El Blog del Boletín

28 septiembre, 2016

Entrevista. Jaime Torres: “El corazón de quien toca un instrumento es el indicador para que suene de una manera particular”

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Jaime Torres y Moo Izarrualde

El músico tucumano regresa a Córdoba para repasar su extensa carrera junto a Rubén “Mono” Izarrualde y un grupo de músicos que lo acompañan en el espectáculo “Jaime Torres y su gente”. La cita es por partida doble, viernes y sábado en Cocina de Culturas.

Jaime Torres habla pausado. No es el paso de los años, sino el devenir de sus palabras, siempre tan justas, precisas. Piensa. Tiene muchas cosas para decir, y dice poco, porque basta con esas frases cortas, para hacerse entender. Acaba de cumplir años. El día de la primavera, “el del charango”, -tal como se ve su nombre en las redes- celebró 78 años  junto a su familia, regado por el vino que lleva el nombre de Sumaj Tika (Bella Flor, en quichua), la cepa familiar que crece en el Valle de Uco y que suma un hito más a los Torres, familia de artistas y buenos bebedores.

Este año, además de la noticia del vino, Jaime tuvo un intenso recorrido por los escenarios del país y del mundo. Si bien a lo largo de más de medio siglo se convirtió en un referente del charango y de nuestra música popular, siempre tiene algo nuevo que mostrar. Llevó a su instrumento a posicionarse en la línea de los más representativos de nuestra música, pero también lo apuntaló a través de otras músicas, como el rock, lo clásico y lo electrónico. Basta con darse una vuelta por Electroplano, el disco que grabó junto con Alejandro Seoane, con texturas chillout, o Altiplano, el proyecto/disco junto a Minino Garay y Magic Malik; o por sus paticipaciones junto a Divididos, entre otros músicos de rock, o la de mediados de este año en la Ballena Azul del CCK, en una obra del compositor suizo Simon Ho “Stabat Mater”, para soprano, mezzosoprano, barítono, quinteto de cuerdas, piano y charango solista

“Estuvimos estrenando una obra de Simon Ho, un compositor  contemporáneo, con la participación, entre otros de este tremendo barítono que es Víctor Torres, Graciela Oddone, Susana Moncayo, y un sexteto  de cuerdas, piano y –también- por allí,  me han escrito algunas notas para charango. Es acercar mundos, tiempos, épocas, y la música es la misma, está ahí, y de tanto en tanto hay sonidos diferenciados, y eso es saludable”, cuenta el tucumano desde el otro lado de la línea, en Buenos Aires, a punto de partir hacia Córdoba.

Aquí lo espera el escenario de Cocina de Culturas. El viernes 30 de septiembre y el sábado 1º de octubre, Jaime Torres presentará el espectáculo Jaime Torres y su gente, con la participación especial de Rubén “Mono” Izarrualde y un grupo de artistas.

“Somos cinco en total -cuenta-. Vientos, charango, acordeón, piano,  guitarra, el Mono en flautas y mi hija Manuela en percusión y danzas”.

¿Este viernes y el sábado hará un recorrido por su carrera, ¿cómo será el espectáculo?

Jaime Torres: –Si, musicalmente es lo que estamos trabajando con esta agrupación. Empezamos un poco con las nostalgias de los años, y remontamos desde el 58 donde aparecía por primera vez un charango y un piano, y el charango como protagónico. Este instrumento se fue insertando en el tiempo y sigue hoy día, ya está tomado como parte de nuestra música. Lo importante de todo esto es que uno siga en la música, en el idioma que ha elegido para siempre

En este caso “Mono” Izarrualde es quien lo va a secundar en los vientos, ¿cómo fue este encuentro?

JT: –Siempre se encuentran músicos con ganas de hacer, de brindarse y formamos un grupo más que lindo, en cuanto al sonido y lo humano. Musicalmente la propuesta, entre muchas es, después de todo lo que hay, otra historia.

Usted ha llevado el charango a inmiscuirse en sonidos muy distintos a los del folklore. Por ejemplo, grabando discos electrónicos o chillout como Electroplano. El Tantanakuy es un buen ejemplo de la amplitud que Usted permite en su arte

JT: –No fue pensado por mí, las cosas se dan cuando hay gente que tiene la necesidad de una u otra expresión. Casualmente estaba hablando hoy  con gente de Radio Nacional Folklórica, que vienen de transmitir en directo la Fiesta de la Estudiantina en Jujuy, y me decían que han visto a Jujuy con una gran apertura. Entonces yo pienso que hay algo que va indicando eso, no es que uno se adjudique absolutamente nada, sino que hay un trabajo más activo, amplio, hecho de otra manera. Y el tiempo da la razón cuando se ven tantos representantes en el arte, que antes no tenía. Pasa hoy en todos los escenarios del país

Y usted es muy abierto a participar también, a dejarse llevar por diferentes sonidos

JT: –Una cosa lleva la otra, la apertura va desde una necesidad también propia, y cuando uno escucha buena música o está con gente que comparte el mensaje, se sube al proyecto.

¿Está grabando algo en este momento?

JT: –Estamos en el trabajo de girar con esta propuesta. No sabemos mucho acerca de cuanto tiempo, pero pensamos que sería bueno llevar el espectáculo al disco, Hacer un registro en vivo sería hermoso.

¿Cuál es el mejor charango?

JT: –Depende el alma que tengas dentro, porque quizá alguno piense que el mejor instrumento sea el más agudo, o el instrumento más potente, y para otros el más suave o manso, creo que el alma, el corazón de cada uno es el indicador para que suene de una manera un instrumento

Acaba de lanzar un vino que lleva el corte propio de la familia. Un hito más en su historia…

JT: –Si, sin ánimo de absolutamente nada quiero decir que es muy rico

Pao De Senzi 

Jaime Torres y su gente.
Viernes 30 de septiembre y sábado 1 de octubre, 22hs.
Cocina de Culturas, Julio A. Roca 491, Córdoba
 Entradas anticipadas con descuento a $300 en boletería del lugar.

 

 

27 septiembre, 2016

Comentario de discos. Mariano Luque “Cosecha”. Potente y sincero

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luque-cosechaEl intérprete y compositor riojano acaba de editar su tercer disco, en que el recorre composiciones propias y algunos clásicos, con un sonido cercano a la fusión sin apartarse de las formas folklóricas tradicionales

Un fusil es una copla. Mariano Luque lo afirma en una canción de su nuevo disco, una chaya que tiene música de Ismael Velázquez y cuya letra, indaga en la cuestión del mensaje que busca el cantor, en la palabra que empuña a través de su voz. A Luque lo secundan en la grabación Paola Bernal (voz) y Rubén Patagonia en un recitado que resuena en medio del tema: “si en tu canto nada dices/ el silencio no es mala opción/ suena sincera la copla cuando no especula en su andar/ todo es política mi amigo, en la viña del señor/ No me pidas que mi canto sea sólo diversión”.

Con un fuerte acento en el bandoneón, la percusión y las guitarras, “Fusil de Coplas” –tal el nombre de la chaya – adelanta lo que viene con este nuevo disco del riojano radicado en Córdoba desde hace años, cuyos trabajos anteriores ya venían acompañando su impronta de artista que conlleva el sino del compromiso y la raíz de su tierra en su canto y su pluma.

Cosecha contiene nueve canciones, seis de Mariano Luque en coautoría con Pilly Herrera, Luis Alex y Hernán Bolleta, otras de Ramón Navarro y Roberto Piglia (Lunita Pirquinera); León Benaros y Adolfo Ábalos (Montonereando) y la chaya de José y Severo Oyola “Copla Chancada” donde participa la coplera riojana Marta Chancalay, otra de las invitadas del disco.

