste. Cierto es que hay muchos tiempos adentro, muchos lugares también  y cuando hacemos algo se aparecen, se presentan porque son parte de uno. Creemos que en este tiempo, en la ciudad de Córdoba, se ve una riqueza muy importante en cuanto a expresiones artísticas, costumbres y paisajes que se encuentran entre sí y dan forma a algo nuevo. Nosotros como intérpretes y compositores estamos parados ahí, en ese collage de cosmo-visiones y en una búsqueda propia, en una estación que nos invita a viajar, a ir y volver por los andariveles.

¿Qué cosas sucedieron entre La Casa y En La Estación en el alma de El Mayllín?

JA: –El cambio más profundo fue sin dudas el de la composición de los integrantes ante la partida de Isaías Villegas. Él tocaba el violín, cantaba y también componía. Esto reconfiguró al grupo totalmente, ahora en formato trío tuvimos la necesidad de poner un plus cada uno desde nuestro lugar para compensar esa ausencia. Resulto algo nuevo y que estamos disfrutando mucho porque nos permitió un nuevo sonido y este disco que estamos presentando.

El disco contiene clásicos y también canciones propias, ¿qué inspiró esas canciones?

JA: –Pueden ser muchas cosas las que nos inspiraron estas canciones, quizá no tantas, o pocas, lo cierto es que uno se deja afectar completamente, se conmueve hasta lo último y sale lo mejor que uno tiene en ese momento. Como dijo el amigo Beethoven la música representa exactamente lo que sos en un momento determinado. En términos más generales creemos que nos encuentra, como decía anteriormente, en ciertas búsquedas personales y grupales porque cada quien compone la canción en su casa pero cuando está terminada y la escuchamos los tres es como que encontramos una sintonía común, algo que ya la hace del grupo y a la que el grupo también le aportó algún sonido.

¿Por qué incluyeron “Al ver Verás” de Luis Alberto Spinetta?

JA: –Habría que responder a esta pregunta por dos lados. Primero tratando de explicar nuestro gusto, o mejor dicho, nuestra pasión por el Flaco. Siendo que somos músicos santiagueños y que mamamos de nuestras raíces musicales de Santiago hemos tomado la decisión de irnos de nuestro lugar, de movernos (con la ayuda de nuestros padres vale recalcar), atraídos quizás por cosas diferentes, nuevas, rumbo a una ciudad importante como Córdoba. Esta inquietud quizás ayuda un poco para entender lo que nos pasa con músicos como Luis Alberto Spinetta… no es muy cercano a las formas tradicionales de nuestra música, sin embargo nos llamó la atención desde chicos, nos deslumbró y su estilo marca nuestro camino en muchos sentidos. “Al ver verás” es para nosotros una obra maestra del Flaco como tantas otras, ésta no tan conocida quizás. Es una canción de amor, como muchas de él, solo que tardás un poco en darte cuenta. La letra es muy fuerte habla de ver ahí donde está el motor que mueve todo y que a veces es difícil de ver, puede ser porque estamos mirando sin ver. Es ver ahí donde esta ese amor que estalla y no hay nada que lo pueda frenar, ni un refugio, ni una máscara, el amor que brota inocultable y nos marca. En un instante derrumba todo “…y sin armas.”.

 ¿Hay algunos invitados en el disco, como fue esa comunión con ellos?

JA: –Aprovechamos para agradecerles y decirles que son grandes referentes, que nos marcan el camino y que es para nosotros un honor que canten en el disco, le da magia al trabajo. Contar también lo hermoso de encontrarnos con ellos y la soltura y naturalidad con que se dieron sus participaciones. Mucha predisposición por parte de ellos, también mucho talento y oficio.

El disco fue editado por medio del INaMu ¿cómo fue ese proceso de selección y cómo ven este tipo de gestiones para los artistas independientes?

JA: –Es una herramienta extraordinaria conseguida por el esfuerzo de músicos y la iniciativa política de quienes impulsaron y decretaron la ley de medios. Es una ayuda para todos los músicos independientes, es federal, no importa qué música haces. Lamentablemente el AFSCA fue disuelto y era el organismo a través del cual el INAMU se financia. Según nos han comentado representantes del organismo los programas continúan aunque no tenían certeza de hasta cuándo.

¿Qué nos pueden decir del diseño de tapa de Agustin Touriño?

JA: –Es el siamés visual de lo que suena. Nos sentimos representados absolutamente con la imagen que nos hizo, a su vez tiene un plus que es su gran talento y sensibilidad para captar lo que está en lo más hondo. Agustín es un hermano y un artista visual con una proyección enorme con quien también tenemos el honor de compartir

Intervento formará parte de la presentación del disco. ¿Cómo llega la agrupación de danza a la vida de El Mayllín y cómo será el espectáculo?

JA: –Nos encontramos por el hecho de compartir un circuito enorme de artistas que hay en córdoba pero que a la vez siempre hay algún conocido, alguien en común por eso que tiene el arte y la cultura de hilar a la gente. Chiqui La Rosa es un compañero y amigo nuevo relativamente, sin embargo se vinculaba hace varios años con el artista plástico Rafael Touriño, quien por otro lado conocía a nuestros padres y a nosotros mismos desde que éramos changuitos. Se formó un grupo hermoso, lo llamamos Intermayllín entre nosotros… nos divertimos mucho trabajando juntos.

Para la presentación del disco, proponemos un show con un trabajo conjunto entre varias disciplinas artísticas que se integran en un todo. Habrá proyecciones, iluminación, danza, poesía y música trabajados con un criterio estético común. Abordaremos el repertorio de este nuevo disco y también otros clásicos en un espectáculo de 2 horas, aproximadamente

Pao De Senzi

El Mayllín presenta “En la Estación”, Junto al grupo de danzas Intervento  / Viernes 26 de agosto, 21 hs/ Salón de Actos del Pabellón Argentina/ Av. Haya de la Torre s/n Ciudad Universitaria/ Entradas anticipadas $80/ Promo: entrada + Disco $180 en Punta y Hacha [Belgrano 612]

Ver video “Lapacho en Flor”

16 agosto, 2016

Clara Cantore y su nuevo disco, Calma. “Queríamos trabajar sobre la canción folklórica, más que sobre el folklore de raíz tradicional”

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clara cantoreDesde hoy, el nuevo disco de la intérprete y multi instrumentista cordobesa, producido por Raly Barrionuevo se puede conseguir en todas las plataformas digitales. La presentación en vivo será en octubre en Buenos Aires y en noviembre en Córdoba. Antes, Clara habló sobre su Calma con Boletín Folklore

La calma puede llegar de distintas formas. En un estado del alma, en una posición nueva frente a la vida, o en forma de canciones. Parte de ello fue lo que Clara Cantore definió en el título de su nuevo disco. La calma que encontró después de la tormenta, en una disciplina de yoga que practica diariamente y donde sólo encuentra eso que anhela.

El nuevo disco de la multi instrumentista e intérprete cordobesa, será lanzado hoy, martes 16 de agosto en todas las plataformas digitales, de acuerdo a una nueva era comunicativa para edición y lanzamiento de discos. No obstante, el primer corte de Calma, “Caminante de las estrellas”, en el que participa Raly Barrionuevo viene sonando ya, en forma de video desde hace unas semanas. Raly fue el encargado de la producción y dirección musical del disco, junto a Clara.

“Si, vos sabes que las plataformas digitales es algo que acá en nuestro país  no está muy usado, no es tan habitual consumir música en formato digital sobre todo Spotify, en cambio en Europa compran y consumen discos a través de esas plataformas y es muy común lanzar discos allí. La idea es llegar a muchos lugares,  hoy día un disco en formato físico dejó de ser un negocio para el artista y más para las discográficas, así que ésta es una  buena forma de mostrar la música y que se difunda. Esto que existía hace un tiempo de copiar discos, que se veía como un delito, y en realidad el que sube a la web hoy el disco es el mismo artista”, dice Clara pensando en los nuevos tiempos, y craneando el lanzamiento de su nuevo trabajo (el tercero, luego de Mentiras Criollas junto a dúo Gonzalo Pereira y Ser tiempo del 2013), para octubre en el CAFF de Buenos Aires. Luego, girará por el país y cerrará la ronda con una presentación el 4 de noviembre en la ciudad de Córdoba.

Calma ha sido producto de un tiempo de reflexión ente un viaje revelador y Japón y una gira por Europa, adonde la artista fue a mostrar su música. Con el país oriental fue su primera experiencia, mientras que con Europa ha tenido una relación fluida a partir de su residencia en Alemania y España, lugares donde también estudió música.

Clara Cantore: –Yo había viajado, había vivido en Alemania, y ese era mi parámetro de otra cultura, por ahí uno se va a España y encuentra otras costumbres pero en definitiva el idioma es el mismo, pero Japón era directamente otra dimensión, son duros para hablar en inglés, entonces había que tener una traductora todo el día, o alguien que hablaba español, era un lío, por ejemplo tomar transporte público, o compartir cosas cotidianas. Entonces… la música era la conexión, era lo que hacía que compartiéramos lo mismo sin necesidad de hablar, eso me alucinó, uno siempre dice que la música no tiene fronteras, y esas cosas, pero vivirlo así directamente fue una experiencia increíble.