Fundamentalmente el disco navega con corrección sin abusar, pero en el límite, entre el sonido más tradicional y el terreno de la fusión, más cercana al rock. Sin embargo, no pierde una esencia, que está presente en todo el trabajo, y es la conexión directa con la tierra, en este caso, la riojana. Es decir, cada track conlleva algo de La Rioja: nostalgia, aroma, amor, lucha, esperanza. Eso se desprende de algunas cuestiones en las que Luque puso acento y, acaso ese sea el fundamento de este disco: decir, contar y pintar el paisaje (en sus letras y eligiendo las de otros), y no quedarse en el mero peso de la nostalgia o el homenaje.

Por eso, están la “Chacarera de los Cumpas”, que es sin más, la representación de esa comunión de los cantores de hoy, (en el disco la canta junto a Hernán Bolleta, el coautor) y la bella y directa “De Sangre, Cosecha y Rebelión”, chacarera dedicada a Enrique Angelleli, asesinado por la dictadura, cuya voz, en el comienzo estremece junto a las de los Hermanos Coliqueo de Che Joven, que cantan junto a Mariano. En la letra de “Sangre…” Luque imagina un presente que se proyecta desde la lucha del cura (“soy reflejo fértil de un pueblo sin voz”).

También están las chacareras “Tu Recuerdo” junto a Añapa Dúo y “De Acequia en luz” y dos zambas que mantienen la impronta folklórica que el riojano sabe aprovechar bien invitando a Emiliano Zerbini en “Lunita Pirquinera” y a Raly Barrionuevo en “Victoria enigma y razón”, una bella declaración de amor y devoción hacia su hija, Vicky.

Cosecha fue grabado entre mayo y agosto de 2016 en Estudio Sudeste, Liverpool. Mezclado por Rubén Ordoñez e Ismael Velázquez.

El diseño de tapa e interiores es de Noe Gaillardou

Pao De Senzi

 

26 septiembre, 2016

Entrevista a Melina Moguilevsky “Todas las voces son instrumentos”

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melina moguilevsky.jpgpor Gustavo Grosso

Melina presenta su segundo disco Mudar el 1 de octubre en Caras y Caretas. Antes habló sobre su nuevo trabajo de canciones que fueron madurando en momentos donde atravesó grandes cambios, en su vida, según le cuenta a Boletín Folklore

Se viene la presentación de Mudar, el segundo álbum de Melina Moguilevsky. Como en su primer disco, Árbola, Melina plasma una búsqueda atípica dentro del género canción, ya que deja impregnar en ésta un fuerte uso instrumental de la voz. En este segundo trabajo, si bien se continúa esa línea de género inclasificable y de usos inusuales de la voz, también se profundiza el decir de la palabra, a través de letras más directas que corren un velo y muestran a cara lavada el mundo interno de la compositora.

¿Cómo se gestó Mudar? ¿Qué camino te propusiste recorrer al momento de comenzar a darle forma a este trabajo musical?

Melina Moguilevsky: –Mudar es un disco que reúne una tanda de canciones que fueron madurando en momentos donde atravesé grandes cambios en mi vida, y donde esas transformaciones me llevaron a una necesidad de ser más directa con las palabras, las melodías… y creo que lo que me propuse fue poder plasmar en este nuevo disco esa manera de decir con la música, más directa, siendo fiel a lo que siento genuino hoy, corriendo algunos velos con los que a veces uno se “protege” de mostrarse tal cual es, o de mostrar el sentir íntimo, e intentando correrse de las expectativas, o lo que uno siente como “la mirada del otro”, e intentar mostrar realmente lo que uno es y piensa, tanto en la manera de componer y escribir como de cantar.

¿Qué pasó en tu vida artística entre Árbola y este flamante trabajo? 

MM: Muchas cosas pasaron. Pero creo que lo principal es que me permití mutar y dejé impregnar mi música y mi voz de todas esas vivencias que transformaron mi pensamiento y mi sentir. Siento que me acerqué más a mí, y a mi manera de hacer música también.

Tu voz es un instrumento ¿Cuál es el límite de posibilidades que ofrece ese instrumento?

MM: –Sí, todas las voces son instrumentos. No creo que haya límite mientras uno se pueda seguir cuestionando y preguntándose qué hay más allá… porque nunca se terminan las posibilidades. La búsqueda (expresiva, tímbrica, técnica, musical, etc) es infinita. Lo único que nos deja estáticos es el quedarnos en un lugar en automático o por inercia. Creo que la gran batalla es contra el automático, para poder estar presentes en lo que sea que hagamos, y con la voz pasa lo mismo.

¿Cómo recordás los sonidos de tu infancia? ¿Cuáles de esos sonidos te siguen acompañando?

MM: –Hay muchos recuerdos de sonidos de mi infancia entre los cuales, si me ubico en esos momentos, lo primero que se me viene a la mente son las voces de los seres queridos, los ruidos de la casa, y claro, también mucha música siempre, músicas muy distintas, de distintos países… discos y también mi papá tocando, yo cantando con él, amigos músicos, ensayos… me siguen acompañando todas esas músicas adentro mío, esa apertura que da la variedad, sentirme rodeada de música desde chica creo que ha hecho de la música una casa en mi vida.

Tu vida está habitada por la música desde que eras muy pequeña ¿por qué decidiste ser artista, por qué cantás?

MM: –Canto desde antes de tener memoria, según mi familia. Canto porque lo siento desde siempre, como un impulso… como un lugar propio. Me acuerdo que, de chica, cuando estaba en alguna situación que me estresaba, me daba nervios o miedo, mi mamá me decía antes de salir de casa: “si te dan muchos nervios cantá un poquito, que ahí te conectás con vos, te tenés a vos y te da calma”, y yo lo hacía un montón (lo sigo haciendo). Decidí ser artista porque descubrí que es lo que amo hacer, y  porque siento ese hambre por seguir buscando siempre más dentro de lo que hago. Creo que si algún día no sintiese más ese ardor, esa pasión por lo que hago, sería muy difícil seguir haciéndolo, buscaría otra cosa que me apasione, porque creo que cuando uno va con toda sobre lo que le gusta, todo se encamina y fluye en esa dirección, desde lo emocional hasta lo laboral, etcétera

¿Qué músicas escuchas?

MM: –Muchísima música distinta. Bjork, Spinetta, folklore, músicas del mundo, flamenco, jazz, voces búlgaras, música de Brasil, música contemporánea…

¿Qué músicos te acompañan y de qué se trata la presentación en Caras y Caretas del Sábado 1º de Octubre?

MM: –Los músicos que me acompañan son Tomás Fares en piano y coros, Lucio Balduini en guitarra, Ezequiel Dutil en contrabajo, Martín Rur en vientos y coros y Mario Gusso en batería y percusión. Y para esta ocasión especial, aprovechando esta hermosa y gran sala que es Caras y Caretas, tendremos muchos músicos invitados, para poder reproducir los arreglos del disco tal cual son. Ellos son Cecilia García y Estanislao Díaz Pumará en violines, Pablo Jivotovschii Paixao en viola, Lucas Argomedo en cello, Gastón Artigas en flauta traversa, Emiliano Álvarez en clarinete, Gabriel Sainz y Andrés Ollari en trompetas y flugelhorns, Manuel Calvo y Javier Mareco en  trombones.  Mudar es un disco con mucha producción, difícil de llevar al vivo. Pero al ser esta la presentación oficial del disco, la idea es mostrar la música con todos los arreglos que fueron grabados con la instrumentación que llevó en la grabación, casi tal cual. Así que tenemos muchas ganas de hacerlo sonar así en Caras y Caretas el 1° de Octubre

¿Cómo es el mundo que habita Melina Moguilevsky?

MM: –El mundo que habito… es una pregunta difícil. Me duele la realidad actual, de nuestro país sobre todo en estos momentos donde a todo se lo quiere vaciar de contenido. Pero sigo adelante con mis valores, alzando la voz para decir las cosas como las pienso y creo en el arte como un modo de hacerlo. Por suerte hay muchísimos artistas alzando la voz, y hay muchísimo talento, propuestas novedosas que abren la cabeza, mucha gente haciendo música propia, escribiendo sus letras…  Y por suerte, nuestra cultura se expande constantemente, porque hay una riqueza infinita en la gente, no importa cuánto se quiera tapar, callar o vaciar. Nosotros seguimos cantando, escribiendo, diciendo… intentando desde la honestidad del lugar de cada uno, dar ese granito de arena al mundo.

Melina Moguilevsky presenta Mudar, Sábado 1 de octubre, 21 hs/ Caras y Caretas/ Sarmiento 2037, CABA

 

23 septiembre, 2016

Entrevista. Victoria Birchner “Mi andar es transitar el sendero siempre en busca de un objetivo”

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victoria-borchnerPor Gustavo Grosso. Foto Federico Ball

La intérprete acaba de estrenar su primer disco Memoria del viento, donde participaron entre otros, Franco Luciani, Juan Falú, Jorge Fandermole, Ángela Irene y Eduardo Spinassi. Lo presenta el 1 de octubre en Rafaela. 

“Atahualpa Yupanqui habla sobre las coplas como hilachitas que el viento siembra en cada rincón que recorre”, dice María Victoria, cantora ella. Está feliz con su flamante disco Memoria del viento, su primer material como solista donde queda plasmada su identidad musical. Ella charló con Boletín Folklore, y de ese diálogo se desprenden sus ganas, su amor a la música, su destino de canto.

Comenzaste a cantar siendo adolescente, participaste del pre-Cosquín ¿Cómo son tus andares por la música? ¿Por qué elegiste la música como forma de vida?

VB: –Yupanqui habla en su “destino del canto” sobre los señalados por la tierra y yo creo fuertemente que he recibido y respondido a ese llamado sin siquiera darme cuenta, es decir, pienso que la música me eligió a mí y luego yo asumí esta responsabilidad del canto. Y vale decir, citando a la gran Suma Paz, que sentir este llamado no es ser más ni menos que nada ni nadie, es simplemente hacerse cargo de una responsabilidad y es poner el canto y la poesía por delante de la propia voz, tal como Atahualpa le aconsejó a Suma. Así es que la música es, definitivamente, mi modo de vida.  El camino comenzó mucho antes de que yo crea haberle dado inicio y una vez consciente comencé a probar, así llegué al pre- Cosquín, etapa ya finalizada y de mucho aprendizaje, por cierto. Mi andar por la música, y la vida (si no son la misma cosa), es transitar el sendero siempre en busca de un objetivo, siempre en movimiento, siempre dispuesta a las sorpresas que esta vida me va ofreciendo y, por sobre todas las cosas, caminar con tranquilidad entendiendo que las cosas que tienen que ser llegan a uno cuando se está preparado.

¿Cómo fue la génesis de tu disco Memoria del viento? ¿Qué guarda el viento en su memoria?

VB: –Este disco existió en mi mente bastante antes de empezar a hacerlo realidad. Mi personalidad y mi auto-exigencia hicieron que desde el momento en que pensé en grabar hasta el primer día de grabación pase algo así como un año y medio. A la primera persona que le comenté la idea y a quien le pregunté, literalmente, si pensaba que estaba preparada para hacerlo (porque ese era mi gran dilema) fue a Juan Falú. Juan es para mí un referente, a quien admiro y en quien confío, en su respuesta estaría para mí la verdad. Así fue que tuve confirmado mi primer invitado del disco, esa fue su aprobación y su aliento, ¡nada más ni nada menos!. Así, un año y medio después, se comenzó a formar “Memoria del Viento”. Atahualpa Yupanqui habla sobre las coplas como hilachitas que el viento siembra en cada rincón que recorre. ‘Memoria del viento’ cuenta los sonidos, los silencios y los sentires que el viento acercó a mi vida desde mi infancia cordobesa y mi juventud rafaelina – rosarina hasta el día de hoy. La creación de este disco fue un modo de registrar esta memoria, estas hilachitas de ayer y de hoy. Cada persona que participó en mi disco ha sido, y es, parte fundamental en mi camino y ahora sin dudas quedarán registrados para siempre en esta fotografía musical.

¿Qué músicos te acompañaron en tu proyecto?

VB: –El grupo estable está formado por José “Chey” Ramos en guitarra y dirección, Leo Pretto en guitarra y Franco Ochat en percusión. Pero no son los únicos sonidos de este proyecto, para mi sorpresa y para mi emoción se han sumado grandes músicos y referentes de nuestra música a este disco como Franco Luciani, quien además de participar con la armónica y el bombo fue parte fundamental de la producción, el gran Juan Falú, las voces de Jorge Fandermole y Ángela Irene, Eduardo Spinassi con su inconfundible piano, también Manu Navarro en guitarra, la flauta de José Gago, Melania Yossen en violín, Diego Rada en contrabajo, Gabriel Vallejos con su acodeón y Sergio Coppoli recitando a Yupanqui.

¿Cuáles son los sonidos de tu infancia que guardaste para siempre?

VB: –Muchos sonidos y también imágenes guardo de mi infancia, una infancia muy feliz, con mucho amor de mis padres jovencitos y estudiantes de ese momento. Recuerdo el canto de los pájaros en mi patio de césped y árboles, el sonido de las risas junto a mis compañeritos a la salida del colegio, mi loro, el silencio del mediodía al sol y, de lo más importante, el folclore.

¿Sos cantante o sos cantora?

VB: -¡Qué pregunta! La verdad es que me faltan un par de materias para que la Universidad de Rosario me dé el papel donde diga que soy cantante, jaja! Me gusta llamarme cantora, como también me gusta llamar guitarreros a mis compañeros, tal vez porque me resultan términos más afectivos y cercanos, pero la realidad es que ninguna denominación cambia lo que para mí significa cantar y cuál es el sentido y el objetivo para mí de hacerlo.

¿Cómo vivís el actual momento de la música popular, con la incursión en los escenarios de tantas nuevas voces y de proyectos musicales?

VB: –Es un tema delicado porque frente a esas preguntas es habitual la aparición de “bocadillos” fáciles y chatos, donde se critica al folclore y a los grandes festivales, y yo reniego un poco de eso. El actual momento de la música popular no está solamente en los grandes escenarios, donde no se muestra con totalidad lo que es nuestro folclore y donde por lo general se busca el aplauso fácil y el mensaje “epidérmico”, como dice Suma Paz, donde poco lugar se le da a nuestras poesías profundas, las que nos hacen erizar la piel, las que nos hacen lagrimear y la música que nos invita a la reflexión. Entonces vivo, también, los costados de esos escenarios, donde está repleto de jóvenes músicos talentosísimos que se interesan por las raíces de nuestra música, donde se producen encuentros, peñas, donde están esas nuevas voces y donde la alegría es compartida cuando un representante de esos costados pisa un gran escenario. Estos rincones nos unen, y de ese modo lo vivo, feliz y con compromiso, corroborando una y otra vez que somos muchísimos y que todos tenemos un lugarcito donde nos lo propongamos.

Viviste en ciudades importantes del país, pero siempre más allá de la General Paz ¿Cómo transitás ese país del interior?

VB: –Esta pequeña partecita del país que he transitado y que transito es mi casa, es donde me siento cómoda y donde he formado una gran familia musical, es como andar en pantuflas! Pero espero en mi vida transitar mucho más, recorrer la gran ciudad pero también nuestros caminos norteños, los pampeanos, los de cuyo y seguir aprendiendo, escuchando músicas y agrandando esta infinita familia.

¿Quiénes son tus referentes musicales?