En el disco, además de Clara en voz, coros, guitarras de nylon, guitarras acústicas de acero, ronroco y bajo, participan José Gómez en batería, bombo legüero y cajón flamenco; Emilio Pasquini en bajos; Sebastián Freiría en guitarras eléctricas; Mauro Ciavattini en saxo soprano y quenas; Diego Semperena en congas y batas y Diego Bravo en teclados. El Cuarteto de cuerdas Magnolia* puso su talento en los temas “La Claridad” y “Normal” y como invitados especiales, además de Raly, están los chilenos Magdalena Matthey en “Deja Correr” y Nano Stern en “La Claridad”

En cada tema de Calma, hay un paisaje, a veces humano, otra natural. Son diez canciones, nueve compuestas por ella y una “Noche”, de Manuel Castilla y David Zamar. En sus canciones Clara se pronuncia en pos de lo que su cotidianeidad le brinda, esto es el campo y la ciudad, la urbanidad y el paisaje agreste. Todo confluye en Calma, y en sus canciones, donde las melodías y la voz de la intérprete proponen una escucha que invita a regresar a cada track del disco una y otra vez.

El tema Calma tiene algo de aquello de que luego de la tormenta…

Clara Cantore: –Si, ese tema en realidad y todo el disco fue concebido hace unos meses, en una época de mi vida penosa, digamos que todo a  mi alrededor era un gran caos, y comencé una práctica de yoga, que se llama Yoga Ashtanga, y la podés practicar estés donde estés…. No existe un lugar físico para hacerlo, así que, el espacio en el que que encuentro esa calma es allí.

¿A partir de ahí salieron las otras canciones?

CC: –La mayoría de las canciones las compuse entre la vuelta del viaje a Japón y este año, fue muy loco porque el disco lo terminamos antes de irme a Europa, es decir, se hizo entre octubre del año pasado y mayo de este año. Esos meses fueron muy movilizadores  y más con este viaje al otro lado del mundo, a otra cultura.

El disco lo produjo Raly Barrionuevo, y además se edita a través de su sello, Trashumante. ¿Qué aportó él a este trabajo?

CC: –Entre otras cosas, el arreglo el disco, le puso su impronta, básicamente, lo que queríamos hacer era trabajar sobre la canción folklórica más que sobre el folklore de raíz tradicional. Queríamos ampliar un poco el horizonte, y Raly viene trabajando sobre eso hace rato, entonces puntualmente arregló temas, y me dio otros consejos que a mí me ayudaron mucho. En realidad en otros discos míos, yo sentía que los arreglos, mi voz, las orquestaciones, iban para el mismo lado y fuimos hablando de esto, y él sugirió llevar al disco hacia un horizonte, donde estoy yo pero claramente hay otra mirada que refresca el oído. Esa fue una búsqueda… mi primera experiencia con el disco fue con el dúo que formaba con Gonzalo Pereira, era una niña, que no tenía idea de producir un disco y justamente una de las cosas que me quedó pendiente de ese disco, fue empezar a manejar un poco más los sonidos porque era todo el tiempo cello y guitarra, o mi voz sonando igual.

En “Caminante de las estrellas”, el primer corte de Calma, hay una frase que dice, no te vayas a resbalar… como si todo el tiempo estuviera a punto de caerse el protagonista, ¿de dónde surge la historia de este personaje?

CC: –Todo el mundo me pregunta para quién escribí Caminante…, al principio que había sido una fantasía, aunque después me fui dando cuenta de que en realidad todos los adjetivos que usa, la descripción del personaje no necesariamente hablan de un hombre, bien podría ser una mujer… . Así que cada uno pude sentirse como ese caminante. A lo mejor lo escribí también en un momento en el que yo misma estaba haciendo equilibrio en esa línea tan delgada entre la locura y la cordura.

Tenés invitados de lujo en el disco, además de Raly y Magnolia, dos chilenos como Magdalena Matthey y Nano Stern

CC: –Con Magda, nos encontramos a esta misma altura del año en el 2015 en un festival de mujeres en Chile, ella tiene una voz hermosa, me fascina su voz, y también lo que escribe. La incluí por el hecho de tener en el disco ese registro exquisito y porque es mujer, ya que había varios hombres. Con Nano Stern, hemos entrado en contacto a través de amigos en común, fue súper piola y ya quedamos para hacer algo en Chile juntos.

Todos los temas del disco son tuyos, menos Noche, de Castilla y Zamar, ¿por qué elegiste ese tema?

CC: –La mayoría de los temas ya me vienen acompañando en el vivo hace rato y esa es una canción que hace tiempo vengo tocando, es  sobre un niño que crece en el ambiente de los mineros, no en la actualidad  de las nuevas mineras, sino en tiempos pasados, y en un ámbito insalubre. Entonces su madre ve que el niño juega con los elementos del padre e irremediablemente va camino a ser un minero… y Castilla le pide que le cuente historias de terror para que no se convierta en lo que es su padre. Para que el niño nunca se te vuelva minero, dice en la letra.

Pao De Senzi

Clara Cantore presenta Calma 

Presentación en Buenos Aires:  Domingo 2 de Octubre, 21.30hs/ Club Atlético Fernández Fierro (CAFF), Sánchez de Bustamante 772, Almagro. Invitada Especial: Georgina Hassan  Entrada $120

En Córdoba 4 de noviembre (pronto más Info)

Calma ya está disponible en tiendas digitales y a través de @DiscoTrashumante.

http://www.discotrashumante.com/#!/-clara-cantore/

Spotify: https://goo.gl/YrGjnt
YouTube: https://goo.gl/1YDeag
Amazon: https://goo.gl/TcY6lK

Facundo Herrera, director de Emepeá: “La música como un arte en movimiento. Ese es el concepto central de Emepeá”

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Mañana, martes 16 de agosto se lanza oficialmente en el Nd Teatro de Buenos Aires un nuevo sitio de información musical, bajo la idea y dirección de Facundo Herrera, Santiago Giordano como editor responsable y un grupo de periodistas de distintos medios. Será un nuevo espacio de comunicación y difusión para los artistas de la música popular donde convivirán el folklore, el rock y el jazz entre otros géneros.

En tiempos en que la música popular vive en las redes y convive con lo digital (esto es, apoyando la difusión e informando)  es indispensable salirse de los cánones establecidos y modernizar, sumar y apoyar nuevas formas de comunicación. Las plataformas digitales hoy sirven para publicar y presentar nuevos discos y conciertos en vivo, sin la necesidad de moverse del lugar donde uno se encuentra, y así llegar hasta los sitios más impensados del planeta. Es un tiempo en que las ediciones de los medios de comunicación que nacieron en formato papel han sumado web renovadas donde tanto artistas como comunicadores y público pueden interacturar y participar activamente. Entonces la información fluye y es más rápido y fácil llegar a ella.

Un grupo de periodistas y gestores culturales ideó un sitio web donde la música popular (en sus distintas variantes de género, rock, jazz y principalmente folklore) estarán presentes. Se trata de Emepeá (con la palabra escrita tal como suena). Dice el speach de lanzamiento que  “Emepeá es un nuevo medio periodístico digital, el más completo sobre música argentina. Un espacio dinámico y profundo, con noticias, entrevistas, críticas, agenda, debate y análisis. Con mística de revista y dinámica web. Con espacio para reflejar toda nuestra diversidad cultural, incluso aquello que no encuentra lugar en los medios de comunicación tradicionales”

Los responsables de esta aventura digital son Facundo Herrera (director)
Santiago Giordano (editor) y los redactores Patricio Féminis, Karina Micheletto y Maby Sosa (todos talentosos periodistas de diferentes medios). En comunicación y redes, estará Julieta Erdozain. En programación y diseño web, Amplifica.com.

Facundo Herrera (periodista y productor riojano residente en Buenos Aires desde hace años) es quien toma la palabra para contar de qué se trata este nuevo proyecto que mañana sale a la luz en la web y se presenta al público en el ND Ateneo de Buenos Aires.

Facundo Herrera: –Esto surge en principio por una idea que a mí se me ocurrió, de acuerdo a los cambios políticos y culturales de hoy, y al haberse movido algunas piezas, con algunos amigos pensamos que es el momento de ir para adelante, de ser creativos y también optimistas. Pensé primero en armar una revista gráfica que pudiese encontrar en los quioscos del país, entonces le escribí a Santiago Giordano, y le pareció una buena idea. Pero cuando nos juntamos  empezamos a ver que lo gráfico implicaba una inversión inicial mucho más amplia y también que la distribución nacional iba a ser bastante compleja. Ahí fue cuando empezamos a idear una buena web de música, cambiamos el rumbo, investigamos cómo era el tema y arrancamos. En principio el proyecto se iba a llamar Revista Negra, pero como ya hay algunos nombres similares, tanto en radio como en gráfica, decidimos buscar un nombre alternativo con el resto del equipo y así nace Emepeá. Cuando decidimos quiénes nos iban a acompañar en esta aventura,  coincidimos en los nombres que después convocamos. Con muchas ganas ideas y demás, comenzamos a darle forma a las secciones que nosotros considerábamos eran importantes y tenían que estar en la web.