VB: –Como antes contaba, algunos de esos referentes son parte de esta Memoria del Viento como por ejemplo Jorge Fandermole y Juan Falú, lo que me produce una grandísima emoción; admiro al Cuchi Leguizamón y a Manuel Castilla; pienso que Teresa Parodi es una gran referente de nuestra música, que su poesía es muy necesaria; y mi grandísimo inspirador y guía en el camino no solo musical es, sin dudas, el enorme Atahualpa Yupanqui.

Victoria Birchner presenta “Memoria del Viento”/ Sábado 1 de octubre, 21.30 hs/ Teatro Lasserre, Rafaela

 

 

22 septiembre, 2016

Entrevista: Los del Portezuelo presentan su tercer disco en Córdoba

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los-del-portezueloLa Agrupación salteña recorrerá las canciones de su último trabajo producido por Marcelo Predacino. La cita es en Quality Teatro

Cuando uno llega a Salta por tierra, lo primero que ve es una magnífica postal de la ciudad, desde lo alto de la cuesta, con el horizonte circundando el Valle de Lerma. A decir verdad desde allí, desde El Portezuelo se ve el valle salteño en su esplendor, y es uno de los mejores recibimientos. Como una extensión musical de ese valle y de ese lugar tan especial, la agrupación formada por Juan Martín Mateo, Agustín Day, Gonzalo Mateo y Francisco Oliver, ha hecho del canto salteño, un homenaje a los clásicos de ayer, enfundados en los sonidos de hoy. Los del Portezuelo se formaron hace unos años, y han recorrido un camino intenso con tres discos Sólo se trata de vivir (2011), Nosotros (2012) y en 2015 editaron su tercer trabajo discográfico, homónimo.

“El disco lo venimos presentando desde marzo del 2015, en Buenos Aires, Salta, Tucumán y en Córdoba lo hicimos en algunos lugares pero como invitados -dice Agustín, anunciando ya la presentación de este viernes en el Espacio Quality-, nos viene trayendo alegrías y nos abrió algunas puertas, como la consagración en el Festival de Baradero (Buenos Aires), es mucho trabajo el que venimos haciendo y éstas son las alegrías que te lo van pagando”.

El nuevo disco de Los del Portezuelo fue producido por Marcelo Predacino, músico y productor, que ha trabajado y lo hace aún con artistas como Soledad y Abel Pintos. También participa como invitado el prestigioso Lito Vitale.

Este disco fue producido por Marcelo Predacino. ¿Cuál fue su aporte?

Agustín: –Marcelo viene tocando con artistas de renombre, es una persona con mucha experiencia. Lo conocimos hace un tiempo en los festivales y tener la oportunidad de preparar un disco con él, y de sacarle un mejor jugo no sólo al disco sino a las canciones, fue impagable. Marcelo fue la persona indicada, no hace sonar un disco como él quiere sino que hizo sonar al grupo como lo que es realmente. Lito Vitale llega porque Marcelo le mostró lo que veníamos haciendo en el estudio, le gustó y sumó su piano a una de las canciones que compusimos nosotros.

En cuanto al repertorio, dice Agustín que “el disco tiene doce canciones las  cuales nueve son nuestras porque creemos que esa es la mejor forma de comunicar lo que sentimos, y hablar del amor en distintas facetas, contadas de distintas maneras y perspectivas. Las canciones hablan del amor, el desamor, la fantasía, y con la forma en que fue aportando cada uno con sus letras y su melodía”.

¿Quién compone en el grupo?

Agustín: –Es un trabajo en equipo, cuando uno tiene una letra pensada o una melodía, por ahí nos juntamos a hacer música y si sale algo, la vamos completando entre todos, por un lado es una forma linda de trabajar porque se comparte mucho y en grupo

¿Cómo llamarías esa identidad que tiene el grupo?

Agustín: – “Portezuelo”, porque no tiene muchas formas de definirlo, de verdad creemos que cuando hacemos folklore tradicional o canciones latinoamericanas, tratamos de que todo suene a nuestro estilo, a que tenga algún aire folklórico y algo más de sonidos actuales. Lo fuimos madurando en este tiempo, como en los sonidos, los instrumentos y las voces

Y este disco ya está madurando, ¿cómo se ven ustedes en esta etapa?

Agustín: – Sin duda, más seguros y afianzados, por ahí cuando uno vive adentro del laburo constante no se da cuenta pero si miramos desde lejos, hay cuestiones en las que nos sentimos más seguros, el trabajo se nota, pero la gente es la que nos da la medida de que estamos haciendo las cosas bien

A partir del folklore de los noventa han salido muchos grupos nuevos, vocales, instrumentales, sobre todo de Salta. Esos grupos ahora han tomado un camino independiente de esa música para crear un estilo personal, al parecer, ¿lo ves así?

Agustín: –Sí creo que es muy sano, está muy bueno que eso pase, porque por un lado está la identidad fuerte de los grupos tradicionales, que por ahí tratan de defender o seguir fomentando un folklore con sonido tradicional, que es súper necesario hacerlo porque es de dónde venimos, es bueno que a los  salteños se nos identifique con esa raíz , pero también es bueno ser parte de una corriente nueva y poder proponer ritmos y arreglos novedosos, y que a la gente le permita ir a la variedad …

¿Cómo sigue lo que queda del año luego del Quality?

Agustín: –Seguimos con este disco porque creemos que todavía no le hemos sacado todo el jugo. Pero estamos componiendo, siempre para nuevos discos. Por lo pronto apuntaremos con éste a la temporada de verano

Los del Portezuelo presentan su disco en Quality Teatro, Viernes 23 de septiembre, 21.30 hs/ Anticipadas en www.ticketek.com.ar, Quality Gym (Independencia 541) y Quality Espacio (Cruz Roja 200), Valor de las Entradas, Platea baja  $180.00 + $20*, Platea alta  $135.00 + $15*

*servicio por venta

21 septiembre, 2016

Entrevista: Juan Muñiz presenta su disco, Recetas contra el Olvido. Cocina de Autor

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juan-munizEl compositor y escritor  presenta su quinto disco, un puñado de canciones que registran pensamientos sobre el amor, la nostalgia, la historia, el deseo. La cita es este jueves en el Auditorio de la UTE en Buenos Aires.

Juan Muñiz acaba de editar su quinto disco, Recetas Contra el Olvido y lo presenta este jueves en Buenos Aires. Desde las letras, el escritor, publicista, intérprete y compositor (entre las cosas que lo definen, y en cualquier orden de aparición) habla del amor, el humor, la ironía, de la nostalgia, del recuerdo, y de esas cosas que fluyen en su cotidianidad y la nuestra, abarcando un gran abanico de ritmos que van de la bossa, la milonga, el chamamé, la canción, el candombe y la murga, todo sazonado por un gran número de músicos invitados que le ponen el color y el talento a  un repertorio de doce canciones: “Milonga Porteña”, “Suerte perra”, Maldición Gitana”, “Preguntas y Respuestas”, “Pueblo fantasma”, “Mariposa de luto” “Todos Cantan”, entre otras.

Lo acompañan Marcos Di Paolo, Nicolás Giordano, Marita Londra, Néstor Acuña, Pablo Budini, Martín  Castro, Diego Massimini, Marcela Passadore, Hernán Genovese y muchos otros que forman parte de estas Recetas Contra el Olvido, en donde Muñiz suma su pluma a otras como la de Alejandro Szwarcman, Pablo Budini, Nahuel Porcel de Peralta y Hugo Toscaraday.

Este año, Juan ha sido parte de un ciclo en la asociación de trabajadores de la educación, en su sede Buenos Aires, donde junto a Jorge Marzialli ofician de anfitriones de músicos de todas partes del país. “El ciclo se llama Palabra que Anda, e invitamos los segundos viernes de cada mes a tres cantautores por noche. Es un ciclo federal, ha venido gente de todos lados y de primera línea”, -dice-.