NdeR: Las secciones de Emepeá son las siguientes: Personajes Entrevistas, Críticas De shows, discos y libros; Agenda actualizada periódicamente; Novedades; Temas Investigación y análisis; Play Video o audio anticipo de un disco; El convidado Un artista habla sobre otro artista; Versus Opiniones encontradas; Así fue Cómo se hizo una canción, un disco, un concierto y Antros Lugares que elige emepeá para escuchar música, bailar y comer

Facundo: -Entonces nace un poco como símbolo de aquel MPA, aunque no inspirado específicamente en aquel movimiento, sino con un nombre que es muy simbólico, en el sentido de que la gente pueda movilizarse a través de nuestras publicaciones

Además, creo que tiene que ver con la amplitud de ideas y opinión, e información…

Facundo: -Y también queríamos, como ya hay muchos espacios de géneros específicos (rock, tango, folklore), ver de qué manera ocupamos un lugar que sea común para todas las músicas de consumo popular. Por supuesto que tenemos más folklore porque hay una actividad tremenda y estamos más cerca de este movimiento, pero acá va a haber jazz, rock,  tango, etcétera. También pensándolo bien, es eso que planteaba el Chango  Farías Gómez, de ver la música como un arte en movimiento. Ese es el concepto central de Emepeá.

De qué manera van a articular de forma federal el sitio, ya vimos algunas presentaciones, en las que participan artistas de todo el país, y Latinoamérica….

Facundo: –Una de las premisas que tenemos es federalizar el sitio y eso lleva su tiempo, no por una cuestión de voluntad sino de realidad económica. Todos vivimos en Buenos Aires, así que lo que vamos a hacer es sumar a gente de cada provincia que consideramos se identifica con esta idea y esta gente va a colaborar con el sitio. Vamos a intentar que toda la actividad musical del país tenga lugar por igual en el sitio. Por ejemplo, ahora arrancamos con una nota homenaje al Chango Farias Gómez,  recorriendo su vida, ya que Emepeá es un sitio cuyo nombre direcciona directamente a su música, pero si por ejemplo hay un artista cordobés como José Luis Aguirre, que presenta su disco en un teatro de Córdoba, estará en el mismo nivel de relevancia que el Chango. No vamos a hacer un sitio desde Buenos Aires y con secciones del interior. Nada de eso, todos tendrán el mismo espacio en Emepeá

¿De qué manera  se sustentará económicamente Empeá?.

Facundo: -Un empresario amigo que es un soñador, un tipo muy sensible a la cultura, que cada vez que tengo un proyecto nuevo se convierte en un inversor de ese proyecto, en este caso, nos brindó los recursos básicos como para arrancar, esto es para los primeros viáticos, el diseño y la web,  todos estamos ad honorem hasta que el sitio comience a funcionar y ojalá luego podamos ser autosustentables, pero para los gastos básicos, está  Fernando Pini, siempre atento, ya conoció al equipo y él está detrás de este proyecto apoyando desde este costado como parte del financiamiento.

Hablabas de que habías pensado en hacer una revista y nos sólo por los costos sino porque la gente y los diarios se están volcando a las ediciones digitales. ¿Ves que hay una nueva tendencia a leer y escuchar música en la web antes que en formato físico?

Facundo: –Si, aunque respecto al disco, cuando te llega digital te llegan todas las canciones, y no te llega la información completa. Las revistas digitales han llegado a un momento en que si, pueden ser similares en calidad al papel y facilitar la información y la fuidez de la misma; el disco no, si te llega de forma digital es más difícil que tengas toda la data y la ficha técnica, o aprecies el arte de tapa, etcétera. Aquellos que amamos los discos en formato físico, tocarlos, sentir el olor del papel nuevo, la foto del artista, bueno, eso sigue teniendo un cierto valor, aunque ciertas músicas han llegado a la digitalización total, como la que se renueva cada tres meses, de los sellos masivos, por ejemplo. Hay otros géneros que aún sostienen ese ritual de comprarse un disco, el jazz, el tango el folklore.

Entonces, resumiendo y anunciando, el martes 16 de agosto Emepeá se presentará en “estado físico” en el ND Teatro de Buenos Aires

Facundo: –Sí, lo que vamos  a hacer es un buen lanzamiento en el ND, que nos presta el espacio y nos auspicia el sitio. Tenemos más de ochenta videos de artistas que se han sumado, y después vamos a hacer la presentación del sitio sección por sección, para que la gente lo conozca,  con los periodistas contando sus notas, el público podrá preguntar cómo funciona. En vivo estarán la Bruja Salguero, Ariel Ardit y el cierre será con  Liliana Herrero.

Pao De Senzi

EMEPEÁ Música argentina en la web – Lanzamiento oficial:
Martes 16 de agosto a las 18 hs.
ND/Teatro, Paraguay 918
Entrada libre y gratuita

15 agosto, 2016

Juan Arabel: “Un ínfimo hilo de luz es pura esperanza hecha canción”

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juan arabel.jpg y trioEl músico nacido en La Rioja presenta su segundo trabajo discográfico, que conjuga el aprendizaje académico en Córdoba, la música de raíz de su tierra, y los sonidos que atravesaron su oído a través del tiempo,  de Metheny a Stravinsky, de Ramón Navarro a Spinetta. La cita es en el auditorio de Lenguas, este jueves 18 de agosto a las 21 horas

Un hilo de luz y un tiempo mejor. Un anhelo que está allí donde ese Ínfimo hilo de luz  se distingue en la oscuridad. Acaso ese sea el origen de los tiempos para Arabel, (Juan Arabel, riojano de raíz pura, y acento en las erres, que arrastra cuando habla; músico que gestó casi toda su carrera en Córdoba, del folklore al jazz y al rock de Spinetta, de Stravinsky a Ramón Navarro, sin abandonar aquella impronta riojana, del acento, las coplas,  y la tradición). Por eso en otro de los temas de su flamante nuevo disco, hay una frase que viene a confirmar éste tiempo: “Allí donde los niños vierten sus esperanzas en un cielo lejano”. Ese mismo cielo fue el que eligió Juan para estudiar la carrera dirección y compositor musical en la Universidad.  Sin embargo, su radicación en la ciudad mediterránea obedeció a buscar otros horizontes, no musicales, aunque luego ese sonido de la infancia terminó por conquistarlo completamente. La esperanza convertida en arte para homenajear a su tierra

Si alguien alguna vez se pusiera a analizar esas rutas por las que escapa la música de raíz folklórica, en Un Ínfimo Hilo de Luz están todas las respuestas. El disco, de sonido netamente riojano (cada frase, cada golpe de caja conlleva esas tardes riojanas con olor a albahaca, la figura de los niños jugando en la tierra, el paisaje coronado por el cerro Velazco, la voz de algún coplero que suena en la siesta silenciosa), por momentos se dirige hacia horizontes cercanos al jazz, como si Pat Metheny se hubiera metido a arreglar esas chayas que compuso Arabel y que hablan de ausencias, presencias y desarraigos. O esos valses donde el amor aparece en forma de perfume de flores serranas, y recuerdan a aquel puentecito de Chabuca. De repente, como si ese ínfimo hilo de luz encandilara aquel sonido, aparece una copla en la voz de Ramón Navarro que vuelve a traer al que escucha aquel paisaje riojano.

No está solo Juan, en este magnífico trabajo recién editado. La producción es suya, como también las guitarras y la batería y lo acompaña el trío con el que viene trabajando desde hace tiempo: Federico Lucero en voz, guitarra eléctrica, guitarra acústica y producción, Luciano Maro en contrabajo y Amaro Ferraris  en batería.

El riojano acaba de presentar Un Ínfimo Hilo de Luz en La Rioja, el pasado viernes 12 de agosto y ya está instalado en Córdoba para hacer lo mismo este jueves 18 en el Auditorio de la Facultad de Lenguas. Previo al concierto, el músico conversó con Boletín Folklore.

El sonido de este disco tiene una fuerte impronta riojana, y a la vez dos cosas significativas: las cuerdas son protagonistas, y la fusión le pone un acento urbano a composiciones bien de tierra adentro.  ¿Eso es lo que escucho. Que es lo que buscó Juan Arabel?