Lo que ahora nos ocupa es este disco,  y para hablar de él, Muñiz atiende el teléfono desde Buenos Aires, casi a punto de partir hacia una nota en una radio porteña para luego meterse a ensayar para el concierto del jueves. Se toma unos minutos y responde a las preguntas de Boletín Folklore.

En Recetas… hay una gran cantidad de invitados en todo lo que es instrumental y además las voces de Marita Londra, Néstor Acuña, y la agrupación El Arenero, entre otros…

JM: –En este disco se hizo un gran esfuerzo de producción para que todo valiera la pena. Por ejemplo, los de El Arenero son chicos que hacen bossa, y como yo incluí un tema mío con ese ritmo, los invité a participar. Ellos vienen a mis espectáculos, la cantante ha participado de mis presentaciones. Yo acostumbro mucho compartir con músicos y justamente en ese mismo ejercicio cuando hago conciertos en otros lugares, siempre tengo músicos que me pueden acompañar. En Córdoba (donde estaré tocando en noviembre), vendrán a cantar conmigo Claudio González y Silvia Lallana.

Es tu esencia, porque siempre estuviste intercambiando con otra gente, y este disco es un ejemplo de ello.

JM: –Es verdad, yo considero la música como un ejercicio de compartir, y además en estos tiempos en que ésta se ha vuelto una actividad  dependiente, de autogestión, es cuando más se tiene que ver la solidaridad entre los artistas. Entre colegas, todos nos tenemos que ayudar  para crear distritos de laburo, para que las cosas suenen, porque en estos tiempos sostener un grupo estable, y viajar a lo largo del país, es imposible,  salvo que alguno tenga una ayuda oficial que no es el caso, o una productora muy fuerte que te banque, pero sino, la mayoría de los músicos laburamos así, invitándonos, compartiendo escenario y esa es la manera de mostrar lo que hacemos.

Es probable que también sea una manera de que uno no se estanque en un formato

JM: –Absolutamente, en ese sentido yo tengo muy claro que no me importa demasiado que me clasifiquen o me encasillen en un género  determinado. Hace un tiempo hacía un espectáculo que se llamaba Canciones Descatalogadas, y ese título se debía a que aludía a aquellos tiempos en que la música era un producto netamente industrial y vos sólo podías grabar si tenías una discográfica detrás y te distribuía el disco. Eso obligaba a entrar en un catálogo, y ese catálogo te ponía a vos en una batea determinada. Hacías rock, folklore, tango o melódico. Eso ha dejado de ser así porque la música es autogestiva, en este momento uno puede fusionar cosas sin perder la esencia, entonces el resultado es que uno incurre en ritmos diferentes y ritmos vernáculos o no.

En tu disco hay tantos ritmos como temáticas tienen las canciones, candombe, rumba, bossa, canción. Si hablábamos de encasillar, justamente esto es todo lo contrario…

JM: –Si, hay chamamé, rumbas en que se mezcla un coro murguero, hay milonga, trabajo sin prejuicio poniendo la música en lo que quiero contar, hay letras que se prestan para determinados tonos en lo que uno dice y además porque me gusta que los discos sean variados, hay veces que escucho discos muy buenos pero que tienen una uniformidad rítmica, en estos momentos en los que internet nos conecta con el mundo y nos permite escuchar las músicas más diversas, la fusión vendría a ser el signo de los tiempos.

¿Y en cuanto a las letras? Hay amor, humor, nostalgia…

JM: –En las letras yo siempre tengo una premisa que es contar una historia o un pensamiento. La idea es que cuando alguien escuche una canción mía  le quede una idea de algo, puede ser en tono humorístico, nostálgico, social, rebelándome ante determinadas cosas, pero siempre tiene que contarse una historia. Hay un viejo axioma de la música popular que dice que una canción es una historia contada en tres minutos y yo creo en la validez de eso, últimamente yo escucho cosas que son demasiado autorreferenciales o demasiado oscuras en cuanto a lo que metafóricamente quieren transmitir, y a lo mejor para el autor significan algo pero para el oyente, no se entiende, en mi caso siempre digo sobre lo  que estoy hablando.

La mayoría de las canciones son tuyas, aunque tenés algunas duplas compositivas, un que repite es Alejandro Szwarcman. ¿Qué encontrás en esas asociaciones?

JM: –A mí me gusta musicalizar letras o al revés, dar letras para que les pongan música. Alejandro es un gran escritor de canciones, o Nahuel Porcel, que le ha puesto música a muchos temas míos, en este disco hay un gran poeta que se llama Hugo Toscadaray con el que hice una canción donde él cuenta  su infancia y describe de una manera muy hermosa  y poética su barrio de infancia que es Villa Luro, se llama “Humo de Otoño”. Y yo siempre trabajo así, con gente que siento que está en el  mismo tono.

¿A partir de tu participación como redactor de Humor fue que te volcaste escribir canciones?

JM: –Yo tuve una relación con la música, en el sentido de que yo siempre me consideré un músico, siempre me gustó componer canciones,  yo vivía en Rosario, había ido a estudiar como cualquier pibe el interior,  y rápidamente me di cuenta de que no era lo que me interesaba. Empecé  a trabajar como creativo en Rosario y como músico en el año 80 en Buenos Aires, y empecé a escribir como colaborador de algunas revistas de ediciones de La Urraca, algunas de esas colaboraciones las leyó el director de Humor, ahí me integré a la revista. En esa época grabé Claroscuo, mi primer disco que era un vinilo, casi cuando el vinilo terminaba de existir. Trabajé en distintas cosas, como guionista, editor, escritor volví a la publicidad y hacia música como un pasatiempo, y recién en los últimos años desde hace 14 años me pude dedicar a full a la actividad que más me gustaba y pude grabar algunos discos. Tengo 5 discos, podía haber hecho muchos más, pero no siempre coincidieron mis deseos con la posibilidad de hacerlos.

¿Esas canciones de que tiempo datan?

JM: –Hay cosas que están compuestas de hace años, otras que tienen un tiempo más corto, hay cosas que están empezadas desde hace años y nunca terminadas, la letra de “Pueblo Fantasma” la empecé hace años y la había dejado en la mitad y un día se la mostré a Nahuel, y le empezó a poner música, así que terminé y así quedó en el disco. Pero desde que empecé a grabar este disco hasta ahora hay más de treinta canciones que están esperando ser parte de otro disco.

Hay dos comentarios que te describe en la información que se envía de vos: Hugo Paredero afirma la idea de que sos un cantautor, y Víctor Pintos recuerda tu paso por Humor…

JM: –Si, vos viste que durante mucho tiempo había mucho prejuicio de los músicos de definirse como un cantautor, y yo no tenía ningún problema, me parece que sí, sería en todo caso un tipo que compone sus letras y se acompaña cantándolas con su instrumento. Lo de Hugo quedó porque a veces yo bromeaba en mis espectáculos diciendo que un cantautor es una suma de limitaciones, porque vendría a ser un tipo que ni canta tan bien como para ser un cantor solista, ni toca tan bien como para ser un  instrumentista, ni escribe tan bien como para ser un poeta y el conjunto de esas cosas forma un producto más que respetable. Tanta gente es cantautor, Serrat, Teresa Parodi, Alberto Cortéz, Paul Simon…

En definitiva ¿sos un cantautor?

JM: –Mira vos como he terminado poniéndome de moda sin querer …

¿Y sobre tus años en humor?

JM: –Si, con Víctor no sólo compartimos la época de Humor y Sexhumor, en esos años, sino que también participamos de la gestación de la película Tango Feroz, que iba a ser una película distinta, mucho más ajustada a la realidad y que finalmente por razones de mercado se transformó en otra cosa. Yo quería contar una película mucho más negra y en el cine terminó siendo un héroe romántico, un Quijote. La historia más fidedigna es la que cuenta Victor Pintos en su libro, que es un libro coral donde gente que lo conocía cuenta cómo fue Tanguito y uno se puede ajustar a la imagen más real

¿De quién es el arte de tapa del disco?

JM: –Es un dibujante que yo conocía hace años, él trabajaba en una revista de Rosario, que sería el equivalente de Hortensia, después trabajó en Fierro, y otras revistas y más tarde se fue a vivir a Barcelona donde hoy es un dibujante cotizado, y me hizo el arte de puro amigo, de gaucho, porque no le podría pagar a un artista como el incluso hay una caricatura en el librito del disco que lleva su firma. El arte y diseño lo hizo lo hizo Patricio Vegezzi que es un director de arte con el que yo trabajé mucho en las épocas en que me dedicaba a la publicidad.

¿Todos cantan?

JM: –Si, “todos cantan”, lo que pasa es que algunos no se animan a hacerlo públicamente, pero me parece que cantar es una de las formas que tiene el ser humano de comunicarse. Esa es una de las actividades donde todo el mundo quisiera estar, como tocar un instrumento, o jugar al fútbol. Eso está dentro de los deseos de la gente. Cantar no es menos que volar. Claro, cuando uno canta siente que se despega.

Pao De Senzi

Juan Muñiz presenta Recetas contra El Olvido, Jueves 23 de septiembre, 21 horas, Auditorio UTE, Bartolomé Mitre 1984, CABA

 

 

19 septiembre, 2016

Jorge Araujo y Quintino Cinalli, los sonidos de AIQÚ 

Filed under: Entrevistas, Uncategorized — Etiquetas: — boletinfolkloreblog @ 21:51

araujo-cinalli-2por Gustavo Grosso

AIQÚ es el dúo conformado por Jorge Araujo y Quintino Cinalli, que continúa presentando el disco debut de este nuevo y versátil proyecto. Se presentan el viernes 23 de septiembre en el CAFF, con Rodolfo García y Emilio del Guercio como invitados

Tomando la percusión y la voz como punto de partida para desarrollar un repertorio de composiciones propias, versiones e improvisaciones, AIQÚ no se trata simplemente de un encuentro entre dos prestigiosos bateristas sino que nace de la necesidad de plasmar y mostrar una faceta desconocida para muchos: cumpliendo diferentes roles musicales con la intención de revalorizar la sonoridad acústica y reproducir en vivo la música tal cual se creó y grabó, pasan del canto a la guitarra, a los tambores, al cajón, al bajo y demás instrumentos.

Juntos desarrollan pasajes en los que pueden apreciarse las influencias y estilos que los marcaron, dando como resultado una música fresca y cargada de matices: por un lado, Jorge Araujo (actual Gran Martell y ex miembro de Divididos y Monos Con Navaja) desde el rock, las canciones y las letras, y por el otro, Quintino Cinalli (quien tocó y grabó con artistas de la talla de Esperanza Spalding, Airto Moreira, Trilok Gurtu, Pedro Aznar, Pablo Ziegler, Hugo Fattoruso, Rubén Rada, Alphonso Jhonson, Dino Saluzzi, Mercedes Sosa, entre otros) con su bagaje de música latinoamericana y jazz.

¿Cómo y por qué se gestó AIQÚ?

Jorge: –En los años 80 nos conocimos con Quintino en encuentros baterísticos, pero hubo algo que me llamo la atención de él: en un concierto que di en La Oreja Negra a comienzos de los 90 después de tocar con un grupo lo veo a Quintino y me dice, ¿ah vos sos compositor?. Después de un tiempo fui a un concierto que dio en La Trastienda donde lo vi tocar sus temas con influencias de candombe y fue demoledor. Pasaron los años y me enteré que había grabado en un disco con Esperanza Spalding, entonces dije, lo voy a llamar para felicitarlo, pensando que aún estaba viviendo en Nueva York, pero me enteré que había vuelto a Buenos Aires y fue así como empezamos a juntarnos a comer unas pastas, más que a tocar y en la sobremesa comenzó AIQU. Pero con una particularidad, ninguno de los dos se sentó en la batería que estaba armada.

Quintino: -Sí, se gestó de una manera yo diría casual, empezamos a juntarnos primero a nivel personal y al poco tiempo nos encontramos tocando y componiendo canciones juntos, desde otra perspectiva y con instrumentos distintos; sin batería, canciones de tinte folklórico, otras más rockeras, hasta candombes y blues.

Son dos bateristas que en este proyecto no tocan la batería ¿Cómo surgió la inquietud de incursionar en otros instrumentos, en otros ritmos?

Jorge: -Había una cantidad de instrumentos en la sala donde nos juntábamos incluido una batería, pero nos mostramos uno al otro qué cosas teníamos guardadas, o mejor dicho tocábamos cuando éramos chicos, en reuniones familiares, etcétera. Yo agarré una guitarra, Quintino una melódica y los tambores, después cajón peruano con escobillas, empecé a cantar… Creo que el día que tomó forma fue cuando me pasó Quintino un patrón rítmico en 10 hindú y en vez de ir a un instrumento de percusión agarré la guitarra y compuse un tema sobre ese patrón, entonces fue la primera canción que hicimos juntos.

Quintino: -Claro, los dos teníamos cosas que hacíamos más en círculos íntimos: cantar, tocar guitarra, bajo. Hasta una flauta melódica y obviamente instrumentos de percusión varios. Yo vengo de un contexto que abarca la música latinoamericana, el jazz y lo étnico mientras que Jorge viene del rock, pop. Eso nos conectó más que nada en la improvisación.

En la presentación del disco en el CAFF, van a estar acompañados por dos ex Almendra, Rodolfo García y Emilio del Guercio ¿Qué les significa tocar con ellos? ¿Cómo influenciaron en ustedes las bandas que dieron origen al rock nacional?

Jorge: -Estar en un lugar como el CAFF, donde ya hemos tocado y nos encanta tocar pero esta vez con Emilio y Rodolfo es algo que no se puede creer. Almendra y Aquelarre son las bandas que nos han formado como músicos. Discos que escuchamos enteros ya que los vinilos se ponían y no existía el control remoto, así que escuchabas sentado en un sillón solo o en compañía de amigos todo el disco muchas veces. Es la música que escuchamos de chicos en nuestro idioma y nos dio los cimientos.

Quintino: -Sí, va a ser una fecha almendrada. En primer lugar una gran emoción y felicidad poder compartir música con artistas que forjaron nuestro rock nacional; ídolos desde la infancia. Será muy emotivo y divertido seguramente, haremos versiones de temas de Almendra, Aquelarre y algo más. Yo creo que como a muchos músicos de nuestra generación fue esencial su influencia, la estética de nuestro rock nace con ellos: Almendra, Manal, Los Gatos. Eran tiempos de encuentros, búsquedas y el profundo compromiso con la música, las letras y la identidad, por eso hubo tantos y variados estilos. Una época de oro. Gracias a Dios coincidió en nuestra vida creativa; hoy día hay mucho de toda esa energía en nuestra impronta musical y compositiva.

Uno viene del rock, otro de un estilo más ligado al jazz ¿Cuáles son los primeros recuerdos musicales que guardan de su infancia?

Quintino: -Más allá de los lugares de dónde venimos, que se dan por herencia o elección, iguales de importantes a mi entender son los recuerdos, aquellas cosas que se sellan para siempre en tu mente y corazón. Cuando escuchás los primeros discos, ves la primera banda en vivo, o los instrumentos que te ingenias para tocar, cosas simples pero definitorias en tu pasión.

Jorge: -Beatles, Almendra, Manal. Yo a los 11 años fui a ver la despedida de Crucis al Luna Park, tuve la suerte de ver grandes bandas de rock desde muy chico.