JA: –Tu percepción está muy acertada. Este proyecto tiene la particularidad de haber nacido desde dos cabezas: la cabeza jazzera y rockera de Fede Lucero, y mi cabeza más asociada con el universo sonoro riojano. Los primeros encuentros entre los dos fueron entre mates, guitarra eléctrica y guitarra criolla, y en base a esa especie de simbiosis sonora, que desde ese momento se constituyó como la raíz conceptual de todas las músicas que luego fueron surgiendo, fueron naciendo las ideas para instrumentar este disco. Me atrevo a decir que no fue buscado desde un principio, si no que fue la resultante de una serie de juntadas en las cuales se fue gestando todo de una manera muy espontánea y genuina. Recuerdo con mucho cariño que la primer canción que encaramos casi sin pensarlo fue “Carnaval del amigo”, el primer corte del disco, y uno de los temas más fusionados, ya que es una chaya dedicada a una chaya barrial que organizamos con mi barra en La Rioja y en el medio de la canción hay un solo de guitarra eléctrica. Entonces recién comenzamos a tomar noción de que lo que habíamos encontrado sonoramente tenía un peso estructural muy fuerte cuando decidimos avanzar y convocar a un contrabajista y un baterista. Después de esa etapa todo lo que vino fue siempre absolutamente nuevo. Incluso he comentado por ahí que por momento sentíamos que estábamos pegando un salto a un vacío. Y esa sensación es tremendamente hermosa, porque te genera una incomodidad y una necesidad de saber qué puede haber mas allá de lo que uno ya sabe como funciona. Y ahí, en lo desconocido, es donde muy probablemente esté tu verdad. La sustancia que puede proveerte de identidad para sustentar un proyecto de este tipo.

Hay intimidad por un lado en tus letras. Sentimientos íntimos repetidos en las canciones que también dejan ver nostalgia. (“hay un niño que lejano se despierta a vivir los carnavales”)… ¿por qué esos sentimientos?

JA: –Esa característica ha quedado pegada en mi manera de decir y ver las cosas desde siempre. Cuando comencé con la inquietud de componer canciones y de dedicarme a la música fue en una etapa de la adolescencia que me tocaba decidir qué rumbo tomaba mi vida. Y ya radicado en Córdoba, lejos de los afectos, las primeras ideas surgieron bajo esa matriz: la de la nostalgia y el desarraigo, y la necesidad de expresar esos sentimientos. Después naturalmente uno va creciendo y comienza a entender otras cosas que suceden en niveles más complejos y menos personales, como lo son las causas sociales, el fluir de las dinámicas culturales, los pensamientos políticos, etc. Ese proceso es bastante complejo y difícil de asimilar. Uno como artista forma parte de todos estos fenómenos y entrás a entender que tu rol como tal es expresarlo en términos artísticos. Desde un lugar que invite a la reflexión y a una internalización de las cosas que nos suceden alrededor. Es por eso que este disco también viene impregnado de ese contenido, a diferencia de Semillas, mi primer trabajo discográfico.

¿Qué divide ese ínfimo hilo de luz?, ¿qué ilumina?, ¿qué vislumbra?

JA: –Un ínfimo hilo de luz es ese hilito de esperanza que no muere nunca en los seres humanos. A mi me gusta mucho la imagen poética que muy bien utiliza Peteco Carabal en “Canción del Brujito”, cuando dice “por una hendija de cartón/ como un silbido helado entró”. Esa sensación es la que sentimos con Fede Lucero cuando compusimos esta canción. Cuando todo está oscuro y no lográs ver que hay adelante, por alguna hendija entre esa oscuridad va a entrar la luz y te va a dar la señal de que detrás de esa penumbra está la esperanza.

Este concepto nació a raíz de lo que te venía diciendo con el tema de escribir más allá de la introspección. En un momento muy sensible socialmente en La Rioja, cuando el pueblo del Famatina decide plantarse en contra de la megaminería contaminante, y la proyección que ese fenómeno tuvo en toda la provincia. Con un pueblo en alzamiento diciéndole no a las decisiones gubernamentales. Y esas cosas repercuten directamente en la sensibilidad de los artistas, y ahí estamos nosotros para expresarnos con canciones lo que todo un pueblo anda queriendo hacerle ver al mundo. Por eso lo de la estrofa “cuando amanece por dentro, ese canto popular, que empuja los siglos de tristeza y dolor/ es cuando crece por dentro, todo este cielo frutal, y canta la vida, la esperanza total”. Eso es un ínfimo hilo de luz. Pura esperanza hecha canción.

Quienes son los invitados?. ¿Por qué están en el disco y cómo fueron esos encuentros?

JA: –En el disco hay invitados que están pensados desde hace mucho y otros que fueron surgiendo en la etapa final de la preproducción. Por ejemplo, Ramón Navarro es uno de los invitados estelares del disco que estaba pautado desde el día que salió el recitado de la chaya “Un ínfimo hilo de luz”. Después está el Negro Cortez, un cantor y un referente riojano de esos que quedan pocos: chayero, hombre de boliche, coplero y cantor como pocos, y con un corazón enorme. Martín Molina Torres es como el negro Cortez pero de la camada más joven. Los dos fueron invitados a interpretar “Cantor vidalero”, que es la canción que a mi me identifica con el rol de vidalero y chayero para la época de los carnavales riojanos. Al último se sumó Ramón Navarro hijo con las cañas andinas. Con Ramón entablamos una amistad muy linda hace muy poco tiempo. Por eso esta canción se transformó en un momento muy especial del disco.

Después esta Luquitas Millicay en los accesorios, un gran percusionista riojano radicado en Córdoba hace mucho tiempo. Nick Homes en saxo soprano y clarinete bajo, Joel Lichtenstein en piano, Diego Clark en cajón peruano y Clara Presta en acordeón. Son todos invitados que fueron surgiendo en la última etapa de preproducción. Y después están los infaltables, los amigos entrañables de siempre: Jozho Tello en bombo legüero y cajas chayeras, Gonzalo José en sintetizadores, Rubén Ordoñez en voz y Memi Vietto en coros. Con todos ellos pasamos momentos tremendos en el estudio, quedarán en la memoria para siempre.

Este disco tuvo un proceso lago de grabación. ¿Acaso estas canciones fueron mutando a medida que pasó el tiempo? ¿De cuándo datan? ¿Cuáles fueron las fuentes de inspiración?

JA: –En realidad el disco se grabó en una semana. Lo que fue largo es el proceso de preproducción del disco. Algunas canciones ya estaban compuestas y pedían otras sonoridades diferentes a las que había impuesto en Semillas. El caso de “Era una flor”, canción que escribí pensando en Memi. “Carnaval del amigo”, “De la noche a la mañana”, “Viene zambita” y “Cantor vidalero” son músicas que ya tenía compuestas y que se adaptaron muy bien a este proyecto. Después con Fede compusimos “Dejo de raíz” (a la letra la escribí uno de los primeros febreros que vivimos con él, después él le puso la música), “Colibrí” y “Un ínfimo hilo de luz”. Estas tres canciones respaldan el lenguaje y el concepto estético que envuelve a todo el disco. Por último decidimos incluir “Para renovar los días”, ya que es el último tema compuesto de todos (tiene uno o dos años de vida). Y encuadra muy bien en el disco porque es sencilla y directa. Habla del poder significante de febrero para los riojanos, donde todo duele menos porque uno se renueva en el rito. Es una forma de decir que nuestro año nuevo en realidad comienza en los carnavales. Rubén Ordoñez supo entender con mucha sensibilidad estos conceptos y fue quien me ayudó a producir la canción. Es el único tema que llevamos al estudio sin saber muy bien que podía pasar, y paradójicamente yo siento que es el más fresco de todos.

“Entre otros nombres, el proyecto se apoya en artistas de diversas corrientes  estéticas tales como: Ramón Navarro, Pancho Cabral, Igor Stravinski, Ariel Ferraro, Ariel Petroccelli, Pat Metheny, Luis Alberto Spinetta, etc.” Eso Dice la Info de tu disco. Toda una declaración de principios? Cuál es el punto de unión de todos ellos, en Arabel?

JA: –Totalmente. Lo sincrético es lo que sobresale en la música popular de estos tiempos. Aunque creo que siempre estuvo este fenómeno en nuestra música (si vamos al caso la vidala más antigua que se conozca, si está cantada en castellano ya es sincrética por si misma), en los últimos años debido a la invasión informativa que brinda internet ha crecido considerablemente y ha tocado límites insospechados. Personalmente me siento totalmente influido por Pancho Cabral o Ariel Ferraro, de la misma manera que lo empecé a sentir en la música de Igor Stravinski o Pat Metheny. Porque creo que son artistas totalmente viscerales y directos. Cuando escucho “La consagración de la primavera” siento el mismo estallido interno que cuando escucho “Como esperando la vida” de Pancho. Ahí radica la influencia, en la manera y la decición de llevar un mensaje hacia cualquier frontera, más allá de los lenguajes y las concepciónes estéticas divergentes.

Editaste el disco a través de Umi y la Ley de Disco de la Rioja, que posibilitan aún trabajar a los músicos independientes. Hace unos días, Coqui Ortiz me decía que hoy día hay mucha mas gestión independiente, y esto trae aparejado gestiones que apoyan a los músicos, por tato, mucha mas produccion. ¿Comparado a diez años atrás, se ha avanzado en esto… cual es tu opinión?  

JA: –Pienso que hay que seguir trabajando para posibilitar cada día más la gestión independiente. No sólo los estamentos oficiales gubernamentales (Secretaría de cultura de La Rioja) o los autoconvocados independientes (UMI). Los artistas somos altamente responsables de que estas puertas puedan seguir abiertas y abrán aún más en el futuro. Un paso muy importante para mi creo que es el entenderse a si mismo un profesional en la actividad. Pretender grabar un disco o emprender un proyecto sin esta concepción es ir pasos hacia atrás, porque en la profesionalización está la legitimación de tu postura como artista, y esto abarca absolutamente todas las aristas: desde llegar siempre a horario, responder mails en tiempo y forma, armar equipos de trabajo, preproducir a conciencia un proyecto musical o un video clip, etcétera. Eso es lo que nos toca a nosotros, crear productos de calidad siempre, trabajar duro, y de esa manera podemos exigir que las entidades que proveen de ayuda para concretar dicho producto como La Ley del disco en La Rioja (que de paso agrego que me parece un hallazgo fundamental como gestión cultural, y que todas las provincias deberían tenerla) o la Umi, o Sonar en Córdoba, etc. Hagan su trabajo de la mejor manera posible. Yo estoy muy agradecido a la Secretaría de Cultura de La Rioja y a su equipo de trabajo, con Victor Robledo a la cabeza, porque han mejorado la ley dándole más cupo para más y mejores producciónes, y están llevando un plan de gestión cultural muy interesante.

Cómo será la presentación en Córdoba?, ¿Qué sigue luego?

JA: – Pretendemos mostrar el proyecto tal cual fue grabado en la medida de lo posible. Pero como siempre los músicos somos inquietos, vamos a invitar a diferentes personas que hagan lo que otro hizo en la grabación. En Córdoba estarán Juan Herrera con flauta traversa y Ewi. También van a haber algunas sorpresas a cargo de Belén Bianchi en danza, Memi cantando algunas canciones que no están en el disco. Y algunas canciónes instrumentales que formán parte ya de un nuevo proyecto con la banda. Después de la presentación, nos abocamos de cabeza a la preparación de la Ópera  Riojana “Los Alfareros de la sangre”, el 29 de septiembre en el teatro San Martín. Este hermoso proyecto dará luz para la primavera, y que forma parte de la culminación de mis estudios en la Licenciatura en composición musical de la UNC.

Pao De Senzi

Juan Arabel presenta Un infimo hilo de luz  Lucas Millicay en percusión / Gonzalo José en piano Ruben Ordoñez en voz / Alfredo Guerra en guitarras Juan Herrera en flauta traversa y ewi  Memi Vietto en voz María Belén Bianchi en danza 

Jueves 18 de agosto, 21 horas Auditorio de la Facultad de Lenguas Av. Vélez Sarsfield 187, Córdoba Entradas anticipadas a $ 120 en Punta y Hacha (Belgrano 612) y Garabombo Café cultural (Pasaje Revol 76) y $150 en puerta. Promoción entrada + disco: $200

14 agosto, 2016

Entrevista a Miriam Llano. “Canto porque siento que tengo algo para decir”

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miriam llanoPor Gustavo Grosso

La intérprete presenta su disco La Otra Voz, un recorrido por la música latinoamericana con nuevas versiones de temas populares de la música nacional y latinoamericana, boleros, rancheras y jazz latino.

“Mi búsqueda transita por la música latinoamericana, recorriendo nuevas versiones de temas populares y urbanos, música nacional, boleros, rancheras mexicanas, jazz latino. Es un repertorio ecléctico que tiene la intención de generar un clima emotivo a través de historias bien contadas en canciones”, dice Miriam Llano, quien presenta en su disco un recorrido por la música latinoamericana con nuevas versiones de temas populares de la música nacional y latinoamericana, boleros, rancheras y jazz latino.

Proponés un disco ecléctico en cuanto a los compositores de las canciones ¿Cómo fue el recorrido para darle forma a La otra Voz?

Miriam Llano: -La Otra Voz es un disco que me representa, con canciones que podrían formar una misma historia. Canciones de amor y desamor, de muchos tiempos distintos como una transición entre las distintas etapas de la vida que uno va atravesando. Elegí canciones que me conmovieron intensamente en algún momento de mi vida y que representan algo para mí.

¿Qué diferencias encontraste entre lo que fue la edición de tu primer disco, No importa la razón, y este flamante trabajo?

Miriam: Mi primer disco fue una muy linda experiencia con la que me demostré a mí misma que podía y que quería más. A partir de ahí, en “La otra voz” hubo un compromiso más fuerte con un proyecto más claro, con un grupo de músicos que pusieron todo y con la alegría de tirar todos para el mismo lado. Compartir con gente linda ese lugar mágico que es un estudio de grabación es un disfrute total y creo que algo de todo eso se refleja en el disco. Y con la suerte de haber contado con Lidia Borda como cantante invitada en el tema “De cara a la pared”, con Walther Castro tocando ese bandoneón maravilloso, se van cumpliendo los sueños…

¿Por qué cantás? ¿Sos cantante o sos cantora?

Miriam: –Canto porque siento que tengo algo para decir, porque me encanta y porque decidí cumplir uno de mis deseos más fuertes. Y también canto porque me encontré con gente que me estimuló en este camino, con intereses parecidos y miradas similares sobre las cosas.

¿Cuáles fueron los sonidos de tu infancia, tus primeros recuerdos con la música? 

Miriam: –La guitarra. Siempre los sonidos de la guitarra. Estudié guitarra varios años, pero quizás buscando un contacto con la música que me costó encontrar, hasta que empecé a cantar. Mis primeros recuerdos tienen que ver con la música popular, el folklore y la música de España y Latinoamérica.

¿Qué músicos te acompañan y de qué se trata la presentación en Bar en Vivo?

Miriam: –El jueves 18 vamos a presentar el disco con Fernando Collado en guitarra y arreglos, Gustavo López en percusión y Damián Guelerman en piano y coros. Es la misma formación que participó de la grabación de los temas del disco, con los arreglos de Fernando. Va a haber algunos temas nuevos y como siempre la idea de ir consolidándonos en este espacio de música latinoamericana de siempre.

¿Quiénes que son tus referentes de la música popular argentina?

Miriam: –Escucho todo: Mercedes Sosa toda la vida, los tangos cantados por Lidia Borda, Rita Cortese o Cecilia Rossetto. Me atrapan las intérpretes que me hacen sentir como en el living de su casa o de mi casa, a las que siento disfrutando del cantar, me gustan los bares, los lugares en los que se escucha música tomando un vinito, me gusta la energía que se recibe al escuchar. Y de latinoamérica adoro a Chavela Vargas, su decir. Lila Downs y toda su fuerza.

Miriam Llano presenta  La Otra Voz  el jueves 18 agosto a las 21 en Bar en Vivo, Niceto Vaga 5702, CABA

Nadia Zollhofer presenta su disco debut. “Siempre supe que la música estaba en mi sangre”

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Nadia Zollhofer 2016Por Gustavo Grosso

La intérprete presenta por estos días, su primer trabajao discográfico, Nadia, con arreglos y dirección artística de Nacho Abad, producción de Andrea Merenzon, y auspiciado por FUNDECUA en el marco del programa Música sin edad.

Nadia Zollhofer nació en 1994 en Buenos Aires. Proviene de una familia de músicos del Teatro Colón en 4 generaciones. Estudió piano, fagot y canto, inglés y francés en Nueva York y París. Participó en numerosos festivales internacionales de orquestas juveniles, destacándose su presentación en el Estadio Luna Park frente a una mega orquesta y coro de 2000 jóvenes en 2014. Actualmente está presentando su disco debut Nadia con arreglos y dirección artística de Nacho Abad, producción de Andrea Merenzon, y auspiciado por FUNDECUA en el marco de su programa Música sin edad.

Sos muy joven, pero perteneces a una familia de músicos desde siempre ¿Cuándo supiste que ibas a elegir ese camino?

Nadia Zollhofer: -Al principio, desde muy chica, siempre quise pertenecer a ese círculo familiar. Quería formar parte de la siguiente generación de instrumentistas del Teatro Colón como lo eran mis padres y lo habían sido mis abuelos. En mi niñez y adolescencia tuve períodos de estudio de fagot con mi mamá y mi abuelo, hasta que me di cuenta que mi constante abandono del instrumento se debía a la falta de interés. Abandoné completamente la idea de esa pertenencia familiar después de intentar en vano encontrarle el gusto al instrumento. La primera vez que subí a un escenario a cantar, a mis 18 años, descubrí por qué nunca me gustó el fagot. Mi verdadero instrumento era mi voz. De alguna manera siempre supe que la música estaba en mi sangre. No de la forma que esperaba, pero quizás mejor.

Tu disco presenta una muy variada lista de compositores ¿cómo fue la elección de los temas que componen Nadia?