La cita es el viernes 23 de septiembre a las 21hs. en el Club Atlético Fernández Fierro, Sánchez de Bustamante 772, CABA. Rodolfo García, Emilio Del Guercio y Mariano Agustoni serán los artistas invitados

Teresa Parodi en Cocina de Culturas Volver… en canciones

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Foto: Paul Amiune

La artista correntina regresó a Córdoba tras su rol como ministra de cultura y casi una década sin actuar en la capital mediterránea. Fue el sábado 17 de septiembre a sala llena. 

“Hacía mucho que no venía a la ciudad, y hacía mucho que no estaba cantando, por eso este concierto se llama Volver”, explica Teresa Parodi desde las tonalidades rojizas del escenario de Cocina de Culturas, que pisa por primera vez en la historia. Apenas terminaba de cantar “Pueblero de allá ité”, de Pocho Roch y “La changa de los domingos”, y los aplausos ya sonaban fuerte en la sala colmada de un público conocedor de la artista, admirador de su trayectoria y respetuoso de su figura.

Teresa Parodi llegó a Córdoba para actuar el sábado 17 de septiembre, luego de muchos años de ausencia en la ciudad (algo así como una década, según recordaban algunos asistentes, sin contar sus participaciones en el festival de Cosquín) y concretamente tras dos años y medio sin ejercer el rol de artista, mientras fue Ministra de Cultura del gobierno de Cristina Kirchner. Por eso, este regreso tuvo un sentido y un sabor especial. Por eso, los dedos en “V” fueron esta vez para anunciar el regreso de la entrañable cantora, ese “volver” a los escenarios con nuevas canciones (de un disco que no alcanzó a promocionar -30 años + 5 días-, porque fue editado justo cuando asumió como ministra), de sus clásicos y de algunas obras inéditas que fue revelando a lo largo de la noche.

La cercanía con el público permitió que el concierto fuera una constante ida y vuelta. “Ahora estoy musicalizando poesía – contó- ésta es de Cortázar, la escribió en 1967 cuando mataron al Che”, anunció antes de proponer “Yo tuve un hermano”. Invitando al público a cantar el coro del final “me gustó como cantaron. Cuando grabe este tema los voy a llamar, si me dejan su mail”, bromeó.

Entre la música y palabras, algún aplauso a destiempo y efusivo hacía sonreír a la cantora, que ante algún grito de admiración respondía tímidamente tocándose la frente. El pedido de canciones la hicieron proponer una ronda. “Me metí en un lío”, dijo al preguntar si querían canciones viejas, siempre consultando a sus músicos (Juan Manuel Colombo en guitarra y Gaspar Tytelman en percusión) si el tono estaba bien. “Es que Juan Manuel se aprendió más de 40 canciones para esta gira y yo todos los días le traigo algo nuevo”, contó, disculpándose con la audiencia. Allí comenzó el pedido interminable de clásicos y su correspondiente devolución: “La Celedonia Batista”, “La Florentina”, “Canto Labriego”, “La Abuela Emilia”, “Cielo de Mantilla”, “Tarumba”, entre otras. “Todas estas canciones surgieron de relatos de gente que se me acercó y me contó sus historias. Y a la vez estas canciones me impulsan a contar la mía” –dijo.

El concierto del sábado tuvo tantos momentos diferentes como la artista propuso: la emoción de recordar a su productor, Raúl Colombo, trabajador de la cultura recientemente fallecido, hizo brotar algunas lágrimas y un quiebre en su voz; “Paloma, palomita”, “El otro país”, “La primavera” y “Celador de sueños”, de Tilín Orozco, -dedicado con timidez pero con seguridad a Néstor Kirchner-, la impulsaron a hablar de las cosas de la patria, como en uno de los momentos más altos de la noche, cuando anunció que iba a interpretar un poema del paraguayo Elvio Romero al que puso música “no son tiempos tristes pero sí, son tiempos de estar alerta –dijo- acaso este poema tenga mucho que ver con nuestra historia”, y comenzó con ”Y Encima el viento” (Toda la patria en el suelo/ sobre dos palos en cruz/ y encima el viento)

Para el cierre llegarían “Nunca Más” y “Esa Musiquita”, y para los bises, algunas palabras, la bella “Canción para Verónica” y la emotiva “Pedro Canoero”. “Quiero mucho a este pueblo cordobés, porque aquí se celebra la canción y aquí me inicié en ella el mismo año en el que Mercedes volvió del exilio”. El público de pie, la ovación y los dedos en V dejaron en claro que la victoria es hoy, esa posibilidad de regresar a esta mirada, esta voz y a las canciones de Teresa, las de siempre y las de ahora, las que nos nombran tal cual somos.

Pao De Senzi

14 septiembre, 2016

Entrevista: Lucrecia Rodrigo “El aire pampeano es mi genética musical”

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Foto: Esteban Cabrera

por Gustavo Grosso

La pampeana acaba de lanzar su primer disco, Natural un trabajo en donde recorre sonidos de su tierra y otros que la fueron acompañando a lo largo de su intenso camino como artista.

Nació en La Pampa y en los últimos años eligió Córdoba para vivir. Canta y hace muy poco le dio vida a su primer disco, Natural, donde recorre un repertorio de zambas, chacareras y vidalas. El flamante trabajo musical está compuesto por diez canciones que exponen su aire pampeano, entre ellas “Del conjuro”, zamba de Bustriazo Ortiz y Guri Jaquez; “La Pampa es un Viejo Mar”, milonga de Alberto Cortéz y Ricardo Nervi; “Como los Cardos Rusos”, huella de Roberto Palmer y “Huella Perdida”, de César Fernández. También la expone en fase de autora y compositora en dos canciones “Yo lo he visto” y “Sin tu voz”.

¿Cómo le diste forma a tu disco Natural? ¿Cómo fue la elección de las canciones que le dan forma a este trabajo?

Lucrecia Rodrigo: –El disco es una “deuda” pendiente de hace 17 años atrás cuando todo comenzó artísticamente, pero supongo que viene de mucho más atrás. No fue falta de ganas ni tiempo sino de otros recursos. El disco tuvo un gran trabajo de pre-producción, lo que se llama las maquetas, es decir una muestra de cada uno de los temas, de lo que se va a hacer a futuro, estuvo a cargo, principalmente de César Fernández, quien fue el productor del disco, arreglos, grabación, mezcla y master. El disco mutó muchas veces antes de ser lo que es, supongo que porque es difícil resumir tantos años de espera y de haber madurado y crecido en todos los sentidos, como mujer, con la música. Pero sentí que es mi deber que  conozcan alguno de los grandes autores y estilos de mi provincia, desde lo más humilde y con el respeto que merecen. Natural es la forma más genuina de expresar lo que soy.

El aire pampeano está presente en este disco ¿cuál es tu vínculo con el viento de La Pampa, con la llanura, con las costumbres de un lugar como Ingeniero Luiggi? 

LR: –El aire pampeano es mi genética musical, nací y me crié en Ingeniero Luiggi en una casita humilde, en calle de tierra, a orillas de la pampa. Donde, claro, nunca faltó la rueda de amigos, mi padre, mi madre y mi hermano, ahí y así me crié. El viento siempre fue el que se encargó de hacerme sentir más pampeana todavía.

¡Siempre renegué de eso!. Hasta que aprendí que sin él, nada cambiaría de lugar, ni de forma. Cada vez que vuelvo, me lleno de inmensidad, tenemos los mejores atardeceres, y yo el lugar vip, porque abrís la puerta de mi casa y ves el poniente, eso es impagable. Si bien hace 16 años estoy radicada en Córdoba, mis padres siguen en Luiggi, y siento la necesidad de que por estos lados, conozcan mi lugar, a través de la canción. Para mí, es una forma de volver.

¿Este primer disco es tal cómo lo imaginabas?