NZ: –Curiosamente, nunca fui muy allegada a ninguno de los estilos de los que está formado mi disco. En mis inicios hacía más pop/rock, era la música que me gustaba escuchar. Hasta que un día me invitaron a cantar a una peña y me hice un pequeño repertorio folclórico, varios de los temas más popularmente conocidos, de los cuales de paso ya me sabía las letras. Ahí descubrí que me gustaba mucho la música folclórica. El tango es un estilo que me gustó siempre, y junto con Nacho Abad, que me hizo la producción artística, arreglos y me acompañó con el piano nos juntábamos todas las semanas para ensayar y él me iba tirando temas para probar. La idea era un rejunte de temas latinoamericanos.

¿Cómo se gestó la promoción de FUNDECUA?

NZ: –Desde hace varios años que vengo participando en dos de los festivales juveniles de FUNDECUA como fagotista. El Encuentro Internacional de Orquestas Juveniles e Iguazú en Concierto. Cuando dejé de tocar el fagot comencé a cantar, y tuve algunas oportunidades de participar como cantante solista en ambos festivales. Fueron experiencias increíbles, y cuando me enteré que la fundación estaba a la búsqueda de artistas jóvenes para producir fui la primera en la fila! Era una oportunidad que no me podía perder.

¿Qué músicas escuchas? ¿Quiénes son tus músicos de cabecera? 

NZ: –Si los nombrara uno por uno la lista sería interminable. Creo que soy una de las personas con uno de los más amplios gustos musicales que conozco. Por supuesto me encanta el folclore, el tango y muchísima música latinoamericana, ya sea salsa o un vals peruano. Pero también me gusta mucho el rock, desde los Beatles hasta algunas bandas de las más nuevas, el pop/rock es algo que me gusta mucho cantar. La música clásica también, desde siempre estuve empapada en ella, cuando era chica mis películas favoritas eran todas las de Fantasía. Creo que lo único que no me gusta para nada es la música electrónica y la cumbia.

Estudiaste piano, cantás en varios idiomas… ¿En qué lugar de la música estás más cómoda? 

NZ: –El piano fue otro instrumento que no me duró mucho, estuve un par de años, de los 8 a los 10 y me aburrí. Cuando canto elijo el estilo según el lugar. Tengo estilos de canto muy diversos: si voy a una peña elijo un repertorio folclórico. Si canto en un bar o una fiesta, canto pop/rock, Maroon5, Adele, Bruno Mars, y los más conocidos. También he ido contratada a eventos de Disney con un repertorio de las canciones más conocidas de las películas. Es sorprendente pero hay más adultos que niños en esos últimos. Los que se hacen llamar “niños de los 90”. Cada cosa es diferente, y mi nivel de comodidad también, pero no sé si puedo decir que en algún ambiente me siento más cómoda que en otro. Digamos que es distinto, pero me encanta poder tener tanta diversidad en mis presentaciones.

FUNDECUA, promotora de talentos musicales

FUNDECUA es una ONG que entiende la música como sólida herramienta de inclusión y contención social para grupos sociales vulnerables: niñez, juventud y tercera edad. Entre sus principales, acciones desarrolla apoyos a orquestas juveniles y la formación de la orquesta Música sin edad compuesta por profesionales jubilados de las orquesta profesionales. Boletín Folklore charló con su responsable principal, Andrea Merenzon, para saber por qué decidieron respaldar a los nuevos talentos musicales.

¿Por qué decidieron producir el disco de Nadia Zollhofer?

Andrea Merenzon: –Nadia se presentó en dos de los festivales que organizó FUNDECUA (Luna Park  e Iguazú en concierto), ambas presentaciones fueron muy exitosas y se destacó su calidad vocal e interpretativa. Vemos a diario cómo le cuesta arrancar a los jóvenes con su primera producción discográfica y, fieles a nuestros objetivos de acompañar a chicos y adultos de tercera edad en sus proyectos, decidimos colaborar con contactos y recursos en esta propuesta de Nadia.  La idea es continuar en esta línea de producción.

¿Qué otros discos tienen en línea de producción dentro del programa Música sin edad?

Andrea Merenzon: -A fin de año sacamos un dvd del concierto de cierre del festival de orquestas en el Luna Park en el que participan 50 orquestas y 20 coros juveniles de diferentes provincias y países. El próximo disco de solistas será en 2017  una producción mixta con varios jóvenes que han actuado en el Festival Iguazú en concierto y el Luna Park. En este momento estamos en la etapa de selección de repertorio e instrumentación.

¿Cuáles son los principales objetivos de la Fundación para el Desarrollo, la Cultura y el Arte?

Andrea Merenzon: –Entendemos la música como sólida herramienta de inclusión y contención social de grupos vulnerables, sobre todo niñez, juventud y tercera edad. Desarrollamos un programa que se llama Música sin edad, trazamos puentes entre generaciones e intentamos mejorar la calidad de vida de la gente  a través de la música. Actualmente lanzamos una campaña solidaria de recuperación de instrumentos en desuso y/o mal estado que se llama Reviviendo Música. Así los instrumentos que nos donan, los  restauramos y donamos a un chico de orquestas de programas sociales que no tiene.

 

 

9 agosto, 2016

Entrevista. Macarena Robledo presenta su nuevo disco. Corazón Radar

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Macarena Robledopor Gustavo Grosso

La vocalista y compositora presenta su nuevo disco, en el que conviven la identidad argentina y la experiencia en el exterior

Semanas después de destacarse por sus presentaciones en China y Europa, Macarena Robledo regresa a la Argentina para lanzar en la ciudad de Buenos Aires su nuevo material solista. Corazón Radar es una síntesis de la vocalista y autora. En el álbum conviven la identidad argentina de Robledo con su profusa vivencia internacional; un sonido tan propio como influenciado por el recorrido de escenarios en tres continentes.

Definís a Corazón radar como “un disco de canciones” ¿Cómo fue la génesis de tu flamante disco? ¿Cuál fue la búsqueda en las canciones que creaste para este trabajo?

Macarena Robledo: –Corazón Radar es un disco que compuse casi enteramente en una temporada viajando con la música por Asia y Europa. Los viajes son un entorno de gran inspiración: su permanente exposición a lo desconocido, a la diversidad, su aroma a aventura, la posibilidad de encuentro con uno mismo. En el caso de este disco, estaba en China cantando cada noche y tenía el día libre. Entré en un proceso creativo en el que dispuse un espacio de tiempo diario de entre 2 y 4 horas para “jugar a crear”, lo que sea que eso significara en el día. No me forzaba a producir, sino que me permitía dejarme guiar por la curiosidad o el deseo del momento. “¿Qué se te canta cantar hoy?” Broma y disparador. Fue un lujo tener y darme ese tiempo. Me interesa mucho el proceso creativo y observar lo que ocurre con la inspiración, la emoción, el trabajo. Cómo de la nada surge algo. Esa posibilidad que tenemos de materializar, de poetizar, de crear belleza donde no había nada… y su capricho: lo hagamos o no, el mundo sigue adelante. Me resulta fascinante, conmovedor.

“La canción tiene algo de irrenunciable” me dijo una vez Diego Schissi, y eso quedó en mí. En mi caso entré a la música a través de ella: Beatles, Stevie Wonder, Aretha Franlkin y de este lado Fito, Charly, Spinetta. Y a la hora de componer, ese lenguaje es el que me resulta más natural. Tengo formación en jazz, por lo que se escuchan colores “negros” en el disco, en la ejecución, en armonías, en los músicos de lujo que me acompañan. Y una curiosidad que aparece son los ritmos folclóricos como aires de chacarera, chamarrita, candombe o landó peruano. Quizás la nostalgia por la tierra en tanto viaje me conectó a eso. No fue algo buscado, simplemente ocurrió: al momento de componer afloraron esos elementos en el juego. Y no le voy a discutir a la musa, ¿no?

¿Qué músicos te acompañaron en Corazón Radar?

MR: -Pablo Motta, que es hace varios años mi compañero creativo y con quien compartimos la producción musical; Mariano Tiki Cantero y Álvaro Torres en la grabación; Tomás Fares y Mario Gusso me van a acompañar en vivo. Lujazo y regalo de la vida compartir con estos musicazos y que su sonido y su creatividad se pongan al servicio de estas canciones y le aporten tanto. En el disco también estuvieron de invitados Juan Pablo di Leone en flauta y Sergio Wagner en flugel. Un cuarteto de cuerdas con Javier Weintraub, Juan Bringas, Mariela Meza y Paula Pomeraniec.

¿Por qué cantás? ¿Cuándo elegiste ese oficio para tu vida?