LR: –¡Si, y más!, Natural me sorprendió, porque termina de reafirmar el nombre, que es ni más ni menos que un estado cotidiano en mí, esto, la música. Me sorprendí, gratamente de todo lo que se logró, sobre todo, que alguien pueda captarte las sensaciones, las ideas y plasmarlas en música, esto se lo debo a César Fernández, a Hugo Suárez, y Sergio Suárez, que trabajaron a la par, y que son parte de este hermoso trabajo. Quería que Natural, sea un sonido, “simple”, (a pesar de su complejidad a la hora de ponerse a arreglar), que tenga un sonido criollo, y es lo que se escucha.

Sos fonoaudióloga, una profesión cargada de herramientas para mejorar las formas de cantar ¿Cómo cuidás tu voz? ¿Por qué cantas?

LR: –Si, elegí esta carrera justamente porque amo todo lo que sea relacionado a la voz y sus cuidados, pero más allá de eso, de cómo se produce. De hecho las especializaciones que hice dentro de la carrera fueron en el área de voz. Me cuido entrenándola de lunes a viernes a la par de mis pacientes y alumnos de canto. La voz, es mi instrumento el más  caro, es el medio de comunicación no hay repuestos ni se compra, así que mi deber es cuidarla.

¿Escuchas mucha música? ¿Por dónde va tu línea de “escuchadora”? ¿Quiénes que son sus referentes de la música popular argentina?

LR: –Escucho mucha música, y en el tiempo uno va mutando con los gustos, sobre todo desde la adolescencia a esta parte, pero la línea genera siempre fue el folklore, claro está, que dentro del folklore hablo de tango, que siempre se lo toma como género aparte. Me gusta mucho el tango, me gusta también la música flamenca, será por mis raíces Españolas. Y dentro del folklore, mi mayor referente de niña fue Horacio Guarany, ¡tremendo poeta!, también Alfredo Ábalos, Hugo Giménez Agüero, Horacio Banegas, entre otros, pero también escucho mucha radio, y músicos de ahora nuevos, compositores excelentes que aportan a nuestro cancionero, y por supuesto, la poesía de nuestro gran Bustriazo Ortíz junto a Guri Jaquez, Lalo Molina, Yacomuzzi, “El Bardino”, entre otros que nos han enriquecido nuestra provincia de La Pampa.

-¿Como ves a ese “país del interior”, el país más allá de la general Paz?

LR: –Me quedé colgada pensando en el interior, que siempre deseo ir a tocar, y ahora que me preguntás, pienso, ¿Qué tiene de diferente?, la gente está deseosa de escuchar cosas nuevas, y nosotros deseosos de nutrirnos de simpleza. No se, no puede dividirse en “dos países”, pero hay otro acercamiento, otro contacto con la gente, con la raíz, será que cuando uno viaja al interior, normalmente te reciben en las casas, entonces uno genera otro vínculos, que el de ir solo a tocar bajarte e irte a tu casa.

Del walkman y la pila de cassettes al mp3. Cambian las formas, quedan los artistas ¿Cuál es tu estilo?

LR: -¡Cómo pasa el tiempo!, acá se delata la edad! Y hay que ir evolucionando junto con la evolución, si vamos a hablar de practicidad hoy el mp3 y ciertas tecnologías nos permiten otros acercamientos, nos permiten hacer viajar nuestra música por más lugares en menos tiempo por ejemplo y también poder mostrar otro sonido, que si se hace abuso de la nueva tecnología o no se usa de una forma adecuada es una involución. Los artistas no tienen que ver con la forma o el medio en que se los escuche, sino con la manera en que se plantan como tal, si lo que muestran es lo que son. En cuanto a mi estilo, supongo que te referís a la hora de elegir entre estos medios y formas, me gusta la evolución, pero como te decía, acompañarla sin dejar de ser realista, es decir, me gusta escuchar un disco y cuando lo veo en vivo que suena lo mismo, no en cuanto a la “perfección” musical, sino al sonido en general que se escucha.

Lucrecia presenta su disco el viernes 14 de octubre a las 21.30 en la ciudad de Córdoba. Espacio El Vecindario, M.T. de Alvear 835, Barrio Güemes.

Entrevista: María Elía sigue presentando su disco Desde mí misma Será el último concierto del año en Buenos Aires antes de su gira promocional

Filed under: Entrevistas, Uncategorized — boletinfolkloreblog @ 13:12

 

mariaelia2por Gustavo Grosso

La cantante y pianista argentina María Elía ofrece en Desde mí misma un diálogo con una fuerte dinámica expresiva entre su voz y el piano. Tangos con una mirada propia sobre la obra de autores y compositores emblemáticos como Contursi y Dames, Gardel y Le Pera, Cadícamo y Cobián, los hermanos Expósito, Manzi y Piana, entre otros. El disco contiene arreglos propios estilizados, con alusiones y sonidos tomados de otros géneros musicales por los que la artista transitó. María Elía aporta a su obra una identidad artística sólida y potente con una gran fuerza interpretativa, en formato solo set, surgida de las influencias más íntimas de la exploración del piano y su voz, un sello distintivo a través del cual ella despliega su autenticidad y el mayor potencial de su talento musical. La última presentación del año en la ciudad de Buenos Aires será el domingo 18 de septiembre desde las 21 en el CAFF, Club Atlético Fernández Fierro, con destacados músicos invitados.

Se viene tu último concierto en Buenos Aires, para luego iniciar una gira mostrando tu disco ¿Qué balance hacés de este año musical?

ME: –Este año ha sido y sigue siendo de cosecha. En 2015 llevé material a un estudio para grabar y eso siempre es producto de mucho tiempo de elaboración anterior Este año aparece con más fuerza la devolución del escucha y la valoración de los medios de Buenos Aires que en cierto modo es lo que completa un decir artístico: la mirada de quién lo recibe.

¿Qué tenés pensando para la presentación del 18 en el CAFF, un ámbito tanguero y porteño?

ME: –Me pone muy feliz poder tocar en un escenario como el CAFF ya que no acostumbro a estar en ámbitos tangueros y esta es una oportunidad de visibilidad distinta. Tengo pensado en principio entregarme al disfrute del dar y recibir que se vive en un concierto al 100%. El concierto estará basado en el repertorio de este nuevo disco Desde mí misma pero con algunos ingredientes diferentes: me atrae la posibilidad de mechar canciones del repertorio popular que me inspira y eso incluye algún tema propio, como parte del material nuevo que se va gestando. También incluyo tangos que no han sido grabados y cuento con dos invitados maravillosos como Emmanuel Álvarez en piano y el gran Juan Pablo Navarro en contrabajo, lo cual me da la posibilidad de jugar con distintos formatos sonoros.

¿A qué lugares te llevará la gira que estás por iniciar con tu disco Desde mí misma?

ME: –La gira está en pleno armado, todavía no están definidos los destinos, pero hay intención de viajar en principio por el interior de nuestro país.

Cantás letras y músicas de Contursi, Gardel y Le Pera, Cadícamo y Cobián, todos grandes y enorme clásicos del tango ¿Qué te significa cantar un tango? ¿Cómo te atraviesan las letras de esos -y otros- grande autores?

ME: –Elegí a los más emblemáticos adrede. Estas obras clásicas como Naranjo en flor, Volver o Tu pálida voz me permiten crear una versión bien propia en un formato de cámara. Fue un alivio muy grande sentir que esas obras de algún modo respaldan el trabajo de alguien que se anima a “opinar” sobre el tango. El tango es mi idioma: soy de Buenos Aires, y es un género que escucho desde la adolescencia. Hay algo en su carácter que me lleva a identificarme, soy muy apasionada. Las poesías de estos tangos son inigualables y me divierto descubriendo la “canción” encerrada en cada uno de esos tangos.

María Elía sigue presentando “Desde mi misma”
18 de septiembre desde las 21 hs
CAFF, Club Atlético Fernández Fierro
Sánchez de Bustamante 772 CABA
http://www.caff.com.ar

 

 

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