MR: –Siento que en la voz hay una posibilidad de expresión tan profunda, tan verdadera, que me permite conectarme conmigo misma, con otros y con lo creativo desde un lugar de honestidad, de pureza, de autenticidad total. Es el medio que me resultó natural, posible, estimulado por mi entorno desde chica y también hacia donde me llevó la vida. Por otro lado entré en un viaje de búsqueda fascinante con el método Rabine, un sistema que aborda el fenómeno de la voz integrando conocimiento científico de áreas tan diversas como la anatomía funcional, la psicosomática, biológica, evolutiva, medicina de deporte (para el entrenamiento de alto rendimiento), aprendizaje sensomotriz, entre otras. Es una forma de descubrirnos, despertar la curiosidad y el amor por el instrumento vivo que somos. Y de ponerlo al servicio de la comunicación de la emoción, de la expresión artística, (ojalá) de crear belleza.

Llevás tu música a distintos continentes, cantás en Europa, en China ¿Qué repertorio llevás a culturas tan diferentes a la nuestra? ¿De qué se trata el Método Funcional de la Voz? ¿Por qué lo incorporaste? 

MR: –Además de mis canciones, canto algo a lo que intentamos aproximarnos como “worldmusic sudamericano”. Me gusta incorporar sonidos de mi tierra, ser embajadora de tanta música maravillosa que tenemos acá desde donde me es posible: el universo de la fusión, de ese cruce con lo contemporáneo. Creo que esa desaparición de fronteras nos atraviesa, es parte del momento histórico; y me identifica porque habla del crisol de culturas de ser porteño, lo latino, lo cosmopolita, lo globalizado y también de ser ciudadana del mundo. Así, aparecen versiones con “actitud jazzera” de autores como el Cuchi Leguizamón, Juan Quintero o Jobim, entre otros. No es casual entonces que en Corazón radar aparezcan colores de esos universos: la canción como eje, con elementos de jazz/soul y de folclores de nuestro continente.

¿Qué músicas escuchás? ¿Cuáles son los sonidos de tu infancia que guardaste para siempre?

MR: –Me interesan mucho el jazz vocal y el soul nuevos, el worldmusic latinoamericano y africano. Los clásicos del jazz siempre están a mano. De la infancia guardé en mi corazón la guitarra de mi viejo sonando antes de dormirme, fragmentos de la primavera de Vivaldi o de “Part time a lover” de Stevie Wonder que le pedía que me pusiera. Él tenía que buscarlos rebobinando en sus casettes. Era muy chica. “El amor después del amor” de Fito Paéz fue mi primer disco “adulto” cuando era una nena. Lo escuché tanto que lo pongo hoy y sé cada letra y cada solo instrumental. Luego, en la adolescencia temprana, llegarían los Beatles, y poco después el jazz.

Sos una exploradora del sonido vocal, de las posibilidades que ofrece ¿cuál es el poder de la voz?

MR: –Creo que la voz es una de las fuentes de comunicación emocional más poderosas que existe. Es un estímulo directo a la emoción. Rabine asocia y comprueba cómo el centro emocional en el cerebro está asociado a las funciones orgánicas, y su estímulo aumenta la calidad de vida. Para mí esto implica fortalecer y alimentar lo vital, la fuerza que tiende a la vida dentro nuestro y que la sostiene. Es propiciar un estado de salud que no tiene que ver con la falta de síntomas sino con la plenitud y la empatía para con uno mismo, los otros y el entorno. Explorar la voz es un modo de explorar el movimiento. Y el movimiento es vida.

8 agosto, 2016

Entrevista. Emilio Pedro Portorrico Presenta el libro Eso que Llamamos Folklore

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emilio portorrico2por Sonia Cabral

El musicólogo, periodista, investigador y difusor de la música popular argentina de raíz folklórica presenta su nuevo libro el jueves 11 de agosto en Buenos Aires

Este jueves 11 a las 20 horas en el Auditorio de la Unión de Trabajadores de la Educación, UTE de Buenos Aires, en Bartolomé Mitre 1984,  el autor, que anteriormente editara el Diccionario Biográfico de la Música Argentina de raíz folklórica, lanza una nueva propuesta cultural firmemente documentada, con gran cantidad de ilustraciones y fotos que representa un verdadero aporte a la comprensión de las raíces de nuestra música en su contexto socio-político. Un libro de más de 200 páginas, necesario y útil, con toda la información sobre la evolución del género.

El autor disertará en un panel junto a la psicóloga Silvina Luz Mansilla, y a los artistas Eduardo “Negrín” Andrade y Jorge Marziali y conversarán con la prensa y el público.

Sobre el escenario, en el cierre del lanzamiento, los músicos Gustavo Hernández, Martín Castro y la cantante Casiana Torres homenajearán al folklore con su arte.

Charlando sobre el contenido de su libro: “Eso que llamamos folklore”, Emilio Pedro Portorrico nos extiende algunas respuestas:

Cuando hablamos de raíz folklórica ¿a qué nos referimos exactamente?

EP: –Me refiero a canciones inspiradas en motivos tradicionales. Las llamo “de raíz folklórica” para no caer en el error, ya arraigado, de llamar “folklore” a lo que no lo es o de dar el nombre de algo que es muchas cosas a una sola.

“Eso que llamamos folklore” es título o pregunta? ¿Es o no folklore la música que nos representa hoy con ese nombre?

EP: -Eso que llamamos folklore es un título y al mismo tiempo es una afirmación: esto a lo que llamamos folklore no lo es. O no todo lo es. Y a continuación doy las razones de esa afirmación.  Si es o no folklórica, no lo diré yo hoy, sino que lo dirá el tiempo, que es el gran folklorizador. Si en el siglo XXII una canción es este siglo perdura, si alguien recuerda su melodía y su letra y la canta, pero no recuerda o no sabe quién o quienes la crearon, esa canción será folklore. Si no, será olvido. Y muchas de las canciones que hoy por hoy se crean, son para el olvido.

¿Acaso le faltamos el respeto al folklore si como músicos nos animamos a mezclar ritmos, sonidos o instrumentos foráneos a nuestro campo musical dejando de lado lo tradicional? 

EP: –La pregunta está formulada en términos polémicos. Yo no deseo usar términos como respeto o irrespeto. Los músicos tienen toda la libertad para hacerlo, pero que llamen pan al pan y vino al vino. Si es rock, es rock, si es reggae es reggae; y si es chamamé que sea chamamé. Ahora si hablamos de gustos (y todo el tiempo lo hacemos) no me gustan las “fusiones”. Lo que sí me parece irrespetuoso es trastornar las creaciones ajenas. Si el compositor X y el poeta Y compusieron el tema Z, tengo que respetar a esos creadores y no hacerles cirugía a sus composiciones, cirugía que en casi ningún caso es “estética”. No digo que no se hagan versiones diferentes. Pero el que quiera “innovar” o “revolucionar” que utilice capital propio. Con la plata ajena, todos somos generosos.

¿Crees que la guitarra es el instrumento totalizador de nuestra música argentina?

EP: –No lo sé, tendríamos que ponernos de acuerdo (los psicoanalistas dirían operativizar) en qué queremos decir con totalizador.

Como historiador en el libro haces un gran recorrido por los diversos períodos, desde el Martín Fierro a nuestros días, demostrando que el panorama social es el verdadero motivador de toda transformación musical. ¿Cuál fue realmente la época más creativa de nuestro país y por qué? ¿Quiénes la llevaron adelante?

EP: –En realidad no me propuse demostrar nada, sino que pretendí mostrar cómo la cultura está influida por el contexto social, político y económico de la sociedad que la produce y consume. En cuanto a las épocas, hubo en las cuales se creó “más” y otras en la que se creó “mejor”. A partir de la creación de SADAIC y del cobro de derechos de autor, se creó más, pero tal vez con más urgencia y menos autenticidad. En la etapa del boom del folklore se creaba “en serie”, pero eso condujo al agotamiento y a la saturación del público.

¿En qué momento empezamos a separarnos del folklore? ¿Fue una decisión impuesta o propia?

EP: –La pregunta está respondida en parte en la respuesta anterior. Pero en lo social, estimo que fue cuando la ciudadanía, que hasta ese entonces venía siendo de alguna manera protagonista de las tradiciones musicales y bailables, pasó a ser mera espectadora y consumidora de los bienes culturales (revistas, cancioneros, discos, espectáculos, festivales, gastronomía). Y a mi modo de ver eso sucedió a partir del golpe de 1955.

Hay escasa bibliografía sobre este tema y hay carreras que tienen como materia fundamental el folklore,  este libro, además de ser un aporte integrador y de suma importancia académica para la gente que se dedica o gusta del folklore, es un proyecto cultural desarrollado en medio de unos años de apoyo socio-político, pero se podría haber hecho en otro momento? ¿Cuál es o debería ser la función del Estado con respecto a sostener folklore en las currículas de Educación?

EP: –Yo pienso que todo lo que se quiera imponer por la fuerza generará resistencia. Por lo tanto soy enemigo de poner al “folklore” como materia obligatoria en las escuelas. Lo que sí me parece es que habría que reformar toda la currícula, sobre todo de la enseñanza secundaria, para poner el acento en lo nacional, dar lugar también a la historiografía revisionista e interrelacionar lo nacional con todas las materias –aún las ciencias exactas- dejando de enseñarlas como conocimientos aislados.

¿Cómo sigue tu trabajo después de la edición y presentación de tu nuevo libro Eso que llamamos folklore?

EP: –Seguiré intentando presentarlo en diversos puntos del país: a fines de septiembre en Mendoza, a principios de octubre en Merlo, San Luis y probablemente siga por Córdoba y Rosario. Esta tarea es imprescindible cuando uno –además de investigador y escritor- es editor de sus propios libros. También veré de encarar la tercera edición de mi otra obra, el Diccionario Biográfico de la Música Argentina de Raíz Folklórica. Estoy trabajando en su corrección y sumando casi doscientas entradas más a las 660 que tenía la edición anterior. Y estimo que ésta será la última y definitiva. Después pienso dedicarme a otro de mis hobbies, que son el dibujo y la pintura y a los que vengo postergando desde hace años. Todo esto si me queda tiempo entre estar con mis nietos, claro.

Emilio Portorrico presenta “Eso que llamamos folklore”/ Jueves 11 de agosto, 20 horas. Auditorio de la Unión de Trabajadores de la Educación, UTE/ Bartolomé Mitre 1984,  CABA/ Invitados Silvina Luz Mansilla, Eduardo “Negrín” Andrade, Jorge Marziali, Gustavo Hernández, Martín Castro y Casiana Torres

 

Las postales de Karina Beorlegui y Federico Mizrahi

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BeorleguiMizrahi

Foto Nico Foong

F

Por Gustavo Grosso

La cantante y actriz y el multifacético compositor y pianista, recrean este elogiado recital de fados, tangos y una especial selección del cancionero latinoamericano. Estarán por primera vez en el escenario de Café Vinilo y realizarán una grabación en vivo del show con vistas a una próxima placa.

Postales es un recorrido que realizan ambos artistas por el abanico musical del repertorio que los identifica desde hace años en versiones de piano y voz. Algunos de los clásicos esperados de tango y fado, pero también abriendo el juego a sorpresas de otros géneros especialmente elegidos para este show. Los protagonistas le contaron a Boletín Folklore acerca de este paisaje musical.

¿Qué muestran las Postales? ¿Cuál es el recorrido que se propusieron?

Karina: -Son Postales musicales de lugares imaginarios o reales, a través del tango como disparador principal. Aparecen el fado, la copla andaluza, la canción francesa…y la novedad de una selección realizada con el alma del gran y rico repertorio latinoamericano.

-Federico: Las postales son como paisajes musicales con nuestra impronta personal, cuya característica principal es el despojo de instrumentos que da como resultado un diálogo fluido e íntimo de la voz y el piano.

¿Cuál es la relación entre el tango y el fado? ¿Qué tienen en común?

Federico: -Esa respuesta te la puede decir Karina con más exactitud; es quien viene trabajando en las dos vertientes portuarias desde hace mucho tiempo, yo al fado lo toco a partir de ella y no demasiado, jaja.

Karina: -Siempre digo… el tango y el fado nacieron para la misma época en los distintos puertos de Bs As y Lisboa y tienen esa cadencia, ese mismo adn musical y poético de nostalgia y saudade, destino, bohemia y arrabal. Las guitarras son sus aliadas, Amalia y Gardel, sin conocerse, eran cantores incansables, Gardel cantó algunos fados -como “Caprichosa” de Froilán Aguilar que está por supuesto en el espectáculo con Fede -y me identifica desde el año 2003 en mis shows-, y Amalia era admiradora de Gardel. En Lisboa, la que fue su secretaria personal durante los últimos 40 años de su vida, me contó que le gustaba mucho “Arrabal Amargo” y “Cuesta Abajo”. Cuentan que ella comenzó de pequeña interpretando los tangos de Gardel. ¡Si no habrá similitudes!, Y puedo seguir… a lo mejor algún día escriba un ensayo… ja. Muchos años investigando y siete viajes a Lisboa…

¿Cuál es la idea que se proponen?

Karina: -Un poco se responde con la primer pregunta que me hiciste, pero puedo agregar que llegar a que el corazón del público palpite como el nuestro, en un in crescendo a través de los géneros que nos conmueven; de interpretar letristas y melodías inolvidables; que un clásico de clásicos como “Volver a los 17” de Violeta Parra te parezca un tema nunca escuchado; que se resignifique en cada persona con su diferente eco. Si algo de esto ocurre, si un espectador se conmueve, ya está cumplida la propuesta.

Federico: -Es un recorrido por lugares comunes conocidos y amados por los dos, y con la característica que antes te dije de lo despojado y el diálogo contrapuntístico entre la voz y el piano.

Venís de ser distinguida como Personalidad Destacada de la Cultura Porteña. ¿Qué compromiso te genera ese halago?

Karina: -La verdad fue un mimo y un reconocimiento que me sorprendió en un principio, pero que luego sentí que era algo que me venía muy bien, como esa palmada en el hombro de un amigo o un familiar a quien uno quiere mucho; ese aliento a seguir como hasta ahora para adelante con la misma fe. Un renovar compromiso con nuestra cultura popular urbana y como artista y porteña, me sentí premiada, distinguida. Fue un hermoso momento el de la ceremonia, donde las palabras que se leyeron respecto de mi me hicieron verme como desde afuera unos segundos y volver…fue muy lindo estar acompañada por mis amigos mas cercanos y seres queridos y en las redes sociales. Ahora, a no creérsela para nada y a seguir, me dije.

A la hora de hacer música y producir, abrís un abanico enorme de mixturas ¿por qué sos músico? ¿qué te une al arte? 

Federico: -Supongo que es por la naturalidad y espontaneidad con la que se me presentan tanto un arreglo como una melodía. Si a eso sumamos la pasión que siento al tocar el piano -sobre todo cuando es complemento de otra voz o de otro instrumento como un violín o un bandoneón- pienso que no habría otra posibilidad que no sea ésta en mi vida. Nací con el piano bajo el brazo: tocar es como caminar para mí, y siento una gran conexión con el instrumento.

¿Estás trabajando en algún proyecto discográfico, Karina?

KB: –Si, este año quiero terminar un EP (corta duración) de 5 temas donde hacemos versiones electrónicas de tango, fado, candombe, mezcladas con el sonido acústico de las guitarras de Los Primos Gabino y Flavio Reggiani en bandoneón (Fernandez Fierro de invitado) todo armado de la mano de GPilatti Dub, como para corolar siete años de trabajo junto al trío. Y por otro lado, ahora el jueves 11 de agosto en Café Vinilo, grabaremos en vivo el audio de Postales a ver si ese material resulta copado para el año que viene sacar un Disco.

Ojalá sea una hermosa función.

¿Sigue vigente la actriz en Karina Beorlegui?

KB: –Soy actriz en escena aunque quiera ocultarlo. Tanto entrenamiento y años de estudio y tablas hacen que para mí no haya otra forma de cantar que no sea desde el lugar de actriz tanto como de cantora. Interpretar es poner en escena. De todos modos estoy empezando a armar un stand up- unipersonal del tango y mi reciente embarazo como disparador… ¿qué me contás? Veremos que resulta; recién largo con eso.

Hace poco trabajaste en un proyecto acerca de la obra y la figura de Gardel ¿Por qué te subiste a esa aventura? ¿Quién fue Gardel para la música?

FM: –Es algo que aún no se había hecho aunque suene increíble. Nunca se contó su vida. Gardel fue el padre del tango, el creador del tango canción. Gardel es a nuestra música lo que los Beatles al rock inglés. El desafío más grande fue hacer una música original que no suene extemporánea de su lenguaje. El resultado es soñado para nosotros.

¿En qué andan tus proyectos musicales? (Demoliendo Tangos, Sudestada, el proyecto junto a Guillermo Fernández) 

FM: –Demoliendo está vivito y coleando, ja. Viajo a Rusia a un congreso de tango en Moscú en octubre (y empalmamos con Dinamarca e Italia). No compuse muchos tangos nuevos últimamente pero siento que aún debo terminar de dar difusión a los que tengo y sigo escribiendo nuevas versiones para el bandoneón. En este caso es Gustavo Battistessa -que vive en Turquía- quien me acompaña ahora en las giras Allí agregamos violín y cello locales.

Sos porteña, ciudad tanguera ¿cuáles son los sonidos de tu infancia que quedaron en vos para siempre?

KB: –El afilador, los bichos feos volviendo a casa al alba luego de algún festejo con amigos; mi abuelo silbando tangos como el mejor, que desde lejos se escuchaba llegar del trabajo o las compras; las chispas y brasas de los carbones quemándose en los asados del domingo; los relatos de partidos de futbol en las tardes aburridas…

¿Y los tuyos, Federico?

KB: –Sin dudas las cuerdas de Bramhs, Shubert, o la orquesta de Tchaikovsky, Malher y los franceses Ravel y Debussy; el piano de Chopin,  los Beatles y los tangos en la radio.

Karina Beorlegui y Federico Mizrahi presentan Postales, jueves 11 de agosto, Café Vinilo. Gorriti 3780, CABA,Entrada $150

